Le marché de l’art indien est en plein essor et il semble opportun que les œuvres d’Amrita Sher-Gil – la reine incontestée de l’art indien moderne – mènent la charge. Son chef-d’œuvre de 1937, « The Story Teller », est récemment devenu le tableau indien le plus cher jamais vendu aux enchères.
Lors de la vente du soir très médiatisée de Saffronart le 16 septembre, « The Story Teller » a atteint la somme stupéfiante de 618 millions de roupies (7,4 millions de dollars), un prix près du double de son estimation supérieure, selon Minal Vazirani, cofondatrice de Saffronart.
Longtemps reconnu comme un trésor national par le gouvernement, Sher-Gil (1913-1941) s’est toujours démarqué sur la scène artistique indienne, majoritairement dominée par les hommes. La vente record de « The Story Teller » « marque une étape importante dans l’écosystème artistique sud-asiatique, car il s’agit non seulement de l’œuvre de la plus haute valeur, mais aussi d’un record détenu par une femme – certainement un marqueur qui doit être célébré en Inde », a déclaré Vazirani. raconte RT.
En 2021, le tableau « Ladies’ Enclosure » de Sher-Gil a été adjugé pour 378 millions de roupies (5,14 millions de dollars) lors de la vente aux enchères Summer Live de Saffronart, ce qui en fait la deuxième œuvre d’art indienne la plus chère vendue dans le monde à l’époque. Incroyablement, la valeur marchande de ses œuvres a presque doublé en l’espace de seulement deux ans.
Cependant, Sher-Gil n’est pas le seul artiste indien dont les peintures sont devenues des marques ou des symboles de statut valant des millions de roupies. À peine une semaine avant la vente de « The Story Teller », la rêverie abstraite du regretté Sayed Haider Raza, « Gestation » (1989), a fait la une des journaux lorsqu’elle a été adjugée 517,5 millions de roupies (6,27 millions de dollars) chez Pundole’s, une maison de vente aux enchères basée à Mumbai.
Raza était un membre fondateur de l’emblématique groupe d’artistes progressistes formé en 1947 à Bombay après l’indépendance. Ses contemporains comprenaient MF Husain, VS Gaitonde, FN Souza, Tyeb Mehta, Ram Kumar et Krishen Khanna – qui deviendront tous des figures clés de l’art moderne indien. Sur le marché actuel, leurs œuvres atteignent des prix astronomiques.
En 2021, une imposante toile abstraite de Gaitonde a été achetée pour près de 340 millions de roupies (5,5 millions de dollars) lors de la vente aux enchères Saffronart Spring Live. Un an plus tard, en février 2022, ce record a été dépassé lorsqu’une œuvre monumentale de Gaitonde a rapporté la somme époustouflante de 420 millions de roupies (5,9 millions de dollars) lors d’une vente aux enchères de Pundole à Mumbai.
Grandes ambitions, grandes attentes
Si l’Inde est actuellement classée parmi les économies à la croissance la plus rapide au monde, alors l’industrie artistique du pays constitue un cas d’étude fascinant, doté d’un énorme potentiel de croissance et d’une puissance de feu latente qui lui est propre. Malgré l’impact dévastateur de la pandémie de Covid-19 sur les entreprises, le marché de l’art moderne et contemporain a progressivement rebondi et conquiert désormais de nouveaux sommets. Selon les données du Indian Art Market Report de Grant Thorton, le marché avait atteint un chiffre d’affaires record de 10,25 milliards de roupies (137 millions de dollars) en 2022, soit une augmentation surprenante de 281 % depuis 2012.
« Le marché de l’art indien a connu une croissance significative au cours des cinq dernières années, avec un nouveau sommet en 2022 (les enchères publiques ont dépassé le précédent sommet de 2008, qui était de 143 millions de dollars) », explique Vazirani.
La maison de vente aux enchères AstaGuru, basée à Mumbai, attend également beaucoup du marché de l’art indien. Sa vente aux enchères la plus récente, « Modern Treasures : Modern Indian Art », a rapporté une valeur totale de vente de 647 millions de roupies, avec des œuvres d’artistes tels que Ganesh Pyne, KH Ara et B Prabha établissant de nouveaux records.
