Eine so geradlinige, geradlinige Prämisse zu haben, ist eine bemerkenswerte Leistung von Regisseur Joseph Kosinski Spinnenkopf fungiert als trojanisches Pferd für größere zeitgenössische Themen, die sich mit freiem Willen, Ethik, und Gaslighting in der pharmazeutischen Industrie. Der Film, adaptiert von George Saunders‘ Kurzgeschichte „Escape from Spiderhead“, veranschaulicht die Gefahren unkontrollierter Macht von Männern, die Gott spielen, und konzentriert sich auf einen zwielichtigen Dr. Feelgood, dessen Hintergedanken willige Testpersonen in ahnungslose Laborratten verwandeln. Mit flinken Darbietungen, glattem Glanz, dunklem Witz, messerscharfen Gefühlen und einem von Yacht Rock durchdrungenen Soundtrack beweist der Film ein verführerisches Hoch.
In der abgelegenen Spiderhead Penitentiary and Research Facility meldet sich eine Gruppe von Gefangenen freiwillig für ein Drogentestprogramm im Austausch für eine umgewandelte Strafe. Sie wurden jeweils mit einem MobiPak ausgestattet, einem auf dem Rücken installierten Verabreichungsgerät, das stimmungsverändernde Chemikalien enthält, die alles von ihrem Sexualtrieb bis zu ihren kognitiven und sprachlichen Fähigkeiten kontrollieren. Und jeden Tag werden sie beauftragt, an psychologischen Experimenten teilzunehmen, die von banal (Beschreibung einer Person oder eines Ortes) bis herausfordernd (Entscheidung, wem eine gefährliche Droge verabreicht werden soll) reichen.
Verantwortlich für das provisorische Gefängnis ist Steve Abnesti (Chris Hemsworth), der daran glaubt, seine Gefangenen wie Gäste und Arbeitskollegen zu behandeln, ihnen ein falsches Sicherheitsgefühl zu vermitteln und sie dann dazu zu manipulieren, das zu tun, was er will. Er und der pflichtbewusste, naive Partner Mark (Mark Paguio) überwachen jeden sorgfältig, sowohl innerhalb als auch außerhalb ihrer therapieähnlichen Sitzungen. Die modernistischen Luxusunterkünfte mit sanften Rockklassikern, die durch die Lautsprecher pumpen, um die Teilnehmer gefügig zu halten, haben Jeff (Miles Teller), Lizzy (Jurnee Smollett), Heather (Tess Haubrich), Ray (Stephen Tongun), Rogan (Nathan Jones), und Sarah (Angie Milliken), die in einer relativ ungestörten Utopie nebeneinander existieren. Das heißt, bis diese scheinbar altruistische Fallstudie schrecklich schief geht und Jeff und Lizzy vermuten, dass Abnesti mehr Feind als Freund ist.
Die Drehbuchautoren Rhett Reese und Paul Wernick bauen auf interessante und scharfsinnige Weise auf dem Entwurf der Kurzgeschichte auf, verändern die Perspektive von einer singulären zu einer gemeinsamen Perspektive und besetzen sowohl Jeff als auch Steve als Protagonisten. Sie erweitern auch auf sinnvolle Weise zarte Verbindungen, wie die zugrunde liegenden Themen Resonanz und Belastbarkeit. Die ineinander verschlungenen Bögen des Paares entwickeln sich während des gesamten Films kontinuierlich weiter, während die Waagen vorhersehbar in verschiedene Richtungen eintauchen, was zu einem Machtaustausch führt. Die mehrschichtige Charakterkonstruktion verleiht der Geschichte Schwung und drängt zu einem mageren, gemeinen, wenn auch etwas bequemen Abschluss. Die Filmemacher verleihen gewöhnlichen Umständen eine großzügige Dosis komödiantischer Farce, was nicht nur durch den sophomorischen Running Gag mit einem fäkalen Graffiti-Künstler demonstriert wird, sondern auch in den Sitzungen, die Steves Liebestrank auf die Probe stellen.
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Allerdings werden nicht alle Änderungen am Quellmaterial so erfolgreich gehandhabt. Abgesehen von Lizzy und den geheimen Kämpfen, mit denen sie fertig wird, fungieren Frauen größtenteils entweder als Handlungsinstrument oder als Pointe. Ein Mangel an Bestimmtheit auf Seiten der Filmemacher untergräbt, ob diese Wahl als subversiver Kommentar ausgelegt werden soll, dass selbst dieses New-Wave-Kastensystem, ähnlich wie die dysfunktionale Gesellschaft außerhalb der Mauern der Besserungsanstalt, in Sexismus zusammenbricht. Außerdem schleicht sich ein abgestandener homophober Witz in das Verfahren ein und hält die Dinge auf Geheiß des schlecht durchdachten Teils auf.
Allerdings verstärken Kosinski und seine Mitarbeiter die Charaktere, ihre Konflikte und Rätsel mit filmischer Sprache. Es gibt eine starke visuelle Geschicklichkeit in der Verwendung von Montagen, bei denen Claudio Mirandas Kinematographie und Stephen Mirriones scharfe Schnitte im Gleichschritt kommen, Spannung und Elektrizität steigern und das Publikum in die Einsätze und Psyche einbinden. Jeremy Hindles Brutalist-meets-skandinavian-Cabin-Produktionsdesign und Amelia Geblers verbindendes Kostümdesign weisen uns auf die Perspektiven und Persönlichkeiten hin, die im Spiel sind. Joseph Trapaneses Kompositionen, die von herrlich humorvoll bis beklemmend düster oszillieren, ergänzen die klanglichen Schwankungen der Erzählung. Soundtrack-Auswahlen wie „The Logical Song“, „Feels So Good“, „What A Fool Believes“ und „Crazy Love“ laufen parallel zum eskalierenden Drama und zeigen sowohl klangliche als auch erzählerische Absichten.
Teller hat in seinem dritten Spiel mit Kosinski eine Leichtigkeit in seiner Darstellung als ein gewöhnlicher Mann, der nach Erlösung sucht und in außergewöhnliche Umstände geraten ist. Er verleiht seinem Charakter Nuancen, Kraft, und Verletzlichkeit, die uns dazu bringen, ihn zu unterstützen. Smollett bringt vor allem im dritten Akt Pathos und Herz in den Vordergrund. Doch die Hauptattraktion ist Hemsworths redegewandter, protziger Verkäufer mit einer soziopathischen Seite. Steve ist kein traditioneller Bösewicht-Archetyp, und in Verbindung mit seiner stilisierten, zugänglichen Garderobe ergibt er eine überzeugende Figur in den fähigen Händen des Schauspielers.
Während wir kleineren Details voraus sind, die einige entscheidende Katalysatoren definieren – und wahrscheinlich vorhersagen können, wohin die Geschichte führen wird – ist die Reise, die unternommen wird, ein fesselndes Abenteuer, das von intuitiven Schöpfern geleitet wird. Es ist nur eine vorübergehende Vergiftung, aber dieser zweistündige Dopamin-Tropf hält sein vergängliches Eintauchen die ganze Zeit aufrecht, während wir daran angeschlossen sind.