Es lohnt sich, innezuhalten und über den phänomenalen Erfolg nachzudenken Oppenheimer. Dies ist eine dreistündige R-Rated-Biografie eines Wissenschaftlers. Ausgedehnte Teile des Films werden in Schwarzweiß gedreht. Obwohl zu den Nebendarstellern Matt Damon und Robert Downey Jr. gehören, spielt Fernsehstar und Charakterdarsteller Cillian Murphy die zentrale Rolle. An ein Massenpublikum wäre es in jedem Klima schwer zu verkaufen, vor allem aber im Zuge der Pandemie.
Allerdings hat der Film verdient Die weltweiten Kinoeinspielergebnisse beliefen sich bislang auf fast 500 Millionen US-Dollarübertrieben Transformers: Aufstand der Bestien, Mission: Impossible – Dead Reckoning, Teil Eins Und Ant-Man und die Wespe: Quantumania. Der Film hat mehr als das gesammelt begeisterte Kritiken von Kritikern und gesichert ein „A“ CinemaScore vom Publikum. Es scheint sicher zu beschreiben Oppenheimer als Erfolg nach jeder quantifizierbaren Metrik.
Es ist besonders beeindruckend, weil Oppenheimer ist eine herausfordernde Arbeit. Es setzt sich mit komplexen Ideen auseinander und vertraut den Zuschauern darauf, sich mit schwierigen Themen auseinanderzusetzen. Es stellt Fragen zu die Beziehung zwischen Individuen und dem Bogen der Geschichte oder die Grenzen der Subjektivität eines Menschen angesichts existenzieller Schrecken. In Blockbustern bekommt das Publikum selten Gelegenheit, sich mit diesen Fragen auseinanderzusetzen. Es ist toll zu sehen, wie sie enthusiastisch reagieren.
Es gab jedoch ein gewisses Maß an Kontroversen Oppenheimer. Insbesondere gab es Streit darüber, was der Film auslässt, wie zum Beispiel die Bewohner von New Mexico, die von der Strahlung der Tests betroffen waren. Insbesondere gab es Hinweise darauf, dass die Weigerung des Films, die Bombenanschläge auf Hiroshima und Nagasaki auf der Leinwand darzustellen, ihn „moralisch halbherzig.“ Es gab Behauptungen, der Film sei „unausgeglichen„in seinen Bemühungen“um die Sympathie des Publikums für den Helden zu wahren.“
Natürlich ist alles lobenswert, was die Aufmerksamkeit auf die Schrecken der Atombombe und die Folgen dieses wissenschaftlichen Durchbruchs lenkt. Dieses Geschwätz herum Oppenheimer ist insgesamt positiv und bringt die Schrecken, die diesen indigenen Bevölkerungsgruppen und den Opfern in Hiroshima und Nagasaki zugefügt wurden, wieder ins Gespräch. Allerdings sind sie, wenn man sie als Kritik darlegt, etwas wenig überzeugend Oppenheimer als Film.
Christopher Nolan hat über seine Entscheidung gesprochen, die Bombenanschläge auf Japan nicht darzustellen. „Wir wissen so viel mehr als er damals“ er hat es erklärt. „Er erfuhr im Radio von den Bombenanschlägen auf Hiroshima und Nagasaki, genau wie der Rest der Welt.“ Es ist eine Wahl, die stilistisch Sinn macht. Als den Wissenschaftlern am Ende des Films schreckliche Bilder von den Folgen der Bombenanschläge gezeigt werden, wendet Oppenheimer (Murphy) selbst seinen Blick ab. Der Film ist so subjektiv, dass auch er den Blick abwendet.
Es stellt sich auch die Frage, ob das möglich wäre Oppenheimer die Detonation der Bombe als etwas anderes als ein Spektakel darzustellen, so schrecklich es auch sein mag. Auf IMAX gefilmt und mit praktischen Effekten erstellt, wäre der Bombenanschlag eine atemberaubende technische Leistung. Wollen diese Kritiker das wirklich? Den Tod Hunderttausender japanischer Zivilisten – unentwickelt, anonym – bis ins kleinste Detail auf dem Bildschirm darzustellen?
Es ist auch fraglich, ob Nolan, ein britisch-amerikanischer Filmemacher, in der Lage ist, die Bombenanschläge im Kontext einer Blockbuster-Sommerveröffentlichung eines großen amerikanischen Studios darzustellen. Vielleicht gehört es ihm nicht, diese Geschichte zu erzählen. Es gibt unzählige Erkundungen von Die Atombombenabwürfe aus japanischer Sicht. Shôhei Imamuras Schwarzer Regen Gerade auf MUBI angekommen eine Woche später OppenheimerVeröffentlichungund bietet eine viel authentischere Darstellung des Horrors.