« Avec une augmentation de 9 % du chiffre d’affaires et une hausse de 6 % des œuvres d’art vendues par rapport à 2022, le marché de l’art indien connaît une pente constante. Le nombre d’œuvres proposées aux enchères a connu une augmentation de 11 % par rapport à l’année précédente, ce qui indique que le désir de collectionner et, par conséquent, le nombre d’offres aux enchères ont augmenté de manière symbiotique », explique Tushar Sethi, PDG d’AstaGuru.
Le secteur de l’art indien est toujours à la traîne des marchés de l’art américain (30,2 milliards de dollars) ou français (5 milliards de dollars) en termes de revenus et d’infrastructures, mais Sethi juge cette comparaison injuste.
« Le marché indien des enchères d’art, bien qu’en expansion rapide, ne peut être comparé au marché occidental. Le marché de l’art indien occupe une position particulière dans le paysage artistique mondial, marqué par son riche patrimoine culturel, ses diverses traditions artistiques et une communauté naissante d’artistes talentueux », explique Sethi.
« Néanmoins, lorsqu’on le juxtapose à d’autres pôles artistiques mondiaux tels que New York, Londres ou Hong Kong, il présente plusieurs distinctions notables. Ce n’est qu’au cours des dernières décennies que l’art est devenu un bien esthétique précieux dans ce pays. Il existe une grande différence en termes de taille du marché et de nombre de collectionneurs entre les marchés de l’art occidentaux et indiens.
Ce n’est pas la première fois que le marché de l’art indien connaît un boom. Vers 2006, il a grimpé rapidement grâce au vent favorable d’une économie haussière, mais a rapidement chuté, provoquant une onde de choc dans l’industrie. Mais peu à peu, le marché s’est redressé et s’est réinventé.
Les marchés aux enchères sont parfois critiqués pour leur caractère spéculatif. Au mieux, le « terrain de jeu des milliardaires » ? Le « marché secondaire » au pire ? Quoi qu’il en soit, on ne peut nier qu’ils ont alimenté la croissance globale du monde de l’art. Leur rôle dans la reconnaissance et l’amélioration de la valeur de la marque des artistes et dans la courtisation même de ceux qui ne s’intéressent pas activement à l’art est particulièrement louable.
Ironiquement, les artistes eux-mêmes sont connus pour partager une relation amour-haine avec les ventes aux enchères. Malgré son indifférence face à la montée en flèche des prix de son art, l’artiste moderne Akbar Padamsee a reconnu dans une interview accordée au magazine « Open » en 2012 que « l’évaluation est importante parce que c’est ainsi que l’on est jugé ».
L’essor des médias sociaux
Mais les ventes aux enchères ne constituent qu’un aspect du marché de l’art indien. Il existe également des galeries commerciales, des musées, des biennales et des foires d’art qui ont contribué au boom actuel. Beaucoup pensent que des événements très prisés comme l’India Art Fair, la Biennale de Kochi-Muziris, le Mumbai Gallery Weekend, le Serendipity Arts Festival et la Delhi Contemporary Art Week ont réussi à faire connaître l’art au grand public. Parallèlement, l’ouverture d’institutions privées comme le Musée d’art et de photographie (également connu sous le nom de MAP) à Bangalore et le Centre culturel Nita Mukesh Ambani (NMACC) à Mumbai a considérablement stimulé la scène culturelle. Par ailleurs, le Musée d’Art Kiran Nadar (KNMA) a récemment dévoilé les plans d’un deuxième musée à New Delhi.
Les Indiens peuvent désormais enfin découvrir des œuvres d’art de classe mondiale dans leur propre pays, sans se rendre en Europe ou en Amérique. Alors que les Indiens fortunés continuent d’être d’importants investisseurs dans les beaux-arts, un nombre croissant de citadins de la classe moyenne disposant de revenus disponibles de plus en plus élevés entrent également sur le marché. Selon certains, les biennales et les foires d’art courtisent délibérément cette population de nos jours.
