Je suis sûr que c’était un moment très heureux pour Carlos Saura, peut-être l’un des plus heureux de sa carrière, car il me l’a fait savoir. Le jour où nous avons ouvert la rétrospective La espiral sauriana au cinéma Doré de la Filmoteca Española. C’était en mars 2018 et, pour la première fois en Espagne, l’ensemble de son travail cinématographique (y compris les courts métrages de l’école de cinéma et le documentaire qu’il a réalisé pour les Jeux olympiques de Barcelone) allait pouvoir être visionné sur grand écran pendant deux mois.
m’étonne encore le nombre d’étudiants et de jeunes téléspectateurs qui s’est rendu aux salles Doré pour découvrir son cinéma. Et également projeté en 35 mm, ce qui était très important pour Saura. Bien que presque rien ne semblait plus le surprendre, à ses 86 ans à l’époque. Dans la discussion après Cría cuervos (1976), l’enthousiasme des spectateurs, en particulier ceux qui ont vu pour la première fois ce chef-d’œuvre de notre cinéma, noyau filmique de la Transitionil s’est pris de ses mains dans l’atmosphère de la pièce.
Saura ne voulait pas donner de conseils, il ne se proclamait maître de rien, son humilité le définissait. Parallèlement à son énergie infatigable —il ne voulait pas s’arrêter, il travaillait sur des projets au Mexique, en France, en Espagne…—, j’ai toujours beaucoup admiré en lui cette qualité, celle de minimiser tout soupçon de louange ou d’admiration ou même d’hommage. C’était comme ça depuis la première fois que je l’ai interviewé, et c’était au siècle dernier. Il frappait de la main en l’air et avec sa ruse aragonaise il murmurait : « Tais-toi, tais-toi, ce n’est pas grave.
Le cinéaste Carlos Saura, dans l’un des cycles de la Filmoteca.
Il m’a laissé l’organisation de la rétrospective, à laquelle assistaient les mêmes Victorio Storaro quand nous l’avons invité, heureux de retrouver son vieil ami, le directeur de la photographie avec qui il s’était senti le plus proche sur le plan créatif, depuis qu’ils ont commencé leur collaboration sur Flamenco (1995) à Io, Don Giovanni (2009), en passant par Tango (1998) ou l’incontournable Goya à Bordeaux (1999).
Le tandem créatif qui a formé l’Aragonais avec l’Italien a créé l’une des pages les plus belles et les plus durables de notre histoire cinématographique. Oui, il y a quelque chose en tout cas qui faisait de moi presque une condition de la rétrospective ; Même si dès qu’il l’a suggéré, il était évident qu’il était plus excité que la possibilité de parcourir tout son cinéma, sept décennies consécutives d’activité imparable et fructueuse, parfois au rythme de deux longs métrages par an. Il voulait que son travail photographique soit également reflété d’une certaine manière. C’est alors que nous avons monté une petite exposition, intitulée Cinema Fotosaurs.
[Las 15 películas imprescindibles de Carlos Saura, un artista total]
Il y proposait de « construire un pont entre la photographie et la peinture ». Véritable labyrinthe de miroirs, il s’était consacré ces quinze dernières années avec un sens ludique à intervenir dans son travail photographique par des lignes picturales, dessinant et peignant sur des agrandissements photographiques 30x40cm et en transformant la perception. Ainsi, un échantillon de ses clichés et portraits acquiert un nouveau sens.
La possibilité de l’enregistrement numérique lui avait permis de revenir à son travail pour transformer le passé avec des touches de couleur qu’ils ne corrigeaient pas l’instant capté, mais plutôt lui donnaient une nouvelle forme, pratiquement au point de diluer l’effet de l’émulsion chimique dans le pic de la dimension picturale. Ce n’est pas arbitraire que dans beaucoup de vos films, l’action s’arrête brièvement pour que quelqu’un prenne une photo de groupe (dans The Hunt, dans Peppermint frappé, dans Blood Wedding, dans Elisa, ma vie, dans Ana et les loups…) , parce que dans cet instantané, il concentre les significations de l’histoire.
Je pense que c’est à ce moment-là que j’ai vraiment pris conscience de son statut de créateur omnivore. Bien qu’en apparence leurs cinémas et leurs personnalités soient très différents, j’en suis venu à l’associer dans mon esprit à la projection illustrée de Jean-Luc Godard, qui a quitté ce monde en septembre, quelques mois seulement avant Saura. En fait, la proposition rénovatrice du cinéma espagnol avec Los golfos (1959) est contemporaine de la proposition rénovatrice du cinéma français avec Al final de la escapada.
Autoportrait de Carlos Saura. La photographie est intervenue avec des cires et de la peinture acrylique. @fotosaurios
Quand on parlera de Carlos Saura dans le futur, on parlera de son cinéma, bien sûr, mais sa création photographique, romanesque, graphique, scénique et musicale. « Ma vie se passe à écrire des textes et des scénarios pour les films que je vais réaliser, une pièce de théâtre, plusieurs romans… et à écouter de la musique. Tout cela sert de thérapie entre les films », écrit-il dans le catalogue de films Fotosaurios. Mais on sait que chez lui c’était plus qu’une thérapie. Il n’y a pas seulement une Saura différente pour chaque décennie de sa filmographie, mais de multiples Sauras créatives qui sont dues à son intérêt et à ses recherches dans les différents arts.
