Le crépuscule halluciné d’une déesse avec une Angelina Jolie monumentale

Élevé comme une sorte d’opéra en trois actes, dont une ouverture et un épilogue, María Callas trouve son protagoniste quatre ans après son retrait de la scène. Avec le cœur et le foie gâtés par la dépendance à barbiturique, et avec la voix diminuée par le manque de formation, Les callas de Larraín succèdent à la solitude et à la frustration dans les séjours luxueux de sa cage dorée parisien

Cette prémisse de l’intrigue aurait pu entraîner une autre émission de flagelling qui a caractérisé la trajectoire du directeur d’El Club (2015) et d’El Conde (2023). Cependant, Parmi les ténèbres de l’histoire, une figure indomptable émerge, dont la rébellion perturbe les fondements d’un monde patriarcal et dont le génie artistique tourbillonne comme un coup de vent même lorsque son déclin est évident. Comme ce fut le cas dans le Neruda inspiré (2016), dans María Callas, le cinéaste semble être identifié avec la lueur créative de son protagoniste, un processus empathique qui illumine une œuvre profondément dévotionnelle.

Au-delà de son état de panégyrique mortuaire, María Callas devient également un Réceptacle parfait pour l’intérêt de Larraín à explorer les limites entre la fantaisie et la réalité. Le cinéaste place Callas dans un territoire de coordonnées diffus, plein de spectres du passé, lorsqu’il n’est pas imaginaire. « Ce qui est réel et ce qui n’est pas réel, c’est mon truc », explique la soprano, indigène lorsque son majordome se demande que sa nomination avec un journaliste est authentique.

Et, en fait, les réunions de la Diva de 53 ans avec un jeune cinéaste (Kodi Smit-McPhee) qui veut filmer un documentaire intitulé La Callas: The Last Days Le fait qu’ils semblent touchées par une aura incroyable. Il est difficile de ne pas penser au cinéma de Roman Polanski lorsque Larraín soumet Callas dans des situations qui bordent l’aliénationmais il convient de noter que le film ne mène pas à une spirale de dégradation, mais que le protagoniste maintient sa dignité intacte à tout moment. Le souvenir de sa grandeur survit comme un écho impossible à être alloué.

Prenant comme ancre historique à l’automne 1977, María Callas est structurée à partir de flashbacks qui illustrent un ensemble de faits capitaux dans la vie de la soprano. Le programme pouvait se souvenir du citoyen Kane (Orson Welles, 1941), bien que le ton du film se réfère, pour son souffle de rêve, aux mirages temporels et fantomatiques qui ont enrichi la filmographie d’Ingmar Bergman.

Dans le présent, filmé en couleur, Maria se rend dans un restaurant « pour être adoré », mais finit par jouer dans un dialogue inconfortable avec un barman qui semble sortir de la lueur (Stanley Kubrick, 1980). Et puis, dans un passé noir et blanc, les jeunes callas doivent « divertir » un soldat nazi en échange d’argent, ce qui entraîne un hommage à cette scène de Paths of Gloria (1957), également de Kubrick, dans le that a Young La prisonnière allemande a excité une troupe de soldats avec la beauté de sa chanson.

Il serait tentant de définir María Callas comme un film requiem, mais c’est plus approprié Imaginez-le comme une sonate de film, construite à partir du contraste entre différents thèmes mélodiques. En ce sens, le brillant script de Steven Knight, un collaborateur régulier de Larraín, affiche un ensemble fertile de dichotomies et de paradoxes. « Le bonheur n’a jamais produit une belle mélodie », affirme Clalas, tandis que le médecin qui visite la (Vincent Macaigne) demande qu’ils parlent de la vie et de la mort, de la santé mentale et de la folie.

En fin de compte, ces dialectiques enrichissent le discours central du film, qui pointe la tension entre le mythe et la réalité du personnage. Après un essai raté, un collaborateur musical de diva déclare: «Celui qui a chanté est Maria. Je veux écouter Callas.

De cette prison schizoïde, elle surgit L’interprétation monumentale d’Angelina Joliequi après des années dédié à la direction et à l’apparition dans des films sans conséquence – son dernier grand rôle était celui d’El échangé (Clint Eastwood, 2008) -, il donne à María Callas le meilleur travail de sa carrière.

En s’immergeant viscéralement dans la douleur et l’aliénation de son caractère, Jolie invite le spectateur à oublier sa ressemblance physique rare avec Callas. De plus, lorsque, dans une rencontre privée ennuyeuse, la diva avoue John F. Kennedy que les deux « peuvent aller où nous voulons, mais nous ne pouvons jamais s’échapper », on sent que les voix de Jolie et son personnage sont les mêmes.

En fait, C’est la réticence de l’actrice à laisser tomber Callas dans le puits du patétisme qui immunise le film contre le paternalisme et la cruauté. De la main de Jolie, María Callas brille comme le précieux témoignage d’une grandeur qui, malgré le ballast de la décomposition, résiste intacte dans le panthéon des artistes transformés en mythes.