Alain Delondécédé ce dimanche à l’âge de 88 ans, était le plus beau des beaux visages, angélique et magnétique d’une période de splendeur du cinéma européen sous la houlette des grands réalisateurs français et italiens. Nous soulignons sept films inoubliables des années 60du meilleur Ripley au parvenu Tancredi de The Leopard ou Melville’s Samurai. Son visage représentait le cinéma lui-même.
En plein soleil
(René Clément, 1960)
Son premier rôle principal et le film qui l’a propulsé vers la célébrité à l’âge de 24 ans. Tel un dieu grec, Alain Delon incarne un Tom Ripley à la fois séduisant et méprisable, le personnage immortel créé par Patricia Highsmith. L’histoire du carriériste et impitoyable Ripley a eu de nombreuses versions (la dernière, notable, vient de sortir par Netflix) mais aucun n’a été aussi effrayant que celui de Delon sous la direction de René Clément.
D’un seul regard, dans lequel il est passé de la plus pure innocence au mal le plus extrême, l’acteur nous a fait comprendre pourquoi les millionnaires sans méfiance qu’il veut tromper (le couple incarné par Maurice Ronet et Marie Laforêt) non seulement sont tombés dans ses griffes mais nous aussi sommes tombés séduits par le monstre dans une histoire qui a toujours eu une certaine ambiguïté morale dans son reflet de la cruauté des différences sociales.
Rocco et ses frères
(Luchino Visconti, 1960)
L’un des meilleurs films de tous les temps. Rien de moins. Dans son année de gloire, Alain Delon incarne un personnage radicalement différent de Ripley, donnant vie à Rocco, un « montagnard » du sud de l’Italie qui vit à Milan avec sa mère et ses frères. Dans une tonalité néoréaliste, un Visconti retenu crée un drame exemplaire qui est un récit du mythe de Caïn et Abel. D’un côté, Abel, Rocco lui-même, le beau jeune homme talentueux et bienveillant, et devant, Caïn, ou Simone (Renato Salvatori), un gars furieux parce qu’il a conscience de sa propre médiocrité.
Reflet inestimable de la vie des ruraux émigrés vers les grandes villes à l’époque, il est un film très triste et beau sur le potentiel catastrophique de l’envie et du ressentiment ainsi qu’une réflexion poétique et détaillée d’un moment historique fondamental.
L’éclipse
(Michel-Ange Antonioni, 1962)
Conclusion de la trilogie sur le « malaise moderne », Antonioni déploie son style maniériste, turbulent et « dense » bien connu dans ce film où il aborde dans une perspective très différente de celle de Rocco, mais complémentaire, la transition d’une société européenne rurale à une société urbaine dans lequel les anciens liens sociaux sont rompus.
L’égérie du cinéaste italien, Monica Vittiincarne une femme qui, après avoir quitté son partenaire (Francisco Rabal) entame une histoire d’amour avec un jeune homme séduisant et mystérieux (Delon, bien sûr) marqué par l’attirance physique mais aussi la méfiance et la peur.
Le Léopard
(Luchino Visconti, 1963)
« Que tout change pour que tout reste pareil », la phrase la plus citée dans l’histoire du journalisme moderne. Le court et célèbre roman de Giuseppe Tomasi di Lampedusa sur la crise de l’aristocratie en raison de la force bourgeoise à la fin du XIXe siècle en Sicile, elle devint un grand classique du cinéma dans lequel brille à cette occasion le classiciste Visconti, profitant pleinement de la beauté infinie de l’art et du raffinement italien.
Avec la famille Corbera, dont le père, Fabrizio (Burt Lancaster) détient le titre de prince, on voit comment ils font face à la réussite économique d’une nouvelle classe sociale bourgeoise cela commence à avoir des parcelles de pouvoir qui leur appartenaient ancestralement, et qu’ils considèrent comme vulgaires.
Si Fabrizio symbolise la mélancolie de la fin du vieux monde, le personnage d’Alain Delon, son neveu, Tancredi, qui rejoint les « chemises rouges » de Garibaldi et s’efforce de faire une carrière politique dans le nouveau scénario, montre pour sa part la capacité de la « vieille » aristocratie maintenir leur pouvoir « même si tout change ».
Le silence d’un homme
(Jean-Pierre Melville, 1967)
Egalement connu pour son titre original, Le Samouraï, Alain Delon réalise dans ce film ce que très peu d’acteurs seraient capables de faire, des minutes et des minutes « endurantes » de gros plans de son visage avec pratiquement aucun dialogue dans un film qui constitue l’une des plus belles œuvres d’art de l’histoire du cinéma.
Hommage au cinéma noir américain que les réalisateurs issus des Cahiers du Cinéma ont élevé sur les autels, Delon incarne un tueur à gages qui mène une vie solitaire et dans un de ses « métiers » il commet une faiblesse en ne tuant pas un éventuel témoin et commence un cauchemar sur la loyauté, la trahison et l’honneur. Le film commence par une citation du Bushido, le livre du samouraï : « Il n’y a pas de plus grande solitude que celle du samouraï, sauf peut-être celle du tigre dans la jungle. »
La piscine
(Jacques Deray, 1969)
Grande réussite en son temps, c’est un film prototypiquement « français », dense, prétentieux et volontairement lent. Soutenu par la romance réelle du couple protagoniste, Delon et Romy Schneider, qui à leur époque représentaient l’incarnation de ce que nous appelons aujourd’hui cool, le film parle, comme le dit le New York Times, de « de belles personnes dans de beaux endroits ». « se comporte mal. » Situé dans une villa de Saint-Tropez, il s’agit d’un thriller psychologique dans lequel la tragédie se déroule lorsqu’un couple bourgeois reçoit la visite de son ex-amant et de sa fille adolescente explosive (Jane Birkin).
Borsalino
(Jacques Deray, 1970)
Dans ce film explosif à l’ambiance gangster. Jean Paul Belmondo et Alain Delon, les plus grandes stars françaises de leur époque, sont ce que Robert Redford et Paul Newman ont fait au cinéma américain dans The Coup. Grand succès auprès du public de l’époque, les comédiens incarnent deux petites canailles dans le Marseille des années 30 amoureux de la même femme (Catherine Rouvel), dans le film on voit comment les choses deviennent de plus en plus laides, et violentes, jusqu’à la fin. le couple criminel qui avance dans le monde du grand banditisme marseillais et devient gourmand. Si Le Silence d’un homme est une sublimation avant-gardiste des codes du film noir, Borsalino les célèbre dans un film reprenant ce qu’ils disaient déjà dans La Jungle d’asphalte de John Huston : « Le chemin du crime est celui de la perdition. » .