« Les Biennales et les festivals d’art constituent des pôles dynamiques au sein de l’écosystème artistique, favorisant la créativité, les échanges culturels, la croissance économique et le discours critique », déclare Bhavna Kakar, fondatrice de la galerie Latitude 28 basée à New Delhi et rédactrice-éditeur du magazine ‘ PRENDRE L’Art’. « Ils contribuent au dynamisme et à l’évolution du monde de l’art contemporain, ce qui en fait des éléments essentiels de la scène artistique mondiale. De telles foires et événements culturels importants offrent une plate-forme mondiale permettant aux artistes indiens de présenter leur travail et de dialoguer avec un public international diversifié », Elle ajoute.
Au cours de la dernière décennie, l’art indien a séduit le public sur la scène mondiale, renforçant ainsi le soft power du pays. La créativité indienne a captivé l’imagination du monde entier en montrant ce dont elle est capable en termes de langage stimulant et de penchant pour les sujets hautement philosophiques et repoussant les limites. De nombreux artistes indiens ont bénéficié de spectacles à succès dans de vénérables institutions occidentales, gagnant à la fois des applaudissements et de la popularité.
Par exemple, depuis des maîtres connus tels que Sayed Haider Raza et Nalini Malani au Centre Pompidou à Paris, jusqu’à des artistes plus jeunes et plus expérimentaux tels que Shilpa Gupta et Ranjani Shettar au Centre Barbican de Londres. Sans oublier la vaste rétrospective de VS Gaitonde au Guggenheim Museum de New York en 2015 et l’exposition marquante de la carrière de l’iconoclaste Bhupen Khakhar à la Tate Modern de Londres en 2016.
« Cette exposition a non seulement amélioré la reconnaissance des artistes indiens, mais a également favorisé les échanges interculturels, injectant de nouvelles perspectives et idées à la scène artistique indienne », ajoute Kakar.
La jeunesse est devenue un élément important et influent de la scène artistique internationale dans son ensemble, explique Kakar. Il n’est donc pas étonnant que les galeries contemporaines comme Latitude 28 s’engagent avec enthousiasme auprès des jeunes grâce à diverses stratégies qui prennent en compte leurs intérêts, leurs préférences et leur connectivité numérique dans le but de mondialiser le réseau artistique.
L’essor des médias sociaux semble être une autre explication de l’optimisme de la jeunesse que l’on constate dans une industrie par ailleurs conservatrice et de niche comme le marché de l’art.
Comme le soutient Kakar, « c’est plus important car, selon les rapports, le collectionneur moyen en Inde a entre 35 et 39 ans. Un nombre croissant de jeunes Indiens collectionnent des œuvres d’art à titre d’investissement. De plus, avec la démocratisation de l’art par les médias sociaux, l’accès à l’art a dépassé les cubes blancs et s’est tourné vers l’alliance de la technologie et de la façon traditionnelle de voir. Non seulement cela, mais nous pouvons également observer une vague de talents émergents utilisant la technologie comme moyen de rédiger et de créer de l’art en ligne, et ces artistes utilisent des plateformes comme Instagram et Pinterest pour présenter leur créativité au monde. Qui aurait imaginé cela il y a quelques décennies ?
Priyanka Raja, co-fondatrice et directrice de la galerie Experimenter, qui possède des espaces à Calcutta et Mumbai, est du même avis : « Beaucoup de ces jeunes acheteurs sont peut-être des collectionneurs de première génération, mais leurs connaissances et leur enthousiasme sont absolument formidables. J’attribue en grande partie cet enthousiasme aux médias sociaux, car ils ont le monde à portée de main. »
Tout en admettant que son industrie se porte bien ces derniers temps – surtout au lendemain de la pandémie – elle reste encore plus optimiste quant à l’avenir. « Ce n’est qu’une question de temps avant que l’apprentissage fondé sur une consommation constante d’images et le partage d’informations entre amis et pairs conduise à un œil vif et à un comportement de collectionneur développé. De plus, la démocratie d’Internet garantit que ces collectionneurs ne sont plus limités géographiquement.