Ce était une ère de modernisation industrielle, de troubles sociaux dus à la naissance du mouvement ouvrier organisé, de progrès scientifiques cela, entre autres choses, changerait la médecine, des mouvements migratoires qui ont transformé l’Espagne et les territoires de destination de ceux qui sont partis. Mais ce furent aussi des années au cours desquelles l’obscurantisme, le poids de la religion ou les inégalités sociales extrêmes Ils ont continué à freiner dans un pays qui a toujours mis un peu plus de temps que ses voisins à voir des progrès.
Ces changements et courants internes sont ceux qui sont décrits par les grands maîtres de cette époque. « Art et transformations sociales en Espagne (1885-1910) »Quoi Javier Solana présenté ce lundi comme « la grande expo de la saison et l’une des expositions les plus ambitieuses que le musée du Prado. L’occasion de comprendre, a expliqué le président du Conseil d’administration, « comment le tournant du siècle a transformé notre pays socialement et culturellement, au point de modeler l’Espagne d’aujourd’hui », et de le faire avec l’aide de créateurs fondamentaux comme comme Picasso, Sorolla, Solarium soit John Grayet bien d’autres.
La nouvelle exposition du Prado rassemble au total 300 œuvres. La plupart d’entre eux font partie des collections du musée, même si jusqu’à présent seulement quelques-uns d’entre eux ont été exposés en permanence en raison des limites imposées par la disponibilité de l’espace dans un musée aux entrepôts débordants. Beaucoup proviennent d’autres institutions ou de collections privées. L’exposition est si grande qu’elle occupe tout l’espace réservé aux expositions temporaires.
Beaucoup de peinture, mais aussi de photographie
Dans chacune des salles dans lesquelles il est organisé, selon des thématiques différentes (travaux agricoles, médecine et maladie, prostitution…), des peintures de différents formats et quelques sculptures sont exposées. De plus, toutes ces pièces sont complétées par quelques petites armoires attenantes dans lequel, pour chacun de ces thèmes, d’autres types de pièces plus petites sont rassemblés et dans techniques les plus récentes et typiques de l’époque, telles que des affiches, des photographies ou des œuvres graphiques. Il y a même une dernière salle dédiée à production du film dans lequel sont projetés quelques films de l’époque qui a vu naître et faire ses premiers pas le septième art après son invention par les frères Lumière en 1895.
« La photographie était une sorte de modèle pour la peinture, car elle atteignait une précision que la peinture aspirait à atteindre après un effort bien plus grand. Parce qu’un tableau de ces dimensions a demandé plusieurs mois de travail », a-t-il déclaré lors de la présentation. Javier Barón, responsable de la conservation de l’espace des peintures du XIXe siècle du musée et commissaire de l’exposition. L’expansion de la photographie coïncide exactement avec cette période de développement de la peinture sociale, une discipline dans laquelle le naturalisme régnaitcomme c’était le cas en France à l’époque.
Mais dès les années 1880, des artistes comme Dario de Regoyos qui « présentent différentes propositions pour le traitement des mêmes thèmes, ce qui nous a amené à considérer la nécessité de présenter non seulement les œuvres naturalistes, mais aussi celles qui, comme Regoyos d’abord, ou plus tard Aucun, Picasso ou Gris, poursuivent cette trajectoire. Dans la représentation de la réalité sociale, le naturalisme s’est avéré insuffisant, surtout après 1900», souligne Barón. La raison de cette pluralité progressiste des styles était claire : elle ne pourrait jamais rivaliser en réalisme avec le cinéma ou la photographie, c’est pourquoi de nombreux artistes se sont séparés du courant dominant.
Objectivité et grand format
Malgré cela, la partie la plus frappante de l’exposition est constituée de spectaculaires peintures de grand format (certaines même immenses) dans lesquelles les scènes sont représentées avec une extrême objectivité. Sont les superbes peintures sur les manifestations ouvrières de l’époque, comme l’impressionnante « Grève ouvrière à Vizcaya » de Vicente Cutanda (1892), nom fondamental du réalisme social, qui ouvre le catalogue de l’exposition et qui contemple ce qui semble être un assemblage dans une aciérie de Biscaye. Impossible de ne pas y reconnaître Zola de « Germinal ». Aussi spectaculaire est « Une chambre d’hôpital lors de la visite du médecin-chef (1889), par Luis Jiménez Aranda, dans lequel un groupe d’étudiants accompagne le médecin lors de sa visite chez un patient. L’ordre dans lequel les éléments sont disposés et la clarté de la scène soulignent les progrès réalisés à l’époque en matière d’hygiène et de gestion des centres de santé. Dans la section consacrée à l’émigration (seulement dans la dernière décennie du XIXe siècle, 400 000 Espagnols ont quitté la péninsule pour l’Amérique, principalement à Cuba et en Argentine), « Émigrants » (1908) se démarque. Ventura Álvarez Salaqui peint avec un vérisme extrême une scène dans laquelle un bateau s’approche d’un navire transocéanique vers des émigrants qui doivent gravir l’échelle de la balustrade.
Un tableau grand format, long de près de deux mètres, réalisé alors qu’il n’avait que 16 ans, montre Picasso le plus proche du réalisme. « Science et charité » (1897) est une scène dans laquelle cohabitent le scientifique et le religieux : un médecin s’occupe chez lui d’un patient souffrant, qui est également aidé par une religieuse. Le médecin représenté est le père du génie de Malaga, qui fut également son professeur.
Autres types de traits et thèmes
Mais à côté de ces grandes peintures naturalistes, le visiteur croise aussi de nombreuses toiles qui s’éloignent quelque peu du réalisme et qui travaillent différemment les lignes, la lumière ou la manière d’aborder les thèmes. Beaucoup accentuent le noir et le tragique, comme ceux des œuvres sur l’Espagne noire proches du symbolisme que Regoyos a peint dans « Víctimas de una fiesta » (1894), l’image macabre de chevaux tués par des taureaux à San Fermín, avec sa technique de déchirure, ou dans « Visita de condolences » (1886), une scène triste dans laquelle les ombres jouent un rôle rôle fondamental. Dans « Les gaspillés » (1908), Gutiérrez Solana Il représente un groupe d’enfants estropiés ou difformes, victimes de la pauvreté et de familles brisées, surveillés par des prêtres dans un champ désolé avec El Escorial en arrière-plan. Vous y remarquerez l’influence du Greco, comme dans les œuvres antérieures d’autres auteurs de l’époque, celle de Velázquez était devenue évidente.
Les scènes de Sorolla, en revanche, sont presque toujours une étude approfondie de la lumière., se rapprochant du réalisme dans « Le Retour de la pêche » (1894) ou dans « Ils disent toujours que le poisson est cher ! » (1894), deux scènes sur le dur labeur en mer et soulignant l’impressionnisme dans la peinture paysanne qui est « Préparation du raisin » (1900). Artiste consciencieux, son exaltation des médecins et des scientifiques comme nouveau modèle éthique dans « An Investigation » (1897) est claire, tout comme sa dénonciation de l’injustice dans « White Slave Trafficking » (1895), où il représente un groupe de femmes voyageant . attristé par une vie de prostituées.
Dans un voyage qui commence avec le monde du travail (dans les champs, en mer, dans les usines) et se poursuit avec l’éducation, la religion, la médecine et la mort ou l’émigration, la prostitution C’est un autre des thèmes sur lesquels il s’attarde : il y a des peintures qui abordent le sujet à partir d’une dénonciation sociale explicite, d’autres plus centrées sur la figure de la prostituée et son ennui. Dans le cabinet de cette section, quelques dessins de John Gray Ils représentent des prostituées de luxe à l’encre de Chine et il existe un bon échantillon de photographies érotiques de l’époque. Ces pièces, Les photographies sont un trésor dont on peut profiter tout au long du voyage.: celles des barricades et des manifestations, celles des anarchistes arrêtés après l’attentat du Liceu à Barcelone, celles des maladies rares de peau, les scènes d’incendies d’immeubles, de navires coulés ou d’immeubles effondrés.
Il n’y a aucun chapitre dans l’exposition explicitement consacré au désastre de 98. qui, avec les guerres d’indépendance et la perte des dernières colonies, a tant marqué l’Espagne de l’époque. « Le signaler là aurait affecté l’unité de l’exposition », a expliqué son commissaire, qui a ajouté que ces questions ont déjà été abordées dans d’autres.
Sur plus de 300 œuvres qui composent l’exposition, seules deux ont été réalisées par des femmes : un tableau à thème pédagogique de Elvira Santiso dans lequel on peut voir un cours de dessin rempli de filles, et un autre, dans l’une des dernières sections de l’exposition consacrée à la pauvreté et à la marginalisation sociale, de María Luisa Puiggener, peintre de Cadix qui a dénoncé la misère qu’elle a vue dans les rues de Séville au début du XXe siècle, en l’occurrence une mendiante avec sa fille dans ses bras. « C’est justement l’exposition ‘Invités’ qui explique pourquoi » ces différences de représentation, s’est empressé d’expliquer le directeur du Prado. Miguel Falomir, en référence à l’exposition que le musée a accueillie il y a trois ans. « Les femmes n’ont pas eu accès à cet art narratif, à cet art le plus important. «Ils ont dû se cantonner à des genres mineurs qui n’incluaient pas ce type de représentation sociale.»