Es wird viele Gründe dafür geben, dass die Superschurken-Fortsetzung mit großem Budget an den Kinokassen scheitert Joker: Folie À Deuxund man kann sich leicht vorstellen, dass es sich bei einem Genre um das Genre handelt, bei dem sich der Film zeitweise ziemlich stark einmischt: das Filmmusical. Anhänger für Joker 2 verheimlichte nicht gerade die Tatsache, dass es musikalische Sequenzen enthielt. Sie verkündeten die Einbeziehung der Popsängerin Lady Gaga, sie zeigten ihre Figur Lee, wie sie mit Arthur Fleck von Joaquin Phoenix sang und tanzte, zu den Sets, die man erblickte, gehörten eine Varieté-Show und etwas, das wie eine verrauchte Pianobar aussah – was braucht man, eine Straßenkarte? Sie schienen sich aber auch abzusichern, z Viele Trailer für moderne Musicals tun dieswie viel von diesem Material gezeigt werden soll, vielleicht vorsichtig, ob Fans des ersten Films von diesem bestimmten Genre-Pivot begeistert sein würden. Wie sich herausstellt, ist diese Absicherung textlich verankert Joker: Folie À Deuxweil es zu einem manchmal nebulösen, aber eindeutig vorhandenen Subgenre gehört: Es ist ein nervöses Musical.
Die meisten nervösen Musicals könnten einfach als Musicals beschrieben werden, möglicherweise mit der Vorsilbe „semi-“; Es handelt sich um Filme, die insgesamt die Form von Gesangs- und Tanzbildern annehmen, sich jedoch bewusst der ganzen Überschwänglichkeit des Genres widersetzen, aus einem Impuls heraus, sei es aus dem künstlerischen Wunsch, zu unterwandern, oder aus echter Nervosität, sich selbst aufzugeben. Es wäre leicht, sie mit nicht integrierten Musicals zu verwechseln, nicht zuletzt, weil das ein tatsächlicher Begriff ist und „nervöses Musical“ etwas ist, das ich mir gerade ausgedacht habe. Nicht integrierte Musicals, bei denen die Musiknummern eine rationale Platzierung in der Erzählung haben (normalerweise, weil die Charaktere Sänger, Tänzer, Musiker usw. sind), können einen ähnlichen One-Foot-In-One-Foot-Out-Effekt haben , und bilden die Grundlage des nervösen Musicals.
Es gibt auch viele ältere Filme, die ein oder drei Lieder enthalten, ohne sich ganz auf die musikalische Form festzulegen. Der einfacheren Definition halber nehmen wir an, dass das moderne (amerikanische) nervöse Musical seinen Ursprung in den Außenseitern und Filmgören der 70er Jahre hat, die das amerikanische Kino für immer veränderten, aber zu sehr in seine Vergangenheit verliebt waren, um die alten Bräuche aufzugeben vollständig. Dementsprechend schienen sich viele von ihnen nach irgendeiner Form von Musical zu sehnen, sei es Brian De Palmas Parodie-Rocksaga Phantom des ParadiesesRobert Altman ist nicht integriert Nashville (der mehr reine Musikdarbietung enthält als viele Konzertfilme), ist Martin Scorseses abstoßend New York, New YorkFrancis Ford Coppolas Boondoggle Einer aus dem Herzenoder sogar Steven Spielbergs 1941dessen Slapstick einige üppige musikalische Qualitäten aufweist, auch wenn er eine völlig andere Art von Film vermasselt.
Insbesondere die Scorsese- und Coppola-Filme bilden das Rückgrat des zeitgenössischen Nervenmusicals. Scorseses New York, New York könnte leicht als nicht integriertes Musical gelesen werden, als eine Showbusiness-Geschichte über die turbulente Beziehung zwischen einer Sängerin (Liza Minnelli) und einem Saxophonisten (Robert De Niro). Aber Scorseses Stil macht daraus etwas anderes: Er versuchte, eine realistische, dokumentarische Herangehensweise an Schauspiel und Dialog mit Liedern, Situationen und Bühnenbildern zu verbinden, die an altmodischere Musicals aus Jahrzehnten zuvor erinnern würden. (Er hatte sogar noch Glück, den Titelsong des Klassikers aller Zeiten zu singen, eine Art Glaubwürdigkeit, auf die man sich nicht immer verlassen kann.) Der resultierende Film ist kakophon, wenn auch oft faszinierend – ein Musical, das sich hartnäckig gegen sich selbst wehrt. Einer aus dem Herzen geht sogar noch weiter, mit atemberaubender Kinematographie, großartig ausgestatteten Bühnenbildern, aufwändigen Tanznummern und Charakteren, die nicht ganz singen können; Stattdessen drückt ein Soundtrack von Crystal Gayle und Tom Waits ihre Gefühle aus. Es ist auf jeden Fall sehenswert, aber emotional verbindet es nichts, und obwohl es rein vergnüglicher ist als Scorseses Version, ist es schwerer zu verstehen, warum genau Coppola das Bedürfnis verspürte, sich gegen seine eigenen musikalischen Elemente zur Wehr zu setzen.
Joker: Folie À Deux hat Elemente aus diesen beiden Filmen und was auch immer man sonst noch über diese missratene Produktion sagen kann, es ist auf jeden Fall ein interessanteres Stück Film-Gör-Recycling als das Abschöpfen des ersten Films Der König der Komödie Und Taxifahrer. Obwohl die Sets minimaler sind als Einer aus dem Herzenist die Kinematographie ähnlich reichhaltig und strukturiert, insbesondere im Vergleich zu den meisten anderen Superheldenfilmen der letzten Zeit. Die Dysfunktion der Beziehung zwischen Joker und Harley spiegelt beides wider New York Und Herzwo Scorsese und Coppola einen Kontrast zwischen der Schönheit älterer Musicals (und den darin enthaltenen oft verspielten oder zutiefst romantischen Verbindungen) und etwas Roherem und weniger Kameratauglichem zogen.
Aber Folie À Deux entlehnt seine zentrale Idee einem traditionelleren Musical, das dennoch zum nervös-musikalischen Spektrum gehört: Rob Marshalls 2002er Adaption von Chicago. Dieser Film stellte sich seine Musiknummern als Fantasien in den Köpfen seiner kriminellen Charaktere vor, und zwar sowohl aus thematischen Gründen (Krimi als Showbusiness) als auch aus praktischen Gründen (ein Gruß an die „Warum singen und tanzen sie aus dem Nichts?“-Menge, obwohl nichts wahrgenommen wurde Widerstand gegen die ähnliche Unplausibilität beispielsweise von zeitlich begrenzten Action-Sequenzen oder komischen Versatzstücken). Der Joker Die Fortsetzung macht das Gleiche: Die von Arthur und Lee geträllerten Lieder beginnen gelegentlich wie aus der realen Welt, mit A-Capella-Gesang oder leichtem Tanz, aber sie entwickeln sich häufig zu Arthurs ausgefeilten, musikalisierten Fantasien. Es ist eine clevere Art, die Spannung zwischen Fantasie und Realität darzustellen, die nervösen Musicals oft zugrunde liegt – wenn auch nur in Anspielung darauf Chicagoder Film hat möglicherweise einige falsche Lehren aus diesem einflussreichen Film gezogen.
Chicago wurde in Verbindung mit dem Vorjahr eingegangen Moulin Rouge!als eine Rückkehr zum Filmmusical der großen Studios nach Jahrzehnten des relativen Ruhens, und im Großen und Ganzen ist das wahr; der Kritiker-, Kassen- und Preiserfolg dieser Filme, Chicago Insbesondere hat es dazu beigetragen, dass Musicals wieder zu einem festen Bestandteil des Multiplexkinos wurden. Aber ChicagoDie Rationalisierung von Gesang und Tanz wirkt auch wie eine Vereinnahmung der nervösen musikalischen Form, um keine Spannung oder Zwietracht zu erzeugen, sondern dem Publikum klarzumachen, dass es einen Grund – eine Ausrede! – gibt, die Unwirklichkeit eines zu genießen musikalischer Rahmen. In den kargen Jahren davor Chicagohaben die Filmemacher eine interessantere, weniger entschuldigende Arbeit in dem nervösen Musik-Subgenre geleistet, das es tatsächlich schaffte, mit den Erwartungen zu spielen, wie es Scorsese und Coppola taten – wohl sogar erfolgreicher.
Jeder sagt, ich liebe dichvon Woody Allen (sorry), war in vielerlei Hinsicht eine traditionelle Musikkomödie (und eine traditionelle Unterhaltung im Allen-Stil der damaligen Zeit), mit einer Ausnahme: Fast jeder in der großen Ensemblebesetzung sang seine eigenen Lieder, unabhängig davon, ob er viel Gesangstalent hatte oder nicht, was ein nervöses Wackeln in den ansonsten polierten Film bringt. (Obwohl einige der Darsteller sich recht gut schlagen, ist man sich beim ersten Ansehen nie sicher, was man von einem bestimmten Song erwartet.)
Noch auffälliger ist das von Lars von Trier Tänzer im Dunkelnin dem die Popsängerin Björk eine Frau spielt, die aus dem per Video gedrehten Elend ihres verarmten Daseins in üppige musikalische Fantasien flüchtet, die gleichzeitig über ihre Erfahrungen hinausgehen (größere Kameraeinstellungen als die Handaufnahmen, die ihr „echtes“ Leben definieren) Leben; jede Menge Extras; kräftigere Farben) und immer noch von den Einschränkungen beeinflusst, die nur außerhalb des Bildes liegen (sie sind immer noch auf digitalem Video aus der Zeit des Jahrs 2000 gedreht). Was die Sache noch komplizierter macht, Tänzer im Dunkeln Selbst in seinen realen Abschnitten herrscht schweres Melodrama vor, das durch die unterschiedlichen Techniken eine kühne Steigerung der Emotionen hervorruft.
Im Vergleich dazu ist die Idee von ChicagoDie musikalischen Einlagen, die in Roxie Harts Kopf ablaufen, wirken ein wenig oberflächlich und simpel, da Marshall minimalistische, inszenierte Inszenierungen mit hektischen Musikvideoschnitten kombiniert. Das ist das Dilemma des nervösen Musicals: Wie kann man diese Ambivalenz oder Spannung innerhalb des Genres ausdrücken, ohne wie eine ausgedehnte Entschuldigung dafür zu wirken?
Die Musiknummern sind mit Sicherheit der beste Teil davon Joker: Folie À DeuxUnd die Art und Weise, wie sie Lady Gagas potenziell kraftvollen Gesang zurückhalten und stattdessen das Niveau von Phoenix‘ ruhigerem, weniger sicherem Gesang erreichen, schwächt die Spannung des Films besser ab und erhöht ihn besser als fast alles, was in seiner realen Welt passiert. Dennoch scheint Regisseur Todd Phillips die Form auch ein wenig peinlich zu sein, da er sie letztendlich eher als Arthurs dumme Wahnvorstellung betrachtet und nicht als etwas, das das Publikum tatsächlich gerne sehen und darin leben würde. Es gibt unzählige Möglichkeiten, die musikalischen Aspekte voranzutreiben Folie À Deux und bleibt dabei im Bereich eines nervösen Musicals, das sich diesem Gefühl der Freude nicht ganz hingeben kann; Phillips entscheidet sich für nichts davon und variiert schließlich die verschiedenen Musiknummern in Bezug auf Ort und Dauer, nicht jedoch in Tempo, Emotion oder Wirkung. Phillips hat nicht genug Vertrauen in die musikalischen Segmente, um ihnen etwas Komplexeres als Arthurs und Lees gemeinsame „Bis-es-nicht-ist-nicht“-Täuschung zuzuordnen.
Es ist auch nicht nur die Angst vor dem Comic-Milieu. Es gibt ein ähnliches Gefühl, von der Kühnheit im Herzen des Kommenden Abstand zu nehmen Emilia Pérezein Musical über einen Drogenboss, der den medizinischen Übergang zur Frau vollzieht – mit anderen Worten, ein Film, der stark auf seiner konzeptionellen Wildheit aufbaut. Wie mit Jokerdie Musiksequenzen des Films – eine herrlich lächerliche Krankenhaus-Forschungsnummer mit wirbelnden Pflegern; eine Karaoke-Bar-Sequenz mit der verliebten Selena Gomez; Zoe Saldaña lässt ihrem Frust bei einem Abendessen mit Abendgarderobe freien Lauf, dessen Begleiter erstarrt um sie herum stehen – das sind die besten Momente, die die Emotionen der Geschichte in kühne neue Richtungen zu lenken drohen. Und wie mit Jokerdiese Momente schwächen den Rest des Films nur ab und lassen ihn wie ein klobiges Melodram aussehen, dem der Mut fehlt, es auszusingen. Es fühlt sich an wie das filmische Äquivalent dieser Trailer, wie der für Folie À Deuxdie nicht ganz sicher zu sein scheinen, wie sie dem Publikum klar machen sollen, dass ihnen ein Musical verkauft wird.
Die Coppola- und Scorsese-Versionen des Musicals mögen traditionell weder erfolgreich noch befriedigend sein, aber ihre Frustrationen wirken nie zaghaft. Sie schließen einen unsicheren Waffenstillstand zwischen dem Versprechen der Künstlichkeit und den Beschränkungen der Realität. Die Schwierigkeit, ein nervöses Musical zu machen, jetzt, wo traditionelle Musikstücke weniger selten sind, besteht darin, dass letztere diese Nervosität, diese lebhafte Unsicherheit ausnutzen, um ein größeres Durcheinander zu ermöglichen. Es gibt Nervosität und Feigheit; Das Wichtigste bei der Produktion eines weniger traditionellen Musicals ist, den Unterschied zu verstehen.