Schließlich ist es kaum zu glauben, dass irgendein Zuschauer davonkommen könnte Oppenheimer Ich glaube, dass der Film die Atombombe befürwortet. An bestimmten Stellen verzerrt sich Oppenheimers Realität, wenn er sich die Macht vorstellt, die er entfesselt hat – blendende Lichter, wackelnde Wände, ohrenbetäubender Lärm. Während Oppenheimer nach dem Bombenanschlag auf Hiroshima vor einer Menschenmenge spricht, stellt sich Nolan das Publikum als Opfer einer Atomexplosion vor – einschließlich seiner eigenen Tochter Flora.
Abgesehen von diesen Kontrapunkten zu dieser Kritik an Oppenheimer, da bleibt etwas Beunruhigenderes, das unausgesprochen bleibt. Diese Argumente wirken herablassend gegenüber dem Film und dem Publikum und legen nahe, dass die Zuschauer von Natur aus nicht in der Lage sind, einen Film anzusehen und zu ihren eigenen Schlussfolgerungen zu gelangen. Diese Perspektive begünstigt einen didaktischen Ansatz des Geschichtenerzählens, bei dem ein Medium kindersicher gemacht werden muss, bevor es einem Publikum präsentiert wird, wobei alle Kanten abgeschliffen werden müssen.
Es ist eine Art, über Medien zu sprechen, die der Verteidigung eines Werks gegen die absurdeste böswillige Kritik Vorrang vor dem Erzählen einer Geschichte einräumen. Es behandelt ein Kunstwerk als ein Rätsel, das es zu lösen gilt, und nicht als eine Frage, die es zu erforschen gilt. Oppenheimer ist das ungeheuerlichste aktuelle Beispiel für diesen Trend, aber es gibt eine zunehmend vorherrschende puritanische Form der Popkulturkritik. Es scheint, als würden einige Kritiker von Künstlern erwarten, dass sie das Essen ihres Publikums vorab zerkauen.
In letzter Zeit, Teer geriet wegen seiner wahrgenommenen Mehrdeutigkeit in die Kritik. Der Film ist eine heikle Darstellung einer lesbischen Komponistin (Cate Blanchett), deren Karriere durch den Vorwurf missbräuchlichen Verhaltens in einer Raubbeziehung mit einer ehemaligen Studentin zum Scheitern verurteilt ist. Der Film wurde vom Komponisten Marin Alsop als „Anti-Frau“ und vom Kritiker Richard Brody als „ein regressiver Film„Der Film ist zu eng mit der Perspektive seiner Hauptfigur verbunden, um alle relevanten Standpunkte zu dokumentieren.
Es gab einige Online-Debatten über die Entstehung „gemütlicher“ Subgenres. Diese Subgenres umfassen normalerweise gewalttätige Genres – wie z Grusel oder Krimis – und entfernen Sie viele der unangenehmeren oder unangenehmeren Tropen. Diese Geschichten bieten in der Regel Lesern oder Zuschauern, die sich mit dem Drumherum solcher Geschichten unwohl fühlen könnten, eine Möglichkeit, sie zu genießen. Sie erweitern angeblich die Grenzen dieser Genres und heißen Außenstehende willkommen.
Daran ist nichts auszusetzen. Tatsächlich ist es sehr lobenswert. Die Welt ist groß und es gibt jede Menge Platz für alle. Es gibt zum Beispiel etwas Anziehendes an der Vorstellung von Heimtückisch Horror-Franchise als relativ Gore-freier PG-13-Einstieg in den Horror für Zuschauer, die zu jung sind, um sich das anzusehen Halloween, Exorzistoder Albtraum in der Elm Street Franchises. Es ist jedoch etwas anderes, zu argumentieren, dass alle Kunstwerke mit der niedrigsten inhaltlichen Zugangsschwelle konstruiert werden sollten – nämlich mit allem Horror muss oder sollen „gemütlich“ sein.
Dies ist kein hypothetisches Argument. In jüngster Zeit gab es einen Widerstand gegen die Idee von Sexszenen in den Medien, was Kritiker dazu veranlasste, Darstellungen von Sexualität zu verteidigen Bücher, FernsehsendungenUnd Filme. Es besteht auch die Tendenz, Darstellung mit Billigung gleichzusetzen, was darauf hindeutet, dass jede Darstellung einer Handlung – insbesondere einer vom Protagonisten begangenen – logischerweise mit der Zustimmung des Geschichtenerzählers einhergehen muss. Kunstwerke sind als moralische Gebote zu behandeln. Kein Publikum darf sich jemals unwohl fühlen.
