Le Teatro Real parie gros avec sa proposition pour ce Noël, en programmant jusqu’à 22 représentations d’un Rigoletto cela ne laissera personne indifférent, ne convient pas aux traditionalistes, ce qui était évident le samedi 4 dernier, lorsque la première représentation s’est terminée et que l’équipe de scène est venue saluer: cela faisait longtemps qu’on n’avait pas entendu des huées aussi fortes qui parcouraient la foule, parallèlement à de vifs applaudissements.
Rien à objecter. Un opéra doit entretenir la flamme de la surprise, de l’actualité et même de l’indignation. Intervenir Venise lors de la première de ce titre en mars 1851 à La Fenice et cela se reproduisit à Madrid avec la mise en scène de Miguel del Arco (1965).
Le metteur en scène madrilène, l’un des plus grands talents théâtraux d’Espagne, – que l’on ne peut plus définir comme « enfant terrible » mais seulement « terrible » – affronte son premier titre d’opéra en plaçant son Rigoletto du point de vue de la violence sexiste contre les femmes. . Un sujet qu’il a déjà abordé à Jauría, son travail théâtre écrit en 2019 basé sur une série de transcriptions textuelles des procès-verbaux du procès de la Meute, une pièce extrêmement dure, intense et brutale. Surtout quand au début de la pièce il était expliqué que tout ce qui allait être entendu pendant les 85 minutes que durait la pièce était exactement ce qu’on pouvait entendre au procès.
Avec ce bagage, Del Arco considère Rigoletto comme une extension de ce pack et sa violence sexuelle et cela ne sauve même pas un des personnages : El Duca est dépravé, rien de nouveau, mais dans ce cas même dans les quelques instants de son engouement minime, aucun romantisme n’émerge. Rigoletto dans cette production n’est pas le père dévoué qui désespère de garder sa fille loin des griffes des hommes, et surtout du Duca « Meno che a tutti a lui ». Pour Del Arco, Rigoletto est le chef de la meute, celui qui manipule les femmes de la cour à sa guise et qui vit obsédé par le fait de garder sa propre fille kidnappée, une Gilda qui pour la première fois n’est pas l’adolescente pieuse et altruiste de messe quotidienne que nous avons dans nos têtes mais une jeune femme excitée par sa robe décolletée, veut sortir et flirter mais est obligée d’enfiler son peignoir quand son père arrive. Rien dans ce Rigoletto n’est à sa place.
Pour Del Arco, tout tourne autour et s’explique par cette violence de genre qui traverse le spectacle dès le début, avant même que les premières notes de l’ouverture ne commencent lorsque ATTENTION, SPOILER Dans l’obscurité totale, une jeune femme est poursuivie à travers les étals par deux hommes avec des masques de lapin qui la chassent sur scène et avec trois autres, ils la déshabillent et, sous les ordres de Rigoletto, l’incorporent dans la cour des femmes » Freixenet bulles. » , du Palais de Mantoue, avec un mouvement scénique spectaculaire avec le rideau comme protagoniste qui laisse cloué au siège.
Ce corps de ballet en or est dirigé de loin par le bossu (sans bossu bien que ses vêtements suggèrent une certaine maladresse physique) qui, plus que divertir la cour avec ses plaisanteries dans cette production, semble la gouverner. Dès ces premières minutes, Del Arco vous coupe le souffle encore et encore, remplissant continuellement la scène de personnages et peaufinant minutieusement chaque scène.
Lors de sa conception, le réalisateur madrilène a dû être un volcan d’idées et en cas de doute sur lequel choisir, il a dû se dire que diable, j’ai tout mis dedans ! C’est la seule façon d’expliquer pourquoi il y a une scène avec une seule personne sur scène, lorsque Rigoletto chante son air « Pari Siamo ».
Le reste du spectacle est constitué d’un cortège constant de figurants et, à côté du chœur, d’un corps de ballet avec un travail scénique intense. Del Arco résout la peur du vide en remplissant tout de monde, même si la scène exigerait peut-être un peu plus de calme, une absence de « bruit visuel » cela permet de profiter de la musique, ce qui n’est pas le cas : Gilda chante Caro Nome entourée de corps nus dans ce qui ressemble à une masturbation avec une fin heureuse.
El Duca interprète Ella Mi Fu Rapita ! et la prochaine cabaletta Possente aime ma Chiama avec des danseurs qui vont d’ici à là et même La Donna E Mobile se joue au milieu d’un terrain vague désolé et inhospitalier où erre un grand groupe de prostituées. accro au fentanyl, simulant une fellation à un rythme de plus en plus frénétique. Sans aucun doute, Del Arco n’a pas épargné le personnel, mais il soigne chaque scène dans les moindres détails. Rien n’est laissé au hasard et chaque seconde est mise à profit pour raconter quelque chose depuis la scène.
Sans aucun doute, la scénographie est puissante : depuis le début spectaculaire qui transforme le rideau en élément du décor, jusqu’à une solution très ingénieuse pour présenter la maison de Rigoletto ou le champ austère de l’acte final. Bon travail de Sven et Ivana Jonke.
Tout aussi remarquables et d’une énorme richesse visuelle sont les costumes de Ana Garay et l’éclairage qui dans cette production joue un rôle particulier sous la direction de Juan Gómez-Cornejo. Il suffit de voir comment la lumière, ou son absence, est utilisée pour mettre en valeur chaque aspect dramatique recherché par Del Arco. Il y aura sans doute de nombreux spectateurs qui quitteront le spectacle en colère lors des prochaines représentations. Théâtre Royal. D’autres sont enthousiastes, mais je pense que nous nous souviendrons tous d’une scène de ces débuts d’un metteur en scène qui, bien qu’il soit arrivé tard à l’opéra, tout indique que nous verrons des projets futurs – et sûrement tout aussi controversés.
Musicalement, la soirée a été bouleversante. Tous les chanteurs étaient dans un immense moment vocal. Ils ont particulièrement brillé Ludovic Tézier comme Rigoletto et Adela Zaharie Comme Gilda. Quels talents, quelle puissance, quelle richesse sonore, quelle merveille de les entendre chanter avec une telle emphase, une générosité étonnante et un goût sublime. Tézier a un beau legato et une manière incroyable de dire chaque phrase, en dehors de ces notes éternelles, soutenues et sûres. Zaharia était une Gilda particulière : pas une adolescente, physiquement puissante et avec une ligne vocale luxueuse. Son air était une extase continue, avec chaque note, non seulement elle aimait être entourée de tant de corps, mais elle nous faisait tous profiter d’une performance dont on ne voulait jamais finir. Merveilleux.
Javier Camarena C’est pareil… mais ce n’est plus pareil. Si l’on n’avait pas apprécié autant de soirées de ce ténor et l’avait entendu pour la première fois, il faudrait reconnaître son talent et sa bravoure dans ces performances. Il chante bien, il a et maintient les aigus et la ligne de chant et la voix est toujours aussi belle que dans mes souvenirs. Mais il est étrange, il chante étrangement et ce son d’éclair avec lequel il nous a laissé sans voix n’est plus là. C’est un grand ténor mais on se souvient de cet autre Camarena qui a passé des nuits inoubliables au Teatro Real.
Le groupe des comprimarios est digne, d’une Maddalena dévouée à son rôle – peut-être excessivement – dans la voix de Marina Viotti au bon Simon Lim dans le rôle de Sparafucile (malgré sa diction inintelligible et sans le frisson ni le punch que lui donne la basse méditerranéenne) et le Monterone de Jordan Shanahan.
Le deuxième casting maintient un niveau similaire même s’il brille de sa propre lumière. Xavier Anduaga. Le ténor basque, si jeune, est déjà impliqué dans des rôles puissants qui lui confèrent une immense bravoure. Sa voix est maintenant un flux de lumière, de couleur, d’harmoniques, il continue de chercher comment normaliser certaines transitions qui restent étranges mais qu’il résout avec force et bien que scéniquement il reste un peu timide (ce qui dans un Rigoletto comme celui-ci, si charnel , est-ce que vous remarquez quelque chose d’inconfortable), il résout magnifiquement bien son rôle. Gilda de Julie Fuchs est plus que digne, avec de très belles phrases mais elle montre le moment vocal qu’elle traverse, pas le meilleur de sa carrière. La voix semble un peu plus sourde et la zone supérieure vibre excessivement mais elle défend son rôle.
Le Rigoletto d’Étienne Dupuis est un déchet scénique : son interprétation est un un bouffon complètement différent de Tézier (en fait les costumes sont complètement différents les uns des autres, curieux. Tézier a dû dire : j’épargnerai ces légers et ces trucs de cabaret) mais vocalement c’est plus correct.
L’orchestre de basse Nicolas Luisotti Cela semble soigné, soigné et rythmé. Ce n’est pas le meilleur Verdi du maître italien au Teatro Real, qui semblait s’éveiller dans un magnifique Cortigliani ou dans la vigoureuse scène finale, mais qui souffrait de correction dans les deux duos de Rigoletto et Sparafucile, d’authentiques duels dramatiques qui sonnaient trop routine et inadéquations évidentes entre la scène et la fosse à différents moments. Le Chœur Intermezzo est merveilleux, car il est habituellement désormais sous la direction de José Luis Basso. Et un travail spectaculaire du corps des danseurs, si important dans cette vision de Del Arco.
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