Il doit y avoir une raison pour laquelle il a tenu à valoriser son film Io, Don Giovanni (2009), en lui accordant une bonne place dans la grille de programmation, car il considérait qu’il n’avait pas été suffisamment réfléchi. Son drame basé sur le parolier de l’opéra de Mozart est peut-être le projet de film dont vous étiez le plus fier ou le plus satisfait en tant que créateur, ou peut-être celui qu’il aimait le plus, car il semblait avoir réuni tous ces intérêts. C’est à l’aube du XXIe siècle qu’il connaît sa première expérience de metteur en scène d’opéra, Carmen de Georges Bizet, à l’Opéra de Stuttgart, qu’il rejouera plus tard, en ajoutant et en supprimant, sur d’autres scènes internationales.
Travail littéraire
La rétrospective à la Filmothèque a également coïncidé avec la parution de son roman Absences, le dernier qu’il ait écrit, et qu’il a présenté au Doré, et sur lequel je pense qu’il reviendra encore et encore comme point de rencontre des fascinations et des déchaînements qui peuplent sa créativité. C’est un roman extraordinairement original et fascinant, dans lequel il propose un jeu photographique dans lequel une série de crimes sont liés à des photographes et des appareils photographiques célèbres, et où il réussit à sa vocation d’effacer les frontières entre réalité et fictionou rendre la réalité aussi élaborée et sophistiquée qu’une fable géante, comme le furent en quelque sorte toutes les comédies musicales qu’il dirigea à partir du Flamenco, et avec lesquelles il catapulta son statut international, adoré et vénéré aux États-Unis, au Japon ou en Argentine.
Carlos Saura, à l’exposition ‘Cinema Fotosaurs’.
Dans son œuvre littéraire, Absences rejoint les scénarios prodigieux qu’il a écrits dans les années 1970 – où le substrat métaphorique et symbolique a créé une école, une étiquette, une façon de voir le monde et le cinéma, mais qu’il a toujours nié : « Les critiques disaient qu’à propos de symboles, mais il n’y a jamais eu vraiment l’intention de faire un cinéma métaphorique » —, et aussi à ses romans précédents, tous liés d’une manière ou d’une autre à son cinéma, Solitary Bird (1997), ¡Esa luz ! (1998) et Elisa, ma vie (2004).
Pour le théâtre, outre sa magnifique adaptation cinématographique, avec Rafael Azcona, de ¡Ay, Carmela ! (1990) de José Sanchis Sinisterra, mis en scène Le Grand Théâtre du Monde de Calderón de la Barca (2003 et 2020, au Mexique), et juste après la rétrospective à la Filmoteca, il ose des textes cruciaux de Gabriel Garcia Marquez (Le colonel n’a personne pour lui écrire, 2018-2021) et Mario Vargas Llosa (La fête de la chèvre, 2019-2021).
Carlos Saura, lors d’un des cycles sur son œuvre cinématographique.
Saura m’a dit que Je n’ai plus jamais regardé ses films après qu’ils aient été terminés.. Que lorsqu’il l’avait fait, il le regrettait car il ne voyait que ses coutures, ses erreurs. C’est pourquoi il n’est resté dans aucune des projections du Doré. Et pour cette raison peut-être même les a-t-il effacés de sa mémoire. Il lui était difficile d’en parler, comme s’il les avait jetés dans les égouts de l’amnésie. Saura était une militante contre la nostalgie.
Il n’a jamais vécu dans le passé, bien qu’à partir des années 80, il ait pu vivre des revenus de ses conquêtes dans le cinéma des années 60 et 70 – des œuvres majeures de notre patrimoine telles que Los golfos, La caza (1965), Peppermint frappé (1967 ) , Ana et les loups (1972), Cousin Angélica (1973), Maman a cent ans (1979), etc.—, son regard est toujours tourné vers le présent, ruminant des projets pour l’avenir. Le film documentaire Saura(s) est en ce sens absolument révélateur puisque son réalisateur Félix Viscarret il a été confronté à l’impossibilité de son propos : celui d’évoquer les souvenirs d’un homme, un artiste, qui a décidé de nier l’utilité de ces souvenirs.
‘Double autoportrait’, par Carlos Saura
Comme s’il s’agissait d’une illustration de MC Escher, l’expression créative de Saura finit par être proposée dans son ensemble comme un jeu diabolique de perceptions, une série de motifs et de figures impossibles qui désactivent la réalité immédiate pour créer un univers qui lui est propre, avec ses non- logique interne transférable. . Pour en revenir à son film Photosaurus, il y a quelque chose de très révélateur dans le contraste méridional de son Double Autoportrait, où Saura se place dans les limbes spatio-temporels que structurent le récit, les chorégraphies dramatiques et les jeux de miroirs, de lumière et de couleur. de ses films, de sa création polyédrique et féconde. Un héritage impressionnant auquel nous reviendrons encore et encore. Merci professeur.
Classé sous Carlos Saura, Cinéma espagnol, Réalisateurs, Cinémathèque espagnole, Photographie
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