„Diejenigen von uns, die in der Kunst arbeiten, wissen, dass Darstellung keine Billigung ist“, argumentierte Regisseurin Kathryn Bigelow als Reaktion auf die Kritik an Folterdarstellungen in ihrem Film, Zero Dark Thirty. „Wenn es so wäre, wäre kein Künstler in der Lage, unmenschliche Praktiken zu malen, kein Autor könnte darüber schreiben und kein Filmemacher könnte sich mit den heiklen Themen unserer Zeit befassen.“ Bigelow hat hier Recht. Auch dies ist kein abstraktes Argument. Es ist vielmehr eine Anerkennung einer historischen Realität.
Jahrzehntelang wurde Hollywood von regiert eine Reihe moralischer Leitplanken, bekannt als Hays Code. Diese Richtlinien stellten sicher, dass die Branche nur angemessen gerechte Unterhaltung produzieren konnte, um die Sensibilität des Zuschauers zu schützen. Kriminalität konnte sich niemals auszahlen, und Kriminelle sollten niemals als sympathische Figuren behandelt werden. Sex konnte nicht dargestellt werden. Jedes nicht heteronormative Verhalten sollte als abweichend dargestellt werden. Jede Infragestellung oder Lächerlichkeit zeitgenössischer gesellschaftlicher Sitten war inakzeptabel.
Es ist keine Übertreibung, moderne Forderungen nach Reinheit mit dem Hays-Kodex in Verbindung zu bringen. Manche Kritiker geben sogar offen zu, dass sie eine Rückkehr zu den Tagen der Hollywood-Zensur herbeisehnten. „Sehen Sie sich Filme aus den 1930er, 40er und 50er Jahren an und Sie werden feststellen, dass sie ein Niveau an Klasse und hohen moralischen Standards vermitteln, das im heutigen Kino weitgehend fehlt.“ argumentierte Julie Mastrine. „Einfach ausgedrückt war Hollywood gesünder, weil es sich energisch dafür einsetzte […] ein Inhaltsstandard, den es heute nicht mehr gibt.“
Natürlich schränkte dieser Kodex ein, welche Formen der Menschlichkeit auf der Leinwand zum Ausdruck kommen konnten. Queere Charaktere existierten nur durch Schlussfolgerung. Interrassische Beziehungen waren ausdrücklich verboten. Kunst konnte ihr Publikum nicht ansprechen, sie konnte es nur durch eine eng definierte Vorstellung davon belehren, wie die Welt aussehen könnte. Es gab Helden und Bösewichte, zwischen beiden gab es eine klar definierte Grenze. Dieser Rand war mit so dicker Tinte gezeichnet, dass bei keinem Zuschauer Zweifel aufkommen konnten.
Das ist eine deprimierende Art, sich der Kunst zu nähern Oppenheimer. Dies ist besonders problematisch, da vielfältigere Künstler längst überfällige Möglichkeiten erhalten und neue Perspektiven bieten. Jetzt, da es mehr Frauen, farbige Menschen und offen queere Geschichtenerzähler gibt Endlich die Chance bekommen, es zu erzählen ihre Geschichten, warum sie einschränken? Auch wenn diese Argumente gut gemeint sind und in der Hoffnung formuliert werden, Künstler vor sich selbst zu schützen, ignorieren sie doch den Wert, den Schöpfer im Rahmen des Wachstums- und Lernprozesses Fehler machen zu lassen.
Dieses Unbehagen bei der Präsentation herausfordernder Ideen schränkt nicht nur Künstler ein. Es behandelt das Publikum als Kinder, die nicht in der Lage sind, sich mit komplexen Konzepten auseinanderzusetzen. Dabei wird der Raum, der zwischen dem Betrachter und einem Medium besteht, außer Acht gelassen und es wird betont, wie wichtig es ist, das Publikum diesen Raum auf eigene Faust erkunden zu lassen. Ein Zuschauer hat die Möglichkeit zu entscheiden, ob er sich mit solchen Ideen auseinandersetzen möchte – Bewertungen und Inhaltswarnungen gibt es schließlich –, aber die Möglichkeit dazu muss bestehen.
Wie Adam Kotsko kürzlich betonte, kann man den Wunsch verstehen, dass Kunst im Gegensatz dazu moralische Klarheit bieten soll Eine Welt, die oft moralisch aus den Fugen geraten zu sein scheint, aber die menschliche Erfahrung ist chaotisch, herausfordernd und kompliziert. Wenn die Kunst dies sinnvoll widerspiegeln soll, müssen ihr die gleichen Freiheiten gewährt werden. Filme wie Oppenheimer Und Teer sind wirksamer, weil sie sich weigern, sich auf stumpfe und vereinfachende moralische Aussagen zu reduzieren. Es ist in Ordnung, dass Kunst uns Unbehagen bereitet.