Amerikanische Filme sind normalerweise so zögerlich, Schauspieler eines bestimmten Alters als sexuelle Wesen darzustellen, dass es erfrischend ist, dass dies die erste richtige Szene in der neuesten Beziehungskomödie von Autor und Regisseur Andrew Bujalski ist Dort Dort entsteht am Morgen nach einem leidenschaftlichen One-Night-Stand zwischen zwei Charakteren in den Fünfzigern. Die Szene beginnt mit dem positiven Leuchten der Pflegekraft (Lili Taylor) und Barbesitzer (Lennie James), die sich in der Nacht vor dem Aufwachen getroffen und sich in ihrer erotischen Chemie gesonnt haben. Bujalski schießt die Gesichter der beiden großartigen Charakterdarsteller, damit wir die ungetrübte Schönheit sehen, die sie ineinander sehen – Taylors verspieltes Lächeln mit Grübchen und James’ entwaffnend freundliche Augen.
Als die beiden dann aus dem Bett aufstehen und sich für ihre jeweiligen Arbeitstage anziehen, wird diese idyllische Glückseligkeit von einer unangenehmen Abrechnung durchbrochen, ob sich aus diesem anonymen Stelldichein eine vollwertige, engagierte Beziehung entwickeln könnte. Beide Liebenden sind eindeutig unsicher und haben Angst davor, das emotionale Gepäck ihres wahren Selbst und ihrer Vergangenheit in eine physische Verbindung zu bringen, die unter dem Gewicht dieses Gepäcks zusammenbrechen könnte.
Es ist eine scharf beobachtete, sich windend witzige Sequenz, die typisch für die Arbeit von Indie-Comedy-Hauptstütze Bujalski ist, der seine Karriere mit ultra-low-budget, naturalistischen Mumblecore-Filmen wie dem einzigartig witzigen begann Gegenseitige Wertschätzung bevor er zu raffinierteren Komödien mit Starpower übergeht, wie zum Beispiel dem süßen, ermächtigenden, von Regina Hall geleiteten Sportbar-Porträt Unterstützen Sie die Mädchen. Was sich als untypisch herausstellt Dort DortDie Eröffnungsszene von ist eine von nur sechs Szenen des Films, der als eine Reihe von einaktigen, stückartigen Zwei-Personen-Gesprächsvignetten strukturiert ist.
Die Hälfte der Segmente lebt von Bujalskis Talent, den struppigen, zurückhaltenden Humor in Menschen zu finden, die durch den Stress der Arbeit und der Liebe navigieren, während die andere Hälfte sich wie langwierige Skizzen anfühlt, die nicht über die erste Entwurfsphase der Drehbuchführung hinausgingen bis hin zur Produktion. Die kumulative Wirkung entspricht der von Bujalski Computerschacheine ähnlich experimentelle Verankerung der Computer-Nerd-Kultur der 80er Jahre, da es sich um ein faszinierendes filmisches Gekritzel des Filmemachers handelt, das dennoch so geringfügig ist, dass es fast nicht als vollwertiger Film registriert wird.
Die Hit-and-Miss-Qualität der erweiterten, dialoggesteuerten Sequenzen, die sich ausmachen Dort Dort wird offensichtlich, wenn auf die grandiose postkoitale Eröffnungsszene zwischen Taylor und James eine komödiantisch schwache folgt, in der sich Taylors genesender Alkoholiker – alle sieben Hauptfiguren bleiben namenlos – mit ihrer Sponsorin (Annie La Ganga) trifft, um zu reden über die Gefühle, die das Klicken mit James‘ Barbesitzer in ihr auslöste. Sobald die Diskussion zu einer nicht amüsanten Tangente darüber kommt, wie der ehemalige AA-Sponsor der Taylor-Figur inbrünstig an die Existenz von Außerirdischen glaubte, erholt sich das Segment nie davon.
Taylors Wiederauftauchen in der zweiten Vignette scheint zunächst darauf hinzudeuten, dass der Film einer Daisy-Chain-Struktur folgen wird, die der des innovativen Debüts von Regisseur Richard Linklater ähnelt Lockerer, wo im Wesentlichen eine Figur die erzählerischen Zügel für jede nachfolgende Szene an eine andere übergibt. Aber auf halbem Weg lockert sich diese Struktur und enthält eine Telefongesprächssequenz, die sich auf zwei Charaktere konzentriert, die wir noch nie zuvor getroffen haben: einen ethisch zwielichtigen Anwalt (Jason Schwartzman) und einen Tech-Bro-Unternehmer-Klienten (Avi Nash), der es zufällig auch ist einer seiner besten Freunde. Es ist eine weitere herausragende Szene des Films, in der der zuverlässig lustige Schwartzman das Beste aus einigen ausgewählten Zeilen von Bujalski macht (die Figur sagt über eine übermäßig aufwendige Cappuccino-Maschine: „Ich versuche nicht, einen verdammten Ferrari zu besitzen. Ich versuche es nur um ein bisschen wach zu bleiben und das Leben zu genießen.“). Es folgt jedoch ein übernatürlich gefärbtes Segment, das nach nur wenigen Sekunden seine Begrüßung verliert Minuten, im Einklang mit den sich ständig verändernden Anstiegen und Einbrüchen der Qualität des Films.
Ein verbindendes Element, das die Sequenzen zusammenhält, ist die Verbundenheit zwischen den Charakteren, die im Laufe des Films immer deutlicher wird, und eine andere Sache, die die Vignetten leider gemeinsam haben, ist eine langweilige visuelle Ästhetik, auf der sie basieren abwechselnde Shot/Reverse Shot-Nahaufnahmen der beiden Personen, die sich in jeder Szene unterhalten. Es ist nur fair anzuerkennen, dass dieser visuelle Ansatz laut den Pressenotizen des Films aus der Notwendigkeit der COVID-Ära entstanden ist – jeder Schauspieler wurde von sich selbst gedreht und dann erst mit einem Szenepartner im Schnitt zusammengeführt. Aber das trägt wenig dazu bei, wie betäubend die sich wiederholenden Nahaufnahmen werden.
Komponist Jon Natchez, bestens bekannt als Mitglied der Band The War on Drugs, taucht nicht nur ganz am Anfang, sondern auch zwischen den einzelnen Episoden auf der Leinwand auf und bietet jedes Mal eine musikalische Darbietung, die wie eine Art Gaumenreiniger wirkt. Für einen seiner Soloauftritte macht er einfallsreich rhythmische Musik, indem er ein paar slappt Löffel gegen eine Müslischale. Es ist eine nette Metapher dafür, wie Bujalski selbst versucht, Kunst mit den Ersatzwerkzeugen zu schaffen, die ihm aufgrund von Produktionsbeschränkungen übrig bleiben. Auch wenn sich der resultierende Film wie kaum mehr anfühlt als das filmische Äquivalent einer Reihe von B-Seiten unterschiedlicher Qualität, die aneinandergereiht sind, macht er zumindest Appetit auf das nächste richtige Kinoalbum, das BuJalski-Veröffentlichungen.