« Trois heures de beauté passionnante »

Wicked, la comédie musicale sortie en 2003 et devenue aujourd’hui un film célèbre, a démonté l’histoire innocente de Le Magicien d’Ozsorti en 1939, révélant que peut-être La méchante sorcière de l’Ouest n’était pas si mauvaise et que Glinda n’était pas si bonne.

De la même manière, la mort injuste de María Stuarda aux mains de sa cousine Elizabeth I (María Stuarda était la petite-fille d’Henri VIII, le père d’Isabel) doit être comprise dans le cadre de la décision de la hiérarchie catholique de profiter de la mort de María Stuarda pour la transformer en symbole des martyrs tombés au combat sous les monarques protestants. Cette « histoire » a traversé les siècles et est parvenue à Schiller, un dramaturge allemand du début du XIXe siècle qui, avec Goethe, est considéré comme l’un des poètes et dramaturges romantiques les plus importants.

Schiller, largement coupable de la légende noire de la monarchie espagnole – il est l’auteur du Don Carlo qui inspirera Verdivi – a vu dans la relation historique entre les deux reines une occasion unique de louer le martyre de la femme écossaise aux mains de l’Empire. Reine d’Angleterre.

En réalité, rien ne prouve qu’ils se soient rencontrés physiquement, mais il existe des preuves de la fragilité et du malaise constants que Mary a provoqués chez Elizabeth I, qui a vu son règne menacé par les intrigues constantes de son « invité ». Lorsque Marie fut expulsée du trône d’Écosse, Elizabeth dut prendre soin d’elle, jusqu’à ce qu’elle ait une preuve fiable du complots contre sa vie qui furent organisées autour de María Stuarda avec le consentement exprès et le soutien de cette reine.

Évidemment, le titre en question n’a pas cette orientation historique et Donizetti s’inspire de la version romantique de son opéra créé en 1835 dans un texte allemand de Schiller de 1800 qui exalte l’héroïsme de la reine écossaise et sa décapitation injuste sous l’ordre exprès de Isabelle.

Ce titre, comme la grande majorité du corpus donizettien (environ 70 opéras), est tombé dans l’oubli quelques années seulement après sa création au théâtre de La Scala de Milan. Seules trois œuvres du compositeur ont été interprétées : Lucia di Lammermoor, L’elisir d’amore et, avec un peu de chance, Don Pasquale.

Ce n’est que dans la seconde partie du XXe siècle que peu à peu de plus en plus d’opéras furent joués, dont celui en question. C’est au Maggio Musicale Florentino en 1958 que la soprano turque Leyla Gencer récupère le titre que d’autres grandes sopranos (Caballé sans doute, Sills, Gruberova ou Sutherland) ont plus ou moins conservé au répertoire.

Cette œuvre est une partition de Prima Donna Assoluta, qui nécessite un grand chanteur lyrique, avec une richesse chromatique très diversifiée, des coloratures agiles, un grand fiato et beaucoup d’expressivité. Elle a besoin d’un partenaire à la hauteur pour le rôle d’Elizabeth I et du soutien d’un ténor lyrique léger qui – le pauvre – lui convient normalement. enterré sous la proéminence granitique des deux grandes reines.

Pour réaliser ce travail, il faut au moins deux grands chanteurs pour les rôles principaux qui, heureusement pour le public madrilène, ont réussi à se réunir. La stratosphérique Lisette Oropesa, qui fait ses débuts dans ce rôle avec ces représentations à Madrid mais qui vient d’annoncer qu’elle le jouera au prochain festival de Salzbourg 2025, et un extraordinaire Aigui Akhemetsshina dans le rôle d’Elizabeth I.

Les deux sont vraiment magnifiques. La mezzo-soprano russe se démarque dès la première note qu’elle émet, retentissante, grande, extrêmement puissante. Il a une voix puissante et large, avec une très bonne zone supérieure et une ligne de chant intelligente. Grand éclat dans la cabaletta après son air du premier acte dans lequel de manière très inhabituelle il interprète différemment la première partie et plus tard le da capo qu’il résout avec maestria et beaucoup de talent.

Oropesa, très appréciée du public madrilène, est une grande soprano lyrique qui a mûri et élargi sa voix tout au long de sa carrière, en conservant la pureté et la transparence de son chant, un fiato bouleversant et un vibrato caractéristique si personnel. Maintenant, il a un peu plus de mal dans les aigus, mais il a mis le public dans sa poche avec sa première María Stuarda, qui était vraiment importante.

Sa vision dramatique le fait vaciller dans les moments les plus intenses de la partition et son duel tant attendu à la fin du premier acte avec Elizabeth I, la fameuse « figlia impura di Boleyn » a été peut-être trop élégant, pas très mordant et stimulant. La voix est belle et coule avec légèreté, mais dans certains passages on manque plus de corps, plus d’amertume et de ressentiment, un peu moins de douleur et un peu plus de rage et de colère. Il a en tout cas triomphé devant un public enragé par sa grande prestation musicale.

Ismaël Jordi il a rempli son rôle avec dignité de Roberto, meilleur en zone médiane et forcé en zone supérieure. Mais j’ai bien peur qu’il ne soit pas à l’aise avec ce rôle. Il a une ligne de chant élégante, il chante très bien, avec un certain arrière-goût nasillard mais quand il faut monter dans les aigus, il se sent plus tendu. Dieu merci, le metteur en scène le place à l’entrée de la scène et le directeur musical le berce pour le laisser briller et ressortir haut la main. Roberto Tagliavini est certainement un délice de chanteur, avec une voix belle et lucide, très élégante dans le débit et la projection.

La nouvelle production de David McVicar pour le Teatro Real, en coproduction avec le Gran Teatro del Liceu, le Donizetti Opera Festival de Bergame, La Monnaie et l’Opéra National de Finlande, est une révision un peu plus historiciste de ce que ce metteur en scène écossais avait déjà fait pour le Metropolitan Opera en 2012. Cela fonctionne bien, propre, sombre – peut-être trop – avec peu d’éléments mais qui enveloppent adéquatement l’histoire. Beaux costumes et éclairages. Il n’est pas courant d’entendre des applaudissements à l’équipe technique, mais lors de cette soirée d’ouverture, McVicar et son équipe se sont également imposés.

José Miguel Pérez Sierra, actuel directeur musical du Teatro de la Zarzuela, est un merveilleux directeur de voix. C’est beau de voir comment il prend soin d’eux, les accompagne, s’occupe d’eux, les laisse courir et réussir. Quelque chose de plus confus dans l’ouverturequi semblait précipité, et son goût pour le son accablant se heurtait parfois à une partition plus recueillie. Mais il est sans doute directement responsable de la soirée magnifique et triomphale des chanteurs.