Im zeitgenössischen Blockbuster-Kino zeichnet sich ein interessanter Trend ab, der sowohl auf eine sich ändernde Art des Geschichtenerzählens als auch auf einen sich ändernden Publikumsgeschmack hindeutet. Im letzten Jahr oder so gab es eine Umarmung von Aufrichtigkeit und Ernsthaftigkeit und Ablehnung der Ironie und des Zynismus, die die Form so viele Jahre dominiert haben.
Blockbuster-Kino wird seit mehr als einem Jahrzehnt von einem bewussten Selbstbewusstsein bestimmt. Charaktere in diesen Erzählungen kennen sich oft mit den Konventionen und Tropen des Genres aus, in dem sie sich befinden, und machen ironische Bemerkungen und selbstbewusste Bemerkungen, um dem Publikum zu versichern, dass sie auf dem Witz sind. Skripte rufen vertraute Klischees in Dialogen auf, eine filmische Abkürzung, die es einem Film ermöglicht, seinen eigenen Witz zu zeigen und gleichzeitig der Intelligenz des Publikums zu schmeicheln: Wir verstehen es, und wir wissen, dass Sie es auch tun.
Der kulturelle Moloch des Marvel Cinematic Universe (MCU) ist vielleicht das offensichtlichste Beispiel für diesen größeren Trend, insbesondere nach dem Erfolg von Joss Whedon Die Rächer. In den 1990er Jahren hatte Whedon eine Art zugängliches Selbstbewusstsein populär gemacht Buffy die Vampirjägerineine Fernsehsendung, bei der es nicht so sehr darum ging, die Tropen der klassischen Teenager- und Vampirerzählungen wiederzugeben, als vielmehr an einem Gespräch um sie herum beteiligt war.
Es gibt verschiedene Gründe, warum Ironie zu einer dominierenden kulturellen Kraft wurde. Ein Teil davon war zweifellos kulturell. Ironie entwickelte sich in den 1990er Jahren zu einer wichtigen Kraft, bei dem, was als „das Ende der Geschichte“ oder „das unipolare Moment.“ Diese Art von selbstbewusster Distanzierung machte für eine jüngere Generation, die unwahrscheinlich schien, einen gewissen Sinn die Chance, die Welt so neu zu definieren, wie es ihre Eltern getan hatten. Sie konnten die Dinge nicht ändern, aber sie konnten darüber schnarchen.
Es gab andere Generationenprobleme. Als diese Art von Ironie in den 1990er Jahren das öffentliche Bewusstsein eroberte, gab es diese Geschichten schon eine Weile. Whedon war „ein Fernsehdrehbuchautor der dritten Generation, möglicherweise der erste.“ Drehbuchautor Paul Schrader stellte fest, dass das Publikum in der Sprache der Geschichten ähnlich versiert war, da es „die Grundhandlungen gesehen, die Permutationen dieser Handlungsstränge, die Imitationen der Permutationen dieser Handlungsstränge und die Permutationen der Imitationen.“ Die Zuschauer waren versiert, also mussten die Geschichten es auch sein.
Es gab andere Gründe, Geschichten selbstbewusst zu machen. Als die Mainstream-Popkultur immer anspruchsvollere Genre-Konzepte – von Superhelden bis zu Vampiren – annahm, bemerkten Kritiker Whedons Selbstbewusstsein „trug dazu bei, die Charaktere zu vermenschlichen, die auf die fantastischen Kreaturen der Serie mit der gleichen ungläubigen Skepsis zu reagieren schienen wie das Publikum.“ Es ließ das Publikum mit Ideen an Bord gehen, denen es möglicherweise von Natur aus feindlich gesinnt war, Konzepte, die es sonst als abwegig abtun würde.
Natürlich war Whedon nicht der einzige Drehbuchautor der 1990er, der mit Selbstbewusstsein handelte. Autor Kevin Williamson half dabei das Slasher-Genre wiederbeleben indem Sie diese Postmoderne in Filme wie bringen Schrei, Ich weiß, was Du letzten Sommer getan hastUnd Halloween H20. Während dieses Selbstbewusstsein unbestreitbar Teil der Popkultur der 1990er Jahre war, blieben die größten Blockbuster dieser Zeit überraschend ernsthaft: Titanic, Jurassic Park, Star Wars: Episode I – Die dunkle Bedrohung, Der König der Löwenund selbst Forrest Gump.
