Es gibt zweifellos etwas Anziehendes an Künstlern, die nur sie selbst sein können – besonders Filmemacher, die 100 Prozent ihrer Persönlichkeit in jedes Projekt einbringen, egal ob es so viel braucht oder nicht. Baz Luhrmann ist einer dieser Künstler, und das hätte ihn zum perfekten Regisseur machen sollen Elvis, die Lebensgeschichte von Elvis Presley, einem einzigartigen Künstler für sich. Leider ist das, was das Publikum von Luhrmann bekommt, einfach übertrieben: Sein schnell schneidender Supermontagestil überwältigt das Thema, und das Ergebnis ist eine impressionistische, durcheinandergebrachte Highlight-Rolle von Presleys vielen Errungenschaften, trotz lebhafter Nachbildungen durch den Schauspieler Austin Butler als The King.
Dass Luhrmann Tom Hanks engagiert, um Colonel Tom Parker, den berechnenden Manager von Elvis, zu spielen, soll zweifellos sowohl die Kontrolle zeigen, die Presley in seiner Karriere fehlte, als auch das unbändige Talent und Charisma, das diese Kontrolle überstieg. Aber der bedrückende Stil des Regisseurs, der immer nach einer blendenden, geschwindigkeitsgesteigerten Darstellung von Ereignissen strebt, die bereits sind interessant genug für sich, greift dieses Trauma auf den verstorbenen Star leider zweimal auf – zuerst durch Parker auf der Leinwand und dann durch den Filmemacher als seinen Möchtegern-Biografen.
Hanks als Parker erzählt den Film, der mindestens so sehr von ihm stammt wie von Presley. Als Musikpromoter, der Sänger Hank Snow von einer Revue zur nächsten führt, kreuzen sich die Wege von Elvis kurz nach der Veröffentlichung von „That’s All Right“ auf Sun Records und er erkennt sofort das kommerzielle Potenzial – besonders, wenn der junge Sänger spontane Begeisterungsstürme auslöst ansonsten vornehmes Publikum. Presley seinerseits macht sich einfach die beiden Einflüsse von Rhythm & Blues und Gospel zunutze, die er erlebt hat, als er in den ärmsten und schwärzesten Vierteln von Memphis aufgewachsen ist. Aber Parker, der Dollarzeichen in den Hüften des jungen Mannes sieht, verführt den Sänger bald von seinem Sun-Vertrag mit der Sicherheit eines Hauses, das Graceland werden würde, und dem Versprechen eines Familienunternehmens, das von seinem wohlmeinenden, aber nutzlosen Vater Vernon geführt wird ( Richard Roxburgh).
Presleys halb pfingstlerische/halb pornografische Drehungen in einer Handvoll Fernsehauftritten bringen ihn bald in heißes Wasser mit einer weißen moralischen Mehrheit, die seine Nähe – musikalisch und anderweitig – zu den schwarzen Künstlern, die ihn inspirierten, fürchtet. Parker schlägt vor, dass der Eintritt in die Armee (obwohl IRL Elvis eingezogen wurde) sowohl seine Kritiker besänftigen als auch vielleicht etwas von der rebellischen Energie, die sein hypnotisierendes Charisma untermauert, herausarbeitet. Während seines Dienstes in Deutschland trifft Presley die Tochter eines Soldaten, Priscilla (Olivia DeJonge), die später seine Frau wird; Nach seiner Rückkehr in die Staaten wechselt er zum Filmschauspieler, ein Unterfangen, das einen Großteil seiner Fangemeinde auslaugt und mit jedem wegwerfbaren Projekt sein Ziel schmälert, ein ernsthafter Schauspieler „wie James Dean“ zu werden.
1968 kehrt Presley mit einem Fernsehspecial zur Musik zurück, lässt seine Karriere wieder aufleben und schmiedet Pläne für eine Welttournee. Aber als Parkers Spielschulden – und seine mysteriöse Vergangenheit – ihn einzuholen drohen, manipuliert der Manager seinen Star, um sich mit einem jahrelangen Wohnsitz in Las Vegas abzufinden, wo Drogenmissbrauch und die Exzesse des Ruhms Elvis unweigerlich einholen und bedrohen sein Vermächtnis zu unterminieren.
Luhrmann stellt scharfsinnig fest, dass Presleys Karriere ein Vorreiter für die kulturellen und politischen Veränderungen Amerikas zwischen den 1950er und den späten 60er Jahren war, aber er widmet sich bestenfalls selektiv den Momenten, die selbst ein gelegentlicher Elvis-Historiker als „entscheidende“ Momente bezeichnen würde, von seinen ersten Aufnahmen bis zu seinen Reaktionen auf den Tod von Martin Luther King Jr. und Robert Kennedy. Es ist keine neue Erkenntnis zu beobachten, dass der Filmemacher unheilbare Angst vor Stille oder Stille hat, aber Luhrmann beginnt früh, das Leben seines Subjekts mit einer Montage nach der anderen zu kannibalisieren – weniger im Dienste von Presleys Perspektive als der von Parker. Und obwohl von Anfang an klar ist, dass der Manager ein Slimeball ist, fügt der Film diesem Porträt nie neue oder bedeutungsvolle Dimensionen hinzu.
Trotz Parkers wiederholter Bemühungen (auf der Leinwand und vermutlich im wirklichen Leben), seine Klientin zu zähmen, fängt Luhrmann wirkungsvoll ein, wie Presley gleichzeitig das sexuelle Erwachen des Landes ankurbelte und es durch die schwarze Musik – die „Rennrekorde“ – verkörperte “ – von dem der junge Mann so großzügig und liebevoll Anleihen gemacht hat. Man hofft, dass es mindestens ein paar junge schwule Männer gab, die beim Anschauen von Presleys erstem großen Fernsehauftritt in den 50er Jahren so angenehm durstig waren wie der im Film dargestellte. Aber was faszinierend (und lustig) anzusehen ist, ist die Art und Weise, wie Presleys Musik und seine Bewegungen als weitgehend unbekannte Größe, insbesondere unter dem weißen Publikum, Gefühle hervorriefen, für die nur wenige Fans zuvor Absatzmöglichkeiten hatten und denen sie folglich hilflos widerstehen konnten Teil, weil sie sie nicht vollständig verstehen konnten.
Als Elvis ist Butler ziemlich phänomenal; den Sänger von seiner Jugend bis zu seinen letzten Tagen zu spielen, zu singen, zu tanzen, sich (kurz) zu mästen und alles dazwischen, es gibt keine Risse in seiner Leistung (ich weiß nicht, wie viele der Gesangsdarbietungen von ihm waren, und nicht t besonders darauf achten). Wenn er als Schauspieler etwas mehr Gefahr ausstrahlt – zumindest nach den Maßstäben zeitgenössischer Ästhetik –als der echte Elvis, fühlt es sich wie die richtige Wahl unter einem Filmemacher an, der nicht in der Lage ist, subtil zu sein. Aber in Bezug auf die Tiefe und Identität der Figur navigiert Butler auf einem spinnennetzdünnen Grat zwischen Luhrmanns lauter Maschinerie.
Noch verwirrender – sogar katastrophaler – ist Hanks‘ Rolle als Tom Parker, dessen schwelende niederländische Wurzeln im wirklichen Leben entfernt erkennbar waren, aber hier durch einen Akzent verstärkt werden, der besser zu einem der Feinde von Austin Powers passt. Ungeachtet der schlichtweg schlechten Wahl, die Geschichte eines der berühmtesten Künstler aus der Sicht seines schurkischen Managers zu erzählen, behält Hanks eine beständige Fassade von Bedrohung und Unzuverlässigkeit bei, bis hin zu seinen kryptischen Beschreibungen von Presley, während die kulturelle Statur des Sängers wächst während des ganzen Films. Man könnte annehmen, dass Hanks Anerkennung dafür verdient, dass er endlich zum ersten Mal in seiner Karriere einen direkten Bösewicht gespielt hat, aber er spielt Parker wie einen solchen Teufel, dass es klar scheint, dass er zu seinem Nachteil von Luhrmanns kampflustigen Exzessen angestachelt wurde.
Luhrmann, der den Film mitgeschrieben, produziert und inszeniert hat, greift einige seiner früheren Tricks noch einmal auf Der große Gatsby und Moulin Rouge um Presley zeitgenössische Relevanz zu verleihen und einen musikalischen Wandteppich aus den Hits des Sängers und der Musik zeitgenössischer Künstler zu weben. Aber wie alles andere im Film sind sie ohne sinnvolle Wirkung zusammengewürfelt, während er sich zu sehr anstrengt, indem er Kostüme, Sets und Schauplätze aus den Lebensabschnitten seines Motivs halb nachbildet. Irgendwie sieht Elvis‘ Vegas-Bühnenshow exakt gerendert aus, aber der Regisseur kann Szenen, die auf einer Landebahn oder auf einem Hügel in Hollywood spielen, nicht überzeugend inszenieren.
Man kann sich vorstellen, dass solche Kritik für Luhrmann in der makellos ausgestatteten Pompadour des jungen Elvis wie Wasser vom Brylcreem tropft – oder vielleicht sind sie für jemanden, der so in karikaturistischer Theatralik verwurzelt ist, nebensächlich. Aber wenn man das Gefühl hat, nach einem Film weniger über ein Thema zu wissen als vorher, ist das eine schlechte Sache. Wenn eines aus der hier erzählten Geschichte deutlich wird, dann dass der Künstler sich selten (wenn überhaupt) in der Lage fühlte, sich selbst auszudrücken und seine kreativen Ambitionen zu seinen eigenen Bedingungen zu erforschen. Luhrmann war eindeutig dazu in der Lage – zumindest für sich selbst – als er versuchte, Presleys Geschichte zu erzählen. Aber als Coda zu einer Karriere, die wahrscheinlich von niemandem in einen Film aufgenommen werden kann, geschweige denn von diesem bestimmten Filmemacher, Elvis wiederholt traurig die durchgehende Linie seines Vermächtnisses: Es ist ein weiteres Beispiel für Künstler, die Presley ausnutzen, um ihre eigene Größe zu verfolgen, anstatt seine zu ehren.