Die Theatralik des Bösen hat die Karriere des Filmemachers Joshua Oppenheimer dominiert. Der erste Film seiner beiden brutalen, phänomenalen Dokumentarfilme –Der Akt des Tötens Und Der Blick der Stille– verwandelte den Völkermord in Indonesien von 1965 bis 1966 in umfassende Performance-Stücke, die von den tatsächlichen Tätern dieser Massenmorde nachgestellt wurden. Im zweiten Teil sieht man, wie sich Mörder im Verhör winden und wie ihre gruselige Selbstmythologisierung im Rampenlicht verschwindet. Oppenheimer gibt sein Erzähldebüt mit einer weiteren Beinahe-Farce über die Lügen, die sich Menschen erzählen, um den Tag zu überstehen. Das Ende ist kein Musical über Mörder mit blutigen Händen, sondern über die Familie eines fossilen Energiemagnaten, die nur wenige Schritte von der Drecksarbeit entfernt ist. Sie überleben die Postapokalypse in einem Bunker und singen kläglich über ihre Schuld, ihre Gegenwart, ihre Zukunft.
Die Künstlichkeit ist überall um sie herum – im wahrsten Sinne des Wortes. Mutter (Tilda Swinton) und Vater (Michael Shannon) wirbeln in ihrer gut ausgestatteten Ecke eines Salzbergwerks herum und schmücken die Wände saisonal mit Kunstwerken neu, die sie mit in die Eingeweide der Erde geschmuggelt haben. Das Paar und seine befreundeten Bediensteten (Bronagh Gallagher, Tim McInnerny, Lennie James) lieferten dem 20-jährigen Sohn (George MacKay), der in geboren wurde, eine tägliche Darbietung der Normalität das Tierheim. Er hat nur ein Leben nach dem Ende der Welt kennengelernt, was ihn zu einem besonders nachgiebigen Subjekt für die Weiterführung der Menschheit macht – und zu einem absolut bedingungslosen Publikum.
Es ist eine leichte Satire, die Kritik liegt sowohl in der fantastischen Form als auch im dürftigen Inhalt. Auch wenn das Haupthobby des Vaters nicht darin bestand, seinem Sohn eine revisionistische Biographie zu diktieren, so war es doch die Idee, dass die Menschen, die Dinge ruiniert haben, auch die Macht haben, die Geschichte umzuschreiben WHO Ruinierte Dinge laufen Amok Das Ende. Unerwartet trifft dies auch auf jemanden außerhalb dieser Blase zu: ein Mädchen von außen (Moses Ingram), das in ihr Versteck stolpert, geführt vom Rauch der Überlebenden. (Selbst nach einer Klimakatastrophe bremsen sie die Atmosphäre immer noch.)
Ihre Ankunft sorgt für die größte Spannung in der Handlung des 148-minütigen Films, obwohl selbst ihre bohrenden Fragen, die sich mit der konstruierten Realität der Familie auseinandersetzen, kaum den Puls eines Menschen höher schlagen zu lassen scheinen. Schon bald wird sie mit ihrem Sohn zusammengebracht und in die Familieneinheit integriert. Oppenheimer und sein Co-Autor Rasmus Heisterberg weichen allen Rassenfragen aus, die auftauchen könnten, wenn eine schwarze Frau, die in die oberirdische Höllenlandschaft hineingeboren wurde, in den ultimativen Raum weißer Privilegien gelangt, und entscheiden sich für eine kurze Unbeholfenheit gegenüber einer sinnvollen Konfrontation. Dies spiegelt möglicherweise das Leugnen-Leugnen-Leugnen-Ethos der reichen Obergräber wider, sorgt aber auch dafür, dass der ermüdende Film auf der Strecke bleibt.
Die Darsteller folgen diesem Beispiel und umkreisen das Bühnenbild, während sie ihre langwierigen musikalischen Monologe vortragen. Oppenheimer schrieb die Texte, wobei unter der atonalen Sonnigkeit, die auf die Melodien des Komponisten Joshua Schmidt abgestimmt ist, manchmal ein verborgenes Unbehagen hervorlugte. Unabhängig davon, wie sie eingesetzt werden, sind sie nicht die Ohrwürmer von Hollywoods Goldenes Zeitalteroder sogar besonders melodische, aber Lieder, die fast so oberflächlich und banal sind wie der Alltag der Familie. So wie sie zu ihren üppigen Mahlzeiten Wein trinken, obwohl dieser säuerlich ist, äußern sie ihre Gefühle trotz der gemeinsamen Fiktion, dass sie keinen haben – ihr Übermaß muss trotz aller gegenteiligen Beweise aufrechterhalten werden.
Wenn diese unterdrückten, verkümmerten Emotionen an die Oberfläche zu kommen drohen (wie in Shannons großer Nummer) oder sich vielleicht zum ersten Mal manifestieren (als Son sich in Girl verliebt), kommen Musik und Choreografie unserem Interesse am nächsten. Mikhail Krichmans flinke Kamera fährt in langen Einstellungen durch das sich wiederholende Gelände, wobei seine Lichter je nach Stimmung der sich wiederholenden Lieder von warmen zu kalten Tönen wechseln. Ingram und MacKay sind die besten Sänger der Gruppe, obwohl Shannon eine überzeugende Präsenz hat, die den Blick in seinen seltsam gestimmten Liedern fesselt (Swinton kann sich nicht einmal damit rühmen). Den jüngeren Darstellern, vor allem MacKay, wird in dem steifen Film etwas Geschmeidigkeit zugestanden – als MacKays männliches Kind sich losreißt und seine Arme wild herumwirbelt, entspringt zum ersten Mal Leben in den düsteren, düsteren Tunneln.
Aber Das Ende Es geht ihm mehr darum, sich durch kleine Halbrechnungen zu quälen, wobei die Opfer sowohl persönlich (die Zurückgebliebenen oder Verlassenen) als auch weitreichend (das unwirtliche Klima) sind. Doch der Hauptbeweis des Konflikts lebt nur noch auf dem Schießplatz des Bunkers, bei den Feuerübungen, als die von einer Kugel verursachte Narbe auf dem Unterleib des Butlers weiter. In einer abgeschwächten Version von Oppenheimers Sachbuch erscheint Selbsterkenntnis meist als versteckte Gewissensbisse und Gewissensbisse – und selbst das fühlt sich wie eine großzügige Fantasie an.
Man glaubt nie, dass diese oberflächlich skizzierten Überlebenden einer „besseren“ Zukunft entgegenhumpeln werden Das Endewie die Sänger einander und der Kamera mit zusammengebissenen Zähnen versichern. Doch die melancholische Absurdität, die sich über zweieinhalb Stunden hinzieht, schwelgt nicht in ihrer ironischen Verurteilung. Es ist ein langer Seufzer, ein unpassender Parodie-Song, der vor dem Vorhang der Menschheit aufgeführt wird.
Direktor: Joshua Oppenheimer
Autoren: Joshua Oppenheimer, Rasmus Heisterberg
Sterne: Tilda Swinton, Michael Shannon, George Mackay, Moses Ingram, Bronagh Gallagher, Lennie James, Tim McInnerny
Veröffentlichungsdatum: 4. Dezember 2024