Picasso wurde als der größte Künstler des 20. Jahrhunderts bezeichnet. Er veränderte im Alleingang den Lauf der Kunstgeschichte. Wie hat er das gemacht? Joke de Wolf gibt einen kurzen Vortrag über Picasso am Vorabend seines fünfzigsten Todes.
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‚De karige maaltijd‘ overtuigt meteen, ondanks de rare verhoudingen
Toen Picasso in 1904 De karige maaltijd maakte, was hij 22 jaar. Hij had zich net definitief gevestigd in Parijs. De twee figuren zitten dicht op elkaar aan tafel. De vrouw is in gedachten verzonken. De man naast haar heeft zijn knokige handen om haar heen geslagen, maar is er met zijn hoofd niet bij. Beiden zijn dun, aan de bovenarm van de man lijkt geen einde te komen.
Ondanks die rare verhoudingen overtuigt het beeld meteen. Het is alsof je aanschuift bij dit gezelschap.
De maaltijd bestaat uit stokbrood en rode wijn, camembert of brie ontbreekt. Het tafereel moet Picasso uit eigen ervaring hebben kunnen tekenen. Hoewel Picasso van kinds af aan in de watten was gelegd door zijn ouders, had het gezin het niet breed. Zijn vader was tekenleraar en had niet vaak een vaste betrekking.
Pablo voltooide al vanaf zijn dertiende verschillende kunstacademies, maar was tegelijkertijd arrogant en eigenwijs als het ging om regels en afspraken. Met een zelfportret waarop hij Yo Rey (Ik, de koning) had geschreven, vertrok hij naar Parijs. De zelfmoord van een vriend, het gevoel onbegrepen te zijn en zijn opiumgebruik zorgden voor meerdere depressies. De thema’s van zijn kunstwerken zijn in die tijd uiterst somber. In zijn schilderijen overheerst het blauw, de treurigheid druipt er vanaf.
In 1904 maakt Picasso een serie etsen, de acrobatenserie. Met die etsen, waarvan meerdere afdrukken verkocht konden worden, hoopte Picasso wat geld te verdienen. Deze afbeelding is de bekendste uit de serie. De man en de vrouw werken in het circus, althans, die suggestie wekt de kunstenaar.
In werkelijkheid was de ets een hommage aan Guillaume Apollinaire, een arme schrijver, dichter en kunstcriticus, die altijd een bolhoedje droeg maar allesbehalve mager was. Picasso had hem kort ervoor leren kennen. Apollinaire was zo enthousiast over het werk van de jonge Spaanse kunstenaar dat hij alles zou doen om Picasso beroemd te maken. Het bleek een gouden tandem, allebei zouden ze razendsnel tot de bekendsten in hun vak behoren.
„Les demoiselles d’Avignon“ wurde mit einem Terrorakt verglichen
Les demoiselles d’Avignon, das Pablo Picasso 1907 malte, schlug ein wie eine Bombe. Mit diesem Gemälde führte er eine radikal neue Art der Malerei ein. So radikal, dass es mit einem Terrorakt verglichen wurde.
Was zu sehen, wo sind wir?
Die fünf Gesichter sind die ersten Erkennungspunkte. Es gibt große Nasen, immer von der Seite, schmale Münder und vor allem riesige Augen, die jeweils ein Eigenleben zu führen scheinen. Vier der fünf Gesichter sind mehr oder weniger aneinandergereiht. Vorne rechts hängt ein Gesicht in der Mitte des Bildes. Und in der Mitte des Vordergrunds ist Obst: Weintrauben, eine Birne, vielleicht ein Apfel und ein Stück Melone.
Picasso nannte sein Gemälde ursprünglich 1906 „Bordell von Avignon“ und bezog sich damit nicht auf die südfranzösische Stadt, sondern auf eine Straße in Barcelona. Die Carrer d’Avinyó lag im Rotlichtviertel, wo Picasso als Kind gelebt hatte. Später änderte ein Kritiker den Titel, weil das Wort Bordell nicht ohne weiteres verwendet werden konnte.
Habe diese noch Demoisellen (junge Frauen) kaum explizite Geschlechtsmerkmale. Abgesehen von den Gesichtern sind ein paar Brüste dezent zu erkennen, Brustwarzen sind aber nicht zu sehen.
Die Bilder, die Picasso im ethnologischen Museum am Trocadéro in Paris gesehen hatte, sollen ihn zu dieser schematischen Darstellung von Frauen inspiriert haben, die bis dahin in der Kunstgeschichte immer möglichst realistisch gemalt wurden.