Es ist in der Tat erwähnenswert, dass der Filmkritiker Jim Collins die Kino-Blockbuster des Jahrzehnts ausdrücklich als eine Welle von „neue Aufrichtigkeit“ in einem Aufsatz Erstveröffentlichung 1992. Unter Berufung auf beliebte Filme wie Feld der Träume, Tanzt mit WölfenUnd Hakenpositionierte Collins das hochkarätige Mainstream-Kino des Jahrzehnts als Reaktion auf Ironie, was Linda Hutcheon später als „Post-Postmoderne.“ Als solches blieb dieses Selbstbewusstsein weitgehend auf das Fernsehen und das Genrefilmschaffen der 1990er Jahre beschränkt.
Dieser Trend zu ironischer Distanz und bewusster Selbsterkenntnis könnte durch die kulturelle Reaktion auf die Anschläge vom 11. September gebremst worden sein. Nach der Gräueltat beeilten sich Experten zu erklären, dass es „könnte das Ende des Zeitalters der Ironie bedeuten“ und dass die Welt gerade „Zeuge des Endes ungezügelter Ironie.“ Natürlich zeigt sich im Nachhinein, dass Berichte über den Tod der Ironie stark übertrieben waren, aber es fühlt sich an, als ob sich dieses Selbstbewusstsein von der Standardform des medialen Geschichtenerzählens wegbewegt hat.
Das Publikum wollte diese wissenden Erzählungen nicht, zumindest nicht sofort. Ben Stillers Parodie auf die Modewelt Zoolander bekanntermaßen nur im Gefolge der Angriffe floppte in späteren Jahren rehabilitiert. Peter Jacksons Herr der Ringe Filme sprachen mit dem kulturellen Moment. Im Fernsehen wich das Selbstbewusstsein von Figuren wie Buffy Summers (Sarah Michelle Gellar) der Selbsternsthaftigkeit von Helden wie Gil Grissom (William Petersen). CSI und Jack Bauer (Kiefer Sutherland) weiter 24.
Natürlich bewegen sich diese Dinge in Zyklen. In den 2010er Jahren, zum großen Teil aufgrund des Erfolgs von Whedons Arbeit als Autor und Regisseur von Die Rächer, diese Art von Selbstbewusstsein bestimmte das moderne Blockbuster-Kino. Die Charaktere mussten in regelmäßigen Abständen scherzen und die inhärente Absurdität der Welten, in denen sie sich befanden, anerkennen, um dem Publikum zu versichern, dass nichts davon zu ernst genommen werden sollte.
Wie bei jedem Werkzeug können Ironie und Selbstbewusstsein gut oder schlecht eingesetzt werden. In den Händen kluger Autoren und Regisseure könnte dieses Wissen diese Erzählungen bereichern und diese Charaktere entwickeln. Zum Beispiel in James Gunns Arbeit an Das Selbstmordkommando oder der Beschützer der Galaxis Filmen untermauern diese Witze eine emotionale Aufrichtigkeit, die die Bögen dieser Charaktere – einschließlich Absurditäten wie Rocket Raccoon (Sean Gunn, Bradley Cooper) oder Polka-Dot Man (David Dastmalchian) – ernst nimmt.
Allzu oft kann sich diese schiefe Distanziertheit jedoch wie ein Film anfühlen, der sich selbst vom Haken lässt. Filme wie Schwarze Witwe untergraben ihre Bemühungen um ernsthafte Charakterarbeit, indem sie sie mit augenzwinkernden Witzen unterstreichen. Filme wie Star Wars: Der Aufstieg Skywalkers Entschuldigen Sie lächerliche Handlungsentwicklungen wie Jetpack-tragende Sturmtruppen, indem Sie einfach die drei Hauptdarsteller die tote Beobachtung wiederholen lassen, dass „sie jetzt fliegen“. In vielen Fällen fühlt es sich an wie ein Filmrennen, um einen Witz zu machen, bevor das Publikum es kann. Alles kann entschuldigt werden, wenn es anerkannt wird.
Diese ironischen Randbemerkungen schaffen oft eine emotionale Distanz zwischen dem Werk und dem Publikum. In Captain America: Bürgerkrieg, wenden sich die Avengers wegen einer Reihe persönlicher und politischer Meinungsverschiedenheiten gegeneinander. Der Film nimmt die Fehde jedoch nie ernst. „Wir sind immer noch Freunde, oder?“ Black Widow (Scarlett Johansson) fragt ihren alten Verbündeten Hawkeye (Jeremy Renner). Er antwortet grinsend: „Es hängt davon ab, wie hart du mich geschlagen hast.“ Hier gibt es keine Einsätze, nicht einmal in Bezug auf das grundlegende Charakterdrama. Alles egal.
Während dieser Zeit wurde es üblich, Filme mit großem Budget, die sich diesem selbstbewussten Scherz nicht hingaben, als „mürrisch“ oder „humorlos.“ Wie Seth Rogen betonte, das Ausmaß, in dem sich diese Blockbuster darauf stützten, ihre eigenen Konventionen zu fälschen machten große Studiokomödien effektiv überflüssig. Es gab nur hauchdünne Linien, die Blockbuster-Filme von liebevollen und sanften Parodien derselben Blockbuster-Filme trennten.
Interessanterweise scheint es im letzten Jahr oder so eine Verschiebung gegeben zu haben. Es ist vielleicht ein neu neue Aufrichtigkeit, weg vom Augenzwinkern und wissenden Selbstbewusstsein, zurück zu einer konventionelleren und weniger ironischen Herangehensweise an publikumswirksames Geschichtenerzählen. Die beiden größten Blockbuster des Jahres 2022 waren die von James Cameron Avatar: Der Weg des Wassers und Joseph Kosinskis Top-Gun: Maverick. Dies sind riesige Franchise-Filme, aber sie zeichnen sich dadurch aus, dass sie das Selbstbewusstsein moderner Blockbuster meiden.
James Cameron bleibt trotz seiner knallharten Persönlichkeit ein zutiefst sentimentaler Filmemacher. Einzelgänger ist ein Film, der schmerzhaft ernsthaft die Versuche der Titelfigur (Tom Cruise) darstellt, in seinem späteren Leben etwas Frieden zu finden, einschließlich der Versöhnung mit seiner alten Geliebten Penny (Jennifer Connelly) und dem Knüpfen einer Verbindung mit Bradley (Miles Teller). der Sohn seines verstorbenen Co-Piloten Nick (Anthony Edwards). Es gibt Momente des Humors, aber sie durchstechen nie die Realität der Filme.
Es gibt andere Indikatoren für diesen Trend. Die Regisseure Matt Bettinelli-Olpin und Tyler Gillett haben die wiederbelebt Schrei Franchise, ein Aushängeschild dieses wissenden Selbstbewusstseins der 1990er Jahre. Die beiden Filme von Bettinelli-Olpin und Gillett sind jedoch bei weitem nicht so archaisch wie Schrei 2 oder Schrei 4eine viel konventionellere und traditionellere Art des Slasher-Storytelling. Schrei VI dekonstruiert nicht die Tropen von Freitag der 13. Teil VIII: Jason erobert Manhattan ebenso wie sie zu feiern.
Einer der bisher größten Overperformer des Jahres war Glaubensbekenntnis III. Der Film übertraf Schätzungen von ein Trilogie-bestes Eröffnungswochenende von 36 bis 40 Millionen US-Dollaraufnehmen 58 Millionen Dollar in den Vereinigten Staaten Und 100 Millionen Dollar weltweit. Glaubensbekenntnis III ist ein Boxfilm, der um vertraute Tropen und Konventionen des Genres herum aufgebaut ist, aber er funktioniert zum großen Teil, weil er den Konflikt zwischen den Freunden, die zu Rivalen wurden, Donnie (Michael B. Jordan) und Dame (Jonathan Majors) völlig direkt und ohne hinterhältige Witze spielt oder Metakommentar.
Natürlich ist es viel zu früh, um zu erklären, dass die Ironie einen TKO erlitten hat. Diese Dinge ebben und fließen im Laufe der Zeit, wenn sich der Geschmack ändert und das Publikum abwandert. Es fühlt sich jedoch so an, als hätten moderne Kinobesucher vielleicht genug von Filmen, die mehr Zeit damit verbringen, ihre erzählerischen Tropen herauszufordern und zu verspotten, als sie damit verbringen, ihren Charakter und ihre emotionalen Bögen zu entwickeln. Schließlich ist es einfach, auf eine vertraute Genre-Konvention hinzuweisen und darüber zu lachen; es ist viel schwieriger, es überzeugend auszuführen. Aufrichtigkeit ist hart.
Ironie ist nicht tot. Angesichts dessen, wie es das letzte Jahrzehnt der Multimedia-Popkultur dominiert hat, könnte es gut sein, sich eine Auszeit zu nehmen.