La carrière artistique de Yoko Ono (Tokyo, 1933) commença sous les bombes des avions américains au-dessus du Japon pendant la Seconde Guerre mondiale. La petite Yoko a fui avec sa famille vers la campagne, où la nourriture et les produits de première nécessité étaient rares et où, avec son petit frère, elle passait ses journées à regarder le ciel comme un échappatoire à l’horreur de la guerre. «Nous imaginions des assiettes de nourriture dans les airs et utilisions nos pouvoirs de visualisation pour survivre», se rappelait alors l’artiste. « C’était peut-être ma première œuvre d’art. »
Dès lors, il ne cesse de créer. Et toujours sur fond de fragmentation de l’individu et de nécessité d’établir des liens, de partager et de collaborer pour parvenir à une une société plus juste et plus égalitaire. Ono est devenu une référence en matière d’art participatif au cours de la seconde moitié du XXe siècle, transformant les contributions du public en un autre élément de ses œuvres. Quelques créations qui Tate Modern de Londres a rassemblé dans l’exposition ‘Yoko Ono: Musique de l’esprit’qui passe en revue les œuvres les plus marquantes de l’artiste au cours de près de 60 ans de carrière et sera ouverte au public du 15 février au 1er septembre.
Art participatif
Parmi les pièces de l’exposition se trouve l’anthologie ‘Pamplemousse’publié en 1964, qui rassemble des centaines de instructions écrites au public pour que vous puissiez imaginer, expérimenter et compléter vos créations, physiquement ou simplement dans votre tête. Dans l’une d’elles, l’artiste donne la consigne suivante : « Faites un trou dans une toile et passez votre main à l’intérieur par l’arrière. Recevez vos invités dans cette position. Serrez-vous la main et parlez-en. La reproduction de cette toile est l’une des plus proches 200 œuvres exposées à la galerie de Londres.
Ono a compris l’art participatif comme une forme de mettre le public au centre et unir une société fragmentée par la guerre et les conflits. Quelque chose qui, selon le commissaire de l’exposition, Juliette Bingham, est l’axe central de l’exposition. « Ono a décrit son art comme transformateur, incomplet et participatif« , Expliquer. Tout au long du parcours, les visiteurs peuvent peindre leurs propres ombres sur la même toile (« Shadow Piece », 1963), écrire des messages à leur mère et les accrocher au mur (« My Mommy is Beautiful », 2004) ou jouer aux échecs. sur un plateau avec tous les carrés et chiffres blancs (« White Chess Set, 1966). « Jouez aussi longtemps que vous vous souvenez où se trouvent toutes vos pièces », indiquent les instructions.
Des créations telles que l’échiquier blanc renforcent l’objectif d’Ono de mettre fin aux conflits et parvenir à une société égalitaire et pacifique. « Il a commencé à réaliser de plus en plus d’œuvres qui intègrent et amplifient son message pacifiste. Il existe un grand nombre d’œuvres qui font référence à la le ciel comme métaphore de la paix et de la liberté« , dit Bingham. Ce ciel, observé avec son frère lors de son enfance au Japon, se matérialise dans des œuvres telles que « Helmets: Pieces of Sky » (2001), dans lesquelles une douzaine de casques allemands de la Seconde Guerre mondiale, suspendus au plafond, sont remplis de pièces de puzzle bleues que les visiteurs peuvent emporter chez eux.
Activisme avec Lennon
L’exposition laisse également de la place aux actions qu’Ono a menées avec son mari, John Lennon, pour diffuser son message pacifiste. Parmi eux se trouvent des enregistrements de chansons comme ‘Donner une chance à la paix’ (1969) ; des photographies de la campagne « La guerre est finie (si vous le voulez) », avec de grandes affiches placées dans des quartiers emblématiques de villes comme Londres ou New York à la fin des années soixante, ou un fragment du documentaire « Paix au lit » (1969), qui rappelle le moment où le couple rencontra la presse depuis leur lit d’hôtel à Montréal pour protester contre la guerre du Vietnam.