Zu sagen, dass Trauer in vielen Formen auftritt, ist eine so übertriebene Untertreibung, dass es sich wie eine Ausrede anfühlt, sie zu Beginn einer Rezension auszusprechen. Und doch Spoiler Alarmbasierend auf den gleichnamigen Memoiren von Michael Ausiello (mit der zusätzlichen Klarstellung: Der Held stirbt), ließ mich darüber nachdenken, wie wir mit Trauer umgehen. Nicht nur die Trauer über den Verlust eines geliebten Menschen – worum es in diesem Film sehr deutlich geht – sondern auch um die Trauer, Teile von sich selbst zu verlieren, wenn man in einer langfristigen Beziehung ist. Oder die Trauer, sich davon verabschiedet zu haben, wie andere einen einmal gesehen haben.
Trauer, so scheint dieser zartherzige Schnulzen von einem Film zu suggerieren, ist ein wesentlicher Bestandteil des queeren Lebens. Es gibt keine Möglichkeit, seinen Fallen zu entkommen, selbst wenn Sie erfolgreich (oder so dachten Sie) ein Leben für sich selbst mit einem Partner aufgebaut haben, der Sie liebt. Das „Sie selbst“ in diesem Satz ist Michael (Jim Parsons), ein TV-Blogger/Autor, der den Jackpot zu knacken scheint, als er Christopher „Kit“ Cowan (Ben Aldridge, in einer Hauptrolle, die ein Star werden sollte) trifft. Die beiden, im wahren Hollywood-Meet-niedlichen Stil, der der Romcom-schrägen ersten Hälfte des Films würdig ist, verlieben sich trotz offensichtlicher Warnsignale ineinander. Und dann, mehr als ein Jahrzehnt später, als eine Krebsdiagnose droht, die bereits ziemlich prekäre Beziehung zwischen Michael und seinem Freund Kit zu zerstören, beweist dies, dass man manchmal nur Liebe braucht.
Wenn eine solche Prämisse allzu süßlich klingt, sollten Sie das in diesem Sinne wissen, Spoiler Alarm ist in vielerlei Hinsicht gleichermaßen vertraut und neuartig. Schließlich erzählen seit den 1980er Jahren sowohl queere als auch heterosexuelle Filmemacher Geschichten über krankheitsbedingt unterbrochene Romanzen und verkürzte Leben. Doch indem er eine Krebsgeschichte (und nicht eine HIV/AIDS-Geschichte) erzählt, hebt sich der Film von dieser filmischen Linie ab, während er sich gleichzeitig einer ähnlich robusten anschließt. Und Regisseur Michael Showalter unternimmt keinen Versuch, eine solche Abstammung zu verschleiern. Während einer Szene, in der Michael damit beauftragt wird, Kits Wohnung „schwulenfrei“ zu machen, sehen wir eine DVD davon Strände– der Film, in dem zwei Freunde lernen, dass sie sich gegenseitig unter den Flügeln halten – und über ein Regal fallen, bevor er es aufhebt. Später kanalisiert Michael selbst Shirley MacLaines oscargekrönte Wendung in dem Schnulzen-Krebsdrama Zärtlichkeitsbedingungen wie er von seinem Mann verlangt (Pssst, so klang es dramatischer!) zu sein! gegeben! a! Bett!
In dieser Vertrautheit gedeiht diese Adaption und erreicht jene „Normalität“, nach der das amerikanische Publikum so oft verlangt, wenn es um zeitgenössisches LGBTQ-Kino geht. Hier ist schließlich ein „normales“ Paar, das eine unsägliche Tragödie in Zeitlupe verarbeitet, wie es viele andere zuvor getan haben. Und innerhalb dieser Vorlage schleicht sich das Drehbuch von David Marshall Grant und Dan Savage in oft ziemlich nuancierte Sichtweisen auf die Intimität schwuler Männer und die Narben, die der Kleiderschrank an diesen beiden ansonsten gut angepassten schwulen Profis hinterlassen hat. Sogar die ruhigen Momente, die Kit mit seinen Eltern verbringt (gespielt von der strahlenden Sally Field und dem immer spielenden Bill Irwin), sind schön und geerdet, sodass wir miterleben können, wie die langjährige Partnerschaft von Michael und Kit sie zu einer Familie gemacht hat .
Tonal gesehen ist der einzige eklatante Fehltritt die Entscheidung, Michaels Kindheit als Familien-Sitcom der 1980er Jahre darzustellen. Dies sorgt für eine erschütternde Gegenüberstellung mit den geerdeten Rhythmen des restlichen Films. Die Szenen, die darauf abzielen, Michaels Besessenheit von den Tropen des Fernsehens als Bewältigungsmechanismen dafür, wie er sein Leben versteht, zu demonstrieren, rütteln den Film kontinuierlich aus jeglichem Pathos heraus, auf das er sich aufbaut. Sie fühlen sich fast wie Effekthascherei an und lenken von der emotionalen Kraft des Films ab.
Dito die Momente, in denen Spoiler Alarm entscheidet sich (ob absichtlich oder nicht) dafür, auf ein anderes Popkultur-Artefakt zu verweisen, das Ausiello (Autor und Charakter gleichermaßen) so verehrt: nicht nur diese Seifenopern, die er als Kind gesehen hat, sondern auch seinen von Shonda Rhimes produzierten Erben zur Hauptsendezeit, Greys Anatomy. Der Film hat so viele Montage-/Needle-Drop-Momente – einschließlich eines am Kopf kratzenden Robyn! –, die darauf ausgelegt sind, Sie so zu fühlen, dass Sie sich wünschen würden, Showalter würde einen anderen Ansatz verfolgen, um die Momente des Verlustes und der Wut, der Traurigkeit und der Trauer in Einklang zu bringen ziehen sich so durch diese liebevolle Geschichte.
In ähnlicher Weise gibt es spät im Film eine Auswahl, die sich an dieselbe meta-fiktionale Einbildung/„Mein Leben ist ein Filmset“ anlehnt, die sich so schlecht durchdacht anfühlt, dass Sie sich fragen, warum sich der Impuls anfühlt, die Sentimentalität einer Sterbebettszene kurzzuschließen so notwendig für Grant, Savage und Showalter. (Verwandt: Je weniger wir über die Besetzung einer bestimmten bemerkenswerten Berühmtheit in einem entscheidenden Bit-Part-Cameo mit einer verheerenden, aber schlecht gelieferten Zeile sprechen, desto besser.)
Aber vielleicht helfen all diese Fehltritte Spoiler Alarm fühle mich so unglaublich liebenswert. Wenn der Film seine Wachsamkeit aufgibt – nämlich immer dann, wenn Aldridge seinen Charme als Kit entfaltet oder es schafft, Field eine verwitterte Art widerhallen zu lassen Magnolien aus Stahl Leinwandpräsenz – der Film singt. Doch seine Versuche, sich von dem eigentlichen Genre eines Films zu distanzieren, das er so eindeutig ist (als ich meine Vorführung verließ, blieb kein Auge trocken im Haus), verfehlen letztendlich seine Wirkung. Der Film trägt möglicherweise nicht den vollständigen Titel von Ausiello. Aber der Wunsch, bis zum Ende zu springen oder, wirklich, vorwegzunehmen, wie Sie sich fühlen werden, wenn Sie wissen, wie es enden wird, ist allgegenwärtig, wie sich der Film organisiert – zum Guten und zum Schlechten.