Regisseur Francis Lawrence umarmt seinen inneren Barry Sonnenfeld mit dem hochstilisierten Spektakel von Schlummerland. Dennoch gibt es einen überraschenden Widerwillen, sich an die Weite der Emotionen zu klammern, die hinter dem Sinn für Wunder seines Bildes liegen. Selbst mit einer verlängerten Laufzeit, die seine thematische Wirkung untergräbt und die Geduld des Publikums auf die Probe stellt, ist dies möglicherweise die bisher beste Adaption von Winsor McCays Comicstrip Der kleine Nemo im Schlummerland. Andererseits wurde diese Messlatte seit dem animierten Feature von 1989 niedrig angesetzt Little Nemo: Abenteuer im Schlummerland ebenso versäumt, die wahre Kraft der Geschichte zu erschließen.
Die 11-jährige Nemo (Marlow Barkley) lebt mit ihrem fürsorglichen, verwitweten Vater Peter (Kyle Chandler) auf einer abgelegenen Insel irgendwo vor der Nordküste. Sie verbringen ihre Tage damit, zu segeln, zu kochen und sich um ihren Leuchtturm zu kümmern. Er wiegt sie jede Nacht mit großen Geschichten über die Schatzsuche und Abenteuer mit seinem besten Freund Flip (Jason Momoa) in den Schlaf – ein Schlingel, der wie ein böhmischer Karnevalsschreier gekleidet ist, mit Widderhörnern, langem, strähnigem Haar und Reißzähnen anstelle von Zähnen. In einer stürmischen Nacht, nachdem sie eine dieser spannenden Gute-Nacht-Geschichten erzählt hat, stirbt ihr Vater bei einem Rettungsruf auf stürmischer See.
Nemo, die jetzt verwaist ist, wird zu ihrem entfremdeten, arbeitswütigen Onkel Philip (Chris O’Dowd) geschickt, der Schwierigkeiten hat, sich mit seinem neuen Schützling zu identifizieren. Nach einem alptraumhaften Tag nach dem anderen werden ihre Träume zu einer Flucht, bei der sie danach strebt, sich wieder mit ihrem Vater zu vereinen. Stattdessen führen sie sie auf einen tückischen Weg, der eine Karte mit Wunscherfüllungsperlen und wieder einmal Flip, den Freund ihres Vaters, der sein Gedächtnis verloren hat, beinhaltet. Unterdessen werden sie von einem knallharten Büroagenten (Weruche Opia) und einem jenseitigen Rauchmonster verfolgt und drohen, ihre Mission zum Scheitern zu bringen.
Beflügelt von Barkleys und Momoas herausragenden Darbietungen handhabt das Drehbuch von David Guion und Michael Handelman flink sowohl Buddy-Cop- als auch Roadtrip-Konventionen, die vorhersehbare Beats mit Charme und Gespür treffen. Barkley arbeitet offenherzig und deckt verborgene Facetten der Rätsel ihrer Figur auf. Momoa zeigt ein Geschenk für eine breite Komödie und liefert furchtlos eine alberne und süße Prahlerei ab. Traumszenarien, die in verrückten Welten angesiedelt sind, in denen ein Kleinkind mit Pompadour einen Müllwagen fährt und ein Hockeyfan auf einer riesigen Gans durch schneebedeckte Berge reitet, werden zu Versatzstücken, in denen die Schauspieler loslassen und ihre Chemie zeigen.
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Pinar Topraks Partitur kanalisiert thematischen Witz und Launen, fühlt sich verspielt und ergreifend an, schwebend und sentimental, aufschlussreich und einfallsreich. Die bezaubernde Kinematographie von Jo Willems treibt eine gesättigte Farbskala und -palette voran, strotzt vor Leben und fängt blühende Traumzustände wie Pop-Art ein. Kombiniert mit dem Produktionsdesign von Dominic Watkins und dem Kostümdesign von Trish Summerville wird es zu einer prächtigen Symphonie in diesen pulsierenden Umgebungen, die sich den ästhetischen Anspruch von Künstlern wie ausleiht Gänseblümchen schieben und Männer in Schwarz um die tonale Bandbreite und den sentimentalen Spielraum des Bildes zu erweitern.
Während Traumsequenzen absolut spektakulär aussehen (dank der ausgefeilten Arbeit von Visual Effects Supervisor Adrian De Wet), erweisen sich die Filmemacher bei der Erzählung selbst als konservativer. Obwohl sie in Bezug auf das Universum den Regeln unterworfen sind und das Publikum ständig daran erinnern, wann und wo immer möglich, sind dies Träume, über die wir sprechen – und damit kommen Dimensionen, die unförmig, widerspenstig oder unhandlich sind. Folglich sind diese Sequenzen eher kohärent als verrückt, machen gelegentlich selbstbewusste Anspielungen auf ihre psychologischen Konnotationen aus dem Lehrbuch und lassen das Publikum nach fantasievolleren Parametern verlangen. Sie können eine oberflächliche „Füge hier eine Verfolgung oder Störung ein“-Qualität nicht abschütteln, anstatt die verzückte Spontaneität tatsächlicher Träume hervorzurufen.
Der beschwörende Motivationsschub des Bildes wird durch seine knapp zweistündige Laufzeit zusätzlich gedämpft. Die Wachwelt und die Traumwelt vermischen sich unruhig in den Versuchen des Films, reale emotionale Herausforderungen mit surrealen physischen in Einklang zu bringen. Es ist ironisch, dass die Charaktere mit den Komplexitäten des Lebens kämpfen, während die Filmemacher selbst mit der emotionalen Kraft ihres Materials kämpfen. Das heißt nicht, dass herzzerreißende und herzerwärmende Aspekte nicht vorhanden sind. Sie sind es sicherlich, da ein Großteil der Handlung eine starke sentimentale Komponente enthält, die noch verstärkt wird, da sie einem hilflosen Kind und ihrem nicht festgemachten Onkel widerfährt. Leider erweist es sich als gedämpft, wenn es brennen sollte.
Schlummerland geht nicht auf die leichte Schulter, wenn es um Symbolik und Allegorie geht; der leuchtturm und der smogkalmar als metaphern für elternschaft bzw. trauer liegen auf der hand. Aber sein überraschend liebenswerter rebellischer Geist und seine Botschaften gegen das Establishment (von Nemos unkonventioneller Erziehung bis zu Flips trotziger Haltung gegenüber Polizisten) kommen beide klar rüber. Diese Begriffe sowie die Bewältigungsmechanismen, die sie ansprechen, sind klug konzipiert und finden sowohl bei Kindern als auch bei Erwachsenen Anklang. Spielen wie eine Mischung aus Monster AG. und Beginndiese familienfreundliche Fantasie lässt das Publikum zum Glück nicht einschlafen, aber sie zieht uns auch nicht in ihre verträumte Empfindung hinein.