Die Statuen und Masken im Museum hatten eine magische Wirkung auf den Künstler: Er habe in ihnen einen Abwehrmechanismus erkannt, sagte er später. „Die Masken waren Waffen, um die Menschen zu lehren, unabhängig zu sein“, unabhängig von den Geistern, die sie bedrohten.
Mehr als achthundert Skizzen fertigte der noch junge Künstler an, bevor er zu diesem Ergebnis kam. Geometrische Formen würden weiterhin die Form der modernen bildenden Kunst für den Rest des 20. Jahrhunderts bestimmen. Diese Arbeit wurde später als die dafür verantwortliche Explosion angesehen.
Wie Picasso der Welt half, die realistische Malerei loszuwerden
Die Malerei besteht aus nichts als Flächen in Grau, Weiß und Beige. Es sind diese dunklen Streifen, die das „Gesicht“ im Bild definieren: zwei Locken oben, eine Kurve in der Mitte und ein paar parallele Linien. Gerade genug, um zu verstehen, dass dies eine Geige ist, aber in kubistischer Form.
Der Kubismus gilt als Beginn der modernen bildenden Kunst. Obwohl Künstler seit langem radikale Linien durch die traditionellen Ambitionen eines Künstlers ziehen, ein edles Thema so klug und erkennbar wie möglich darzustellen, waren diese Themen selbst immer Dinge, die man beobachten konnte.
Paul Cézanne malte denselben Berg, die Montagne Sainte Victoire, dutzende Male in Flächen und Blöcken, Ernst Ludwig Kirchner schilderte das Berliner Nachtleben in bunten Farbstrichen. Aber Picasso und sein Kollege Georges Braque waren die ersten, die die Darstellungsweise, also die Kunst selbst, zum Ausgangspunkt nahmen. Es war nicht wichtig, welches „Ding“ dargestellt wurde.
Das Ergebnis dieser Arbeitsweise ist, dass die Malerei so kraftvoll wird, dass Sie alles, was Sie von einem dreidimensionalen Objekt sehen können, in einem Bild festhalten können, wenn Sie es ganz umrunden. Damit initiierte er eine große Bewegung in der Kunst.
Georges Braque hatte diese Malweise 1908 mit einer Reaktion auf Cézannes Landschaften initiiert. Ein Kritiker hatte geschrieben, Braque reduziere alles auf ‚bizarrerien cubiques‘quadratische Absurditäten.
Braque war von Picasso beeindruckt gewesen Les demoiselles d’Avignon. Gemeinsam entwickelten die beiden Künstler ihren neuen Stil. Zwei Jahre lang besuchten sie sich gegenseitig täglich in den Ateliers, kommentierten sich gegenseitig und erst wenn beide das Gefühl hatten, die Arbeit sei fertig, war sie fertig. „Laborexperimente“ nannte ein Biograf ihre Arbeit in dieser Zeit.
So entstand dieses Gemälde, das Picasso in Anlehnung an die Formen einer Geige anfertigte. Es ist keine Darstellung einer bestimmten Geige, Picasso wollte sicher keine Aussage über das Geigenspiel oder die Musik im Allgemeinen machen. Es ging um das Gemälde selbst. Es war eine ideale Lösung für jemanden, der seine eigene Arbeit als Künstler über alles andere auf der Welt schätzte.
Mit „Guernica“ malte Picasso ein Kunstwerk, in dem sich das ganze Elend des 20. Jahrhunderts versammelt
Das Gemälde ist riesig: dreieinhalb Meter hoch und fast acht Meter breit. Vor schwarzem Hintergrund sehen wir viele ausgestreckte Arme und aufgerissene Münder. Oben links ist deutlich ein Stierkopf, in der Mitte ein Pferd. Die Figuren sind flach, fast kindlich.
Es werden nur Schwarz-, Weiß- und Grautöne verwendet. Auch die Maltechnik ist einfach. Wenn Sie sich das Gemälde genauer ansehen – Sie können dies im Museo Reina Sofia in Madrid tun – werden Sie feststellen, dass es noch viele Skizzenlinien gibt.
Diese grobe Ausarbeitung ist vor allem der Zeit geschuldet, die Picasso zur Verfügung hatte: Als er endlich wusste, was er für den spanischen Pavillon auf der Weltausstellung 1937 in Paris malen würde, musste es innerhalb von fünf Wochen fertig sein. Er hatte überlegt, ein Gemälde mit dem klassischen Thema des Künstlers und seines Modells zu malen. Der Bürgerkrieg in Spanien war für Picasso kein selbstverständliches Thema, er hatte sich bis dahin wenig politisch engagiert.
Das änderte sich, als die deutsche Luftwaffe am 26. April 1937 im Auftrag des spanischen Generals Franco das baskische Dorf Guernica bombardierte. Picasso sah die Fotos der Zerstörung und der Opfer. Es gab noch keine Farbfotografien, daher wählte Picasso die Schwarz-Weiß-Palette.
Das Werk war bereits im Zweiten Weltkrieg weltberühmt – es hing damals in den USA. Nach dem Krieg reiste das Werk durch Europa, wurde in Sao Paolo gezeigt und hing ab 1958 im MoMA Museum in New York. Dort versammelten sich Befürworter und Gegner des Vietnamkriegs vor der Leinwand, die inzwischen zu einem universellen Bild des Kriegselends geworden ist.
Picasso bestimmte, dass es erst nach Francos Tod nach Spanien gehen würde, seit 1981 hängt es in Madrid. Ein Wandteppich mit einer Kopie von Guernika hängt im Gebäude der Vereinten Nationen in New York. Als US-Außenminister Colin Powell dort 2003 die Kriegserklärung an den Irak erklärte, war der Wandteppich mit einem blauen Tuch überzogen. Seine Worte konnten nicht mit der ultimativen Vorstellung von dem Elend konkurrieren, das der Mensch immer noch seiner Art zufügt.
Der Kopf einer Frau in den Klauen eines Raubtiers
Dass es sich bei diesem Objekt um eine Vase handelt, erkennt man auf dem Foto erst auf den zweiten Blick. Die weit geöffneten Augen und der konvexe „Bauch“ darunter machen es sofort zu einem Abbild eines Lebewesens. Ein Mensch?
Mit ein paar Pinselstrichen am Boden der Vase macht Picasso deutlich, dass wir einen Vogel vor uns haben: eine Eule. Die beiden Henkel der Vase mögen wie Arme wirken, aber dank der v-förmigen Streifen versteht man schnell, dass es sich um Flügel mit Federn handelt. Die Eule hat auch ein menschliches Gesicht auf ihrem Bauch, das sie widerwillig zeigt.
Picasso hat seit seiner Entdeckung des Kubismus viele dreidimensionale Skulpturen geschaffen. Oft verwendete er Pappe oder ausrangierte Utensilien, denen er durch eine einfache Ergänzung seinen eigenen Twist gab. In den späten 1920er Jahren erlernte er das Schweißen und begann mit dieser „banalen“ Technik Skulpturen herzustellen. Sehr berühmt sein Stierkopfbestehend aus nichts anderem als einem Fahrradlenker und einem Sattel.
Picasso begann 1946 mit Keramik, als er von der Töpferei Madoura im südfranzösischen Vallauris, wo er lebte, eingeladen wurde. Das Dorf ist seit dem 16. Jahrhundert für seine Keramikproduktion bekannt. Picasso sah Möglichkeiten, er malte in kurzer Zeit mehr als fünfhundert Vasen, Schalen und Teller.
Picasso ließ sich eindeutig von den Entwürfen prähistorischer Vasen von der Iberischen Halbinsel, seinem Heimatland, inspirieren. Er sammelte selbst prähistorische Objekte, deren Form und Gestaltung er auch in seine eigenen Varianten einfließen ließ.
Picasso ging sogar so weit, sich selbst als Minotaurus zu sehen, das mythische Monster, halb Mensch, halb Stier, das im Labyrinth von König Minos eingesperrt war und einmal im Jahr sieben Jungen und sieben Mädchen fütterte.
Diese Vase Großer Vogel, schwarzes Gesicht, die Picasso 1951 schuf, scheint ebenfalls einen solchen mythischen Hintergrund zu haben. Die Eule hat ihre Flügel so um die weibliche Figur auf dem Bauch geschlungen, dass sie sie nicht mehr loslässt.
Es könnte nur Picassos Vorahnung sein, denn zwei Jahre nachdem er diese Vase hergestellt hatte, würde Françoise Gilot ihn mit ihren beiden Kindern verlassen. Sie hatte seine Affären und seine Verachtung satt. Es war das einzige Mal, dass nicht der Künstler, sondern seine Geliebte die Beziehung abbrach.