Luis Fernández C’était un peintre d’une qualité exceptionnelle et l’un des Artistes espagnols avec une plus grande projection internationale. Né à Oviedo au XXe siècle, il s’installe dans sa jeunesse à Paris, où il travaille dans une imprimerie et fréquente des peintres abstraits tels que Mondrien, Lire soit Torres García. Il embrassera plus tard le surréalisme, deviendra ami de Picasso et il atteindra sa maturité artistique avec ses célèbres séries dans lesquelles, malgré la répétition inhérente à ces œuvres, il sait toujours apporter un accent nouveau.
« Luis Fernández est un peintre d’une grande originalité et d’un grand courage. Un ermite de la peinture dont l’engagement dans cette discipline était très sérieuxau point de ne pas faire de concessions même si cela pourrait affecter leur carrière ou des aspects de leur vie comme, par exemple, leur santé », a expliqué ce jeudi au siège de la Fondation María Cristina Masaveu Peterson Alfonso Palacio, commissaire de l’exposition et directeur du Musée des Beaux-Arts des Asturies, une institution qui a collaboré avec la Fondation dans l’organisation de ce qui est, à ce jour, l’exposition la plus ambitieuse consacrée à l’artiste d’Oviedo et qui restera à Madrid jusqu’en janvier 2024 avant de voyager aux Asturies.
« Paysage » (1939), de Luis Fernández. COLLECTION MASAVEU
Organisée à l’occasion du cinquantième anniversaire de la mort de l’artiste, l’exposition est composée de fonctionne auprès de plus de 40 fournisseurs. Parmi eux, le Centre Georges Pompidou, le Musée National Centre d’Art Reina Sofía, l’IVAM, le Musée Helga de Alvear et des collections privées comme la Fundación Telefónica, la Fundación Mapfre et la famille du peintre. Au total, 148 œuvres réparties entre toiles, dessins, objets personnels, lettres, cartes postales, écrits sur l’art pour la revue Cahiers d’Art, livres, photographies et même Le chat, unique sculpture réalisée par l’auteur tout au long de sa carrière.
Bref, un ensemble jamais présenté dans une seule exposition, qui permet de revoir toute la carrière artistique de Fernández, depuis l’un de ses premiers dessins daté de 1915 et dont le motif est une colombe, jusqu’à sa série consacrée à ces oiseaux et qui souligne Je manifeste la cohérence du parcours du peintre, qui n’a pas relâché ses efforts pour distiller sa peinture, non seulement d’un point de vue technique mais aussi conceptuel.
De l’érotisme à la spiritualité
Organisée chronologiquement, l’exposition s’ouvre sur quelques œuvres de sa jeunesse avant son voyage à Paris, ville où il s’installe en 1924 et où il développera toute sa carrière jusqu’à sa mort, survenue le 25 octobre 1973.
D’abord lié à l’abstraction, Fernández abandonnera ce style pictural pour plonger dans le surréalisme. Influencé par les écrits de Sigmund Freud et surtout par L’Interprétation des rêves et les concepts de manifeste et de latent, le peintre asturien développera des anamorphoses – pièces aux jeux d’optique définis par lui-même comme « la contraction longitudinale de l’espace pictural » – , et des peintures au contenu clairement érotique avec des touches de violence qui, comme l’explique Alfonso Palacio, sont si explicites qu’« on ne peut pas en dire plus ».
Luis Fernández, dans son atelier de la rue de Vaugirard. FONDS LUIS FERNÁNDEZ | MUSÉE DES BEAUX-ARTS DES ASTURIES
En 1936, son œuvre connaîtra un nouveau changement d’orientation. Après s’être lié d’amitié avec Pablo Ruiz Picasso, il commence à développer une série d’œuvres avec un style qu’il inventera lui-même comme picassianisme pour mélanger des éléments surréalistes et des références à l’imagination picturale de l’homme de Malaga comme, par exemple, les taureaux et les chevaux, les animaux qui seront également les protagonistes de ses œuvres sont nés de l’impression que la guerre civile et la Seconde Guerre mondiale ont fait sur lui, républicain convaincu.
Après cette phase marquée par les désastres de la guerre, Fernández revient à l’abstraction, créant une série de natures mortes extrêmement originales et reconnaissables dans lesquelles il joue avec les volumes, la géométrie, la composition, les poids et dans lesquelles apparaissent des motifs, comme le verre de vin. , qui sera repris plus tard dans ses œuvres de maturité.
Des objets humbles et beaux
Il y a aussi de la place dans l’exposition pour des portraits – comme celui d’un jeune résistant décédé commandé par sa mère qui, choquée par le résultat, préféra ne pas le sortir de l’atelier du peintre – et des paysages, thème qu’il reprendra plus tard. revenir dans sa série de marinas dans lesquelles il montre son facette plus spirituelle développée à partir de 1952.
Pour Fernández lui-même, cette année marquerait le début de sa maturité. Un moment où il a conscience d’avoir atteint la plus grande maîtrise de la technique et où il commence à peindre des tableaux basés sur des objets humbles mais extrêmement beauxavec lequel il crée une œuvre d’un grand contenu spirituel, quelque chose qui, en revanche, n’est pas étranger au reste de sa production.
Une des salles qui abrite l’exposition consacrée à Luis Fernández. JÉSUS VARILS
Selon l’écrivain et philosophe María Zambrano, Luis Fernández ne possède pas une seule « peinture profane », une affirmation qui est encore plus évidente à cette époque, où l’appartenance du peintre à la franc-maçonnerie et sa croyance en un grand architecte de l’univers qui , au début, il n’a aucun lien avec une religion particulière. Une règle qu’il ne briserait que dans ses peintures du verre de vin et du pain posés sur une sorte d’autel, dans lesquelles il y a une référence consciente et intentionnelle au sang et à la chair du Christ.
L’exposition se termine avec la dernière série de Fernández consacrée aux crânes, aux colombes, aux chevaux et à ce qui fut sa dernière toile, une nature morte avec deux de ses motifs récurrents qui, dans cette œuvre finale, prennent un sens encore plus pertinent : la rose, comme métaphore de la beauté et de la perfection, et la bougie, comme symbole de l’artiste qui éclaire les ténèbres de l’existence.