In einem Pub irgendwo in Kent, England, bringt ein stark tätowierter Mann seiner neuen Frau ein Ständchen mit einem Cover von Blurs „The Universal“. Während er den Text mitträllert: „Es könnte wirklich, wirklich, wirklich passieren“, umarmt seine kleine Tochter einen Mensch-Vogel-Hybriden in einer ruhigen Ecke des Raumes. Die Flügel der Kreatur schmiegen sich um sie und schützen sie vor den neugierigen Blicken der Hochzeitsgesellschaft. Ihr betrunkener Gesang wird durch seine Federn gedämpft, was den Klang dieses seltsamen Paares, das synchron atmet, verstärkt.
Diese berührende Szene schließt Andrea Arnolds Leben ab VogelA fantastisches Märchen über die 12-jährige Bailey (Nykiya Adams), die mit ihrem Vater Bug (Barry Keoghan) in einem besetzten Haus in Kent lebt. Die Wahl des Liedes mag seltsam wirken, aber sie fängt Andrea Arnolds Filmstil perfekt ein. Der Regisseur hat sich einen Ruf für seine eigenwillige Musikauswahl erworben vor Kurzem aufgenommen dass Musik für ihren Prozess so wichtig ist, dass sie am Set einen Lautsprecher mit sich herumträgt, um zwischen den Aufnahmen Musik abzuspielen. Es ist eine Eigenart, die ihre Arbeit von der ihrer Kollegen unterscheidet – anstatt Lieder als nicht-diegetische Nadeltropfen zu verwenden, verwebt Arnold die Musik in ihre Geschichten und verknüpft jeden Titel mit ihren Charakteren und ihren Erfahrungen. Wie ein griechischer Chor, der eine Tragödie mit erzählerischer Einsicht untermalt, sind Arnolds Soundtracks von der Musik geprägt, die ihre Protagonisten selbst hören, und geben dem Publikum Einblick in ihren Geisteszustand, während sie gleichzeitig ihre Filme vertonen. Dabei scheut sie sich nicht, auch zeitgenössische Musik einzusetzen: Aquarium wird vom Klang von Cassie, Ja Rule und Ashanti bevölkert; Amerikanischer Honig von Rihanna und Rae Sremmurd. Moderne Musik ist für Arnold genauso ein Werkzeug beim Geschichtenerzählen wie alles andere, und sie wird oft zur primären Methode, mit der sie ihre Charaktere ihrem Publikum vermittelt.
Mit Ausnahme ihres Spielfilmdebüts Rote Straße und ihre 2011er Adaption von Emily Brontës Wuthering HeightsArnolds Filme tendieren dazu, einer ähnlichen Linie zu folgen. Ihre Filmografie wird von Küchendramen über die britische Arbeiterklasse oder düsteren Coming-of-Age-Geschichten dominiert, die jeweils Ton und Musik nutzen, um die Erzählung voranzutreiben. Sie hat diesen Trend erstmals mit gesetzt Aquariumin dem die 15-jährige Mia (Katie Jarvis) der Alltäglichkeit ihrer erstickenden Sozialsiedlung in East London entflieht, indem sie Tanzeinlagen choreografiert und sich dabei als Tänzerin in einem Hip-Hop-Musikvideo vorstellt. Indem sie sich musikalisch einem Genre anschließt, das weit von der Realität ihrer britischen weißen Arbeiterklasse entfernt ist, vermittelt Mia den unausgesprochenen Wunsch nach einem Leben jenseits der Grenzen der armen Welt um sie herum und findet Solidarität in den Themen und Texten ihrer Lieder der Wahl.
Während Mia ihre wachsende Anziehungskraft auf den Freund ihrer Mutter, Connor (Michael Fassbender), lenkt, spielt Musik eine entscheidende Rolle beim Erzählen ihrer Geschichte. Zu Beginn des Films wird Steel Pulses „Your Haus” hallt durch Mias Zuhause, der Text „Ich möchte in deinem Haus leben“ dröhnt im Hintergrund, während sie und ihre Mutter über ihr asoziales Verhalten streiten. Später spielt Connor im Auto Bobby Womacks Cover von „California Dreamin’“, während Mia ihn mit sternenklaren Augen beobachtet. Als sie sich endlich aus seinem Griff befreit, lässt sie die Bobby-Womack-CD zurück, die sie ihm gestohlen hat. Damit gibt sie ihre Fantasie, einen kalifornischen Traum zu verwirklichen, auf und kehrt stattdessen nach Hause zurück, um ein letztes Mal mit ihrer Mutter und ihrer Schwester zu tanzen. Das Lied? „Life’s a Bitch“ von Nas, eine urkomische Zusammenfassung von Mias bisherigem Leben.
Vogel erzählt eine ähnliche Geschichte über ein junges Mädchen, das angesichts eines turbulenten Familienlebens auf der Suche nach einer echten Verbindung ist, doch dieses Mal lässt Arnold den schillernden Hedonismus des amerikanischen Hip-Hop hinter sich und greift nach der Art von Musik, die man eher in einem … erwarten würde Film über die britische Arbeiterklasse. Untermalt wird dieser seltsame, süße Film durch die Ambient-Sounds von Blur, The Verve und Fontaines DC (Gitarrist Carlos O’Connell tritt sogar im Film auf) sowie eine Originalmusik des britischen Musikers Burial. Jedes Lied ist so ausgewählt, dass es die Turbulenzen in Baileys Leben und ihrer Beziehung zu ihrem Vater widerspiegelt, die in einem flüchtigen Rhythmus tanzt. Vor allem die Fontaines-Tracks scheinen für diesen Film geschrieben worden zu sein; Der Refrain von „A Hero’s Death“ versichert uns, dass „das Leben nicht immer leer ist“, was wie eine direkte Botschaft an Bailey selbst klingt, und der wiederholte Refrain von „I’m about to make a lot of Money“ in „Too „Real“ hätte leicht von Bug inmitten eines seiner lächerlichen Pläne, schnell reich zu werden, erschaffen werden können.
Zwischen diesen Liedern findet Andrea Arnold sogar die Zeit, ein paar Seitenhiebe auf die populären Lieder von heute zu werfen – Bailey ist entsetzt über die Aussicht, dass die neue Verlobte ihres Vaters ihr Leben mit der Musik von Harry Styles verunreinigen könnte, und Bug beleidigt Sophie Ellis-Bextors Leben „Murder on the Dancefloor“, ein Anstoß und ein Augenzwinkern für das Publikum, das sich vielleicht noch von den quälenden letzten Momenten erholt Salzbrand.
Passend zum chaotischen Puls des Soundtracks Vogel verbindet Launen mit unpassendem Realismus und ist zweifellos Arnolds bislang fantastischster Film. Während sich ihre früheren Filme auf entschieden sachliche Art und Weise mit Erzählungen über das Erwachsenwerden von Teenagern auseinandersetzen, Vogel taucht kopfüber in die Seltsamkeit dieser transformativen Zeit ein, indem er anhand der Figur eines Mensch-Vogel-Hybriden eine wirklich herzerwärmende Geschichte über die Kraft der menschlichen Verbindung erfindet. Mit drei jüngeren Geschwistern und einer Mutter, die eine Vorliebe für lüsterne Freunde hat, übernimmt Bailey schon in sehr jungem Alter die Rolle der Hausmeisterin und zwingt sich dazu, ihrer Zeit voraus zu sein. Abseits des Trubels ihres Zuhauses verändert sich ihr Leben durch eine Begegnung mit einem seltsamen, aber sanften Mann namens Bird (Franz Rogowski). Bird freundet sich mit Bailey an und erfüllt ihr Leben mit einem neuen Gefühl der Neugier, während sie durch die Höhen und Tiefen ihres Vorpubertätsalters navigiert. Unter allen anderen Umständen wäre Baileys Verbindung zu einem Fremden, den sie auf einem Feld traf, Anlass zur Sorge, aber durch Arnolds Linse wird diese Beziehung rein. Bird ist Baileys Schutzengel, die Figur, die gesandt wurde, um sich nach einer Kindheit, in der sie für sich selbst sorgen musste, endlich um sie zu kümmern. Er bietet Bailey einen Ausweg aus dem heruntergekommenen Haus, in dem sie mit ihrer Familie lebt, und obwohl sie nicht bereit ist, ihre Dankbarkeit äußerlich zum Ausdruck zu bringen, nimmt sie diesen Ausweg mit offenen Armen an.
Diese aufrichtigen Momente werden durch die absurderen Handlungsstränge des Films ausgeglichen – Bugs Versuch einer ehrlichen Arbeit erfolgt in Form eines verrückten Plans mit einer „Drogenkröte“ und halluzinogenem Schleim, der nur produziert wird, wenn die Kröte „aufrichtige Musik“ hört. Was folgt, ist eine völlig lächerliche Szene, in der Bug der Amphibie ein Ständchen mit einer Interpretation von Coldplays „Yellow“ bringt, während ein Raum voller Quasi-Erwachsener ist, alle betrunken oder high oder beides. So kitschig das Lied auch ist, es steckt eine überraschende Tiefe hinter Arnolds Entscheidung, dieses spezielle Coldplay-Lied in diesen Film aufzunehmen. So wie „Steel Pulse“ Mias Wunsch nach einem stabilen Zuhause zum Ausdruck bringt AquariumIn den Texten zu „Yellow“ geht es um Baileys Beziehung zu ihren beiden Vaterfiguren. So verantwortungslos er auch sein mag, Bug weigert sich, seine Rolle als Vater aufzugeben, und wenn er seinen Sohn festhält – ihn anfleht, nicht wegzulaufen, und ihn daran erinnert, dass er ein Zuhause hat, während Bailey dieser Liebesausschüttung zusieht –, entsteht das Gefühl, dass vielleicht er würde er blutet für seine Kinder aus.
Birds Verbindung zu dem Lied ist etwas wörtlicher – wie im Text verschwinden auch seine Haut und seine Knochen im wahrsten Sinne des Wortes zu einem majestätischen Tier, das Bailey vor dem missbräuchlichen Freund ihrer Mutter, Skate (James Nelson-Joyce), beschützt. Während Bailey auf dem Boden liegt, zusammengerollt in Embryonalstellung, um Skates Schlägen auszuweichen, und mehr wie ein Kind aussieht als jemals zuvor im Film, erscheint Bird wie ein Ritter in gefiederter Rüstung. Er verwandelt sich, während Bailey gebannt zusieht. Seine Haut reißt ab und gewaltige Flügel sprießen aus seinem Rücken, die Bailey in ihren Schatten hüllt und sie vor Skates Gewalt schützt. Hier verzichtet Arnold fast vollständig auf Musik und Partitur und zwingt uns stattdessen dazu, mit dem bedrückenden Klang von Birds wildem Krächzen, seinen Flügelschlägen und Skates qualvollen Schreien dasitzen zu müssen, während Bailey und ihre Familie vor dem Unmenschen gerettet werden. In dieser Sequenz wird Bird – der Bailey auf seiner Suche nach einer Familie gefunden hat – zum furchterregenden Raubtier, das seine Jungen beschützt.
Bugs Liebesbekundungen sind nicht ganz so heroisch wie die von Bird, aber wie er seiner Frau ein Ständchen bringt, während seine Kinder in der ersten Reihe sitzen, ist immer noch ein peinlich liebenswerter Anblick. Man könnte es verzeihen, wenn man zusammenzuckt, wenn man Keoghan falsch singen hört, aber die Zärtlichkeit der Szene kann nicht unbemerkt bleiben. Während Bug davon singt, die schlechten Tage loszulassen, unternimmt er seine ersten Schritte in Richtung eines neuen Lebens mit seiner Familie; Seine Hochzeit ist der perfekte Ort für den Beginn dieses neuen Kapitels. Während sowohl Bailey als auch Bug anfangs über die Erwähnung kitschiger Musik gespottet hatten, tanzen sie jetzt frei zu „Cotton Eye Joe“ von Rednex und erliegen der unbändigen Freude, mit Freunden zu solch einem fröhlichen Lied zu tanzen. Diese neu gewonnene Freiheit spiegelt Arnolds eigenen Weg wider, vom unharmonischen Einsatz von Hip-Hop, um von der Ernsthaftigkeit ihrer Geschichten abzulenken, bis hin zur Akzeptanz von allem, was aufrichtig ist. Als Bird zurückkehrt, um sich von Bailey zu verabschieden, seine Flügel ausbreitet, um sie zu umarmen, während er ihr versichert, dass es ihr gut gehen wird, ist es ein Moment sanfter Katharsis, eingefangen im Chaos dieser ausgelassenen Feier. Die Hochzeitsgesellschaft tanzt weiter um sie herum, ohne sich des bittersüßen Abschieds bewusst zu sein, und als der Klang von betrunkenem Karaoke noch einmal durchdringt, lässt Bailey endlich los.
Andrea Arnold hat eine einzigartige Musiksprache entwickelt, die sich im Laufe ihrer Karriere weiterentwickelt hat. Einst waren es die überlebensgroßen Klänge von E-40 und Eric B. & Rakim, die verwendet wurden, um die Komplexität ihrer hartnäckigen Charaktere zu vermitteln, aber in Vogelsie erreicht das Unmögliche, indem sie einen der langweiligsten Songs aller Zeiten auswählt (sorry, Chris Martin) und ihre Charaktere um den Text herum formt, indem sie den Pop-Track als leere Leinwand nutzt, auf der eine bewegende Geschichte über Familie und menschliche Bindungen gemalt werden kann. Indem sie ihre Melodie von den schwungvollen Klängen des amerikanischen Hip-Hop zu den gedämpfteren Tönen englischer und irischer Musiker ändert, mildert Arnold ihre Herangehensweise an Coming-of-Age-Geschichten und umarmt die Aufrichtigkeit in all ihrer unerträglichen Pracht.