« Celui qui définit ‘diva’, c’est vous tous présents dans cette pièce », a-t-il répondu sans détour. Angélina Jolie au corps des journalistes qui lui ont adressé toutes leurs questions, lors de la présentation de Maria à la presse. Même si l’ensemble du casting (avec Pierfrancesco Favino et Alba Rohrwacher) et le réalisateur Pablo Larrain étaient dans la pièce, on ne leur a pratiquement pas dit un mot.
« Les grands compositeurs définissent ‘diva’ différemment », a répondu Jolie, faisant appel à Larraín. Le cinéaste a sorti un biopic délicat et humaniste sur les derniers jours de la chanteuse d’opéra, décédée écrasée par le mythe qui s’était créé autour d’elle : « Une diva n’existerait jamais s’il n’y avait pas d’excellence dans ce qu’elle fait« . Pour être une diva, « il faut d’abord faire parfaitement son travail. Alors tu peux être une diva. »
Le Chilien a expliqué lors de la présentation au Festival de Venise une anecdote sur la façon dont Callas quittait la scène si quelqu’un se trompait dans une réplique lors d’une répétition : « La ‘diva’ peut naître d’une sensation dérivée d’une simple discipline. »
Cependant, les années et la drogue ont eu des conséquences néfastes sur une femme marquée par la perte. Jolie a conclu : « J’aurais aimé qu’il soit là pour voir ce geste de gentillesse. À sa mort, les critiques ont été très cruelles à son égard.et pas parce qu’elle n’avait pas essayé. « Il est mort dans beaucoup de solitude et de douleur. »
Excessif mais touché de grâce
Avec « Maria », Pablo Larraín clôture sa trilogie de divas brisées, qui avait déjà corrigé les mythes du coup final dans les biographies de Jackeline Kennedy dans « Jackie » et de Diana Spencer dans « Spencer ». Ses fresques sont toujours réparatrices, cherchant à mêler la compassion sans renoncer au génie.
Angelina Jolie aux pieds de Maria Callas dans le biopic de Pablo Larraín. Photo : Pablo Larraín
Pour cette occasion, Larraín imagine une interview entre Callas et une représentation métaphorique des pilules dont elle était accro (Kodi Smit-McPhee), qui jouent aux échecs dans le rôle de la Faucheuse de Bergman tout en retraçant les souvenirs évoqués par la diva au cours de la semaine précédant son insuffisance cardiaque.
Le film évolue sur deux registres : d’abord, il élève tout l’univers autour du chanteur, faire de Paris un décor de rêve. Un monde digne d’une publicité de parfum (à la hauteur ineffable de sa voix), où il peut à nouveau mettre en scène ses plus grands succès, des jalons qui dépassent un seul format et demandent au cinéma tous ses efforts. Docilement, Larraín filme en Super-8 et numérique-4K, soit sous les chocs du cinéma-vérité, soit en travellings glacés.
Angelina Jolie dans « Maria ». Photo : Pablo Larraín
En revanche, Maria demande grâce et laisse Jolie aussi seule que squelettique, transformée en dame Norma Desmond, manipulée et aussi fragile que sait exprimer le tremblement des yeux d’une somptueuse diva. Nous nous demandons où se termine la présence de Callas et commence celle de son interprète.
De la femme trophée à la femme aux trophées
Jolie craint une solitude et une douleur difficiles à palper sur le tapis rouge, et encore plus après avoir appris, mardi dernier, que le Festival de Toronto lui décernera le 8 septembre le prix honorifique Tribute pour son travail unissant « l’impact social » et le cinéma ».
Cela arrivera juste après avoir su, ce samedi, s’il remportera la Coupe Volpi d’acteur, qui compte de nombreux chiffres. Une véritable renaissance : « Ces années – quatre années loin de la caméra – j’ai eu besoin d’être davantage à la maison avec ma famille. C’est pourquoi maintenant je suis très reconnaissant d’être dans ce monde créatif. »
Jolie, déjà oscarisée pour Girl, Interrupted, n’attend pas de récompenses : « Je saurai si j’ai bien fait quand je saurai ce qu’en pensent les fans de Maria Callas et de l’opéra. Ma grande peur c’est de les décevoir, tout le reste n’est que bruit« .
Angelina Jolie dans une scène de « Maria ». Photo : Pablo Larraín
« Je m’identifie beaucoup à la partie la plus tendre d’elle », a-t-il avoué en référence à Callas. « Dans un monde qui n’a pas de place pour la tendresse, je partage ta vulnérabilité« La fragilité n’est pas quelque chose que le public associerait à une icône utilisée par l’industrie comme une « femme », que ce soit Brad Pitt ou Billy Bob Thornton, ou comme une difficulté à gérer, même lorsqu’elle était une héroïne comme Lara Croft ou Mme Smith. .
transgression étrange
Le Jockey, avec Úrsula Corberó, a clôturé la journée en ouvrant tous les placards. Les données peuvent paraître anecdotiques, mais elles ne le sont pas. Úrsula Corberó est le visage reconnaissable de ce que tout le monde voit en Espagne : de la physique ou de la chimie au Money Heist. Et il présente aujourd’hui l’œuvre la plus transgressive – pas forcément évidente – et la plus queer de tout le Concours vénitien.
Il s’agit de le nouveau film de l’Argentin Luis Ortegaqui a surpris le circuit des récompenses avec El Ángel, également nominé pour le meilleur film ibéro-américain aux Goya Awards.
Si tel était le portrait d’un dandy qui s’enduisait avec convoitise dans la crasse d’un monde aristocratique et moralement fini, aujourd’hui Ortega voudra redoubler la provocation… Même si The Jockey, cette fable qui invoque la nature liquide de l’identité humaine et nos constantes transformations, est plus humaniste que provocatrice. Humaniste, dans un sens concave.
Úrsula Corberó et Nahuel Pérez Biscayart dans « El Jockey ». Photo : Rei_Pictures / El_Despacho / Infinity Hill / Warner Music Entertainment
Il racontera la fin des jours de Remo Manfredini (Nahuel Pérez Biscayart), un jockey travailleur et amoureux d’un coureur qui, contrairement à ce pauvre accro aux chevaux, gagne des courses (Corberó). Après un accident plus absurde que tragique, Remo sera vidé du macho qu’il était jusque-là et il se mettra à errer, comme M. Hulot éliminant d’un pas calme les misères du monde, découvrant les réalités les plus farfelues d’une misérable Argentine, qui mérite d’être « endormie ».
L’expression est recherchée. Il parle d’un film qui invoque le réalisme austère d’Aki Kaurismäki uniquement comme toile de fond pour une série de rêves sombres, risibles et désorientés. Un chemin de mort et de renaissance dans quelque chose qu’on ne saura pas expliquer… Une existence en transition. Malgré ses erreurs absurdes occasionnelles, nous l’applaudissons. Et je n’en dirai pas plus.