Während einer Reise nach Los Angeles im Jahr 2019 beschloss ich, das Museum of Death zu besuchen. Ich habe eine komplizierte Beziehung zu wahren Verbrechen. Es ist sicher eine krankhafte und problematische Fixierung. Aber es gibt einen Grund, warum es auch allgegenwärtig ist. Wir alle sterben, und die meisten von uns haben Angst vor der Aussicht. Manche Menschen laufen vor ihren Ängsten davon. Andere rennen auf sie zu.
Ich persönlich renne auf die Dinge zu, die mir Angst machen. Aber an diesem Tag fand ich meine Grenze, am Ende eines scharf verwinkelten Flurs gegenüber einem Etagenbett, das ich vom Heaven’s Gate-Gelände mitgenommen hatte. Es handelte sich um eine Serie gerahmter Fotos, auf denen zwei nackte und blutüberströmte Menschen lächelten, als sie neben der zerstückelten Leiche des Mannes posierten, den sie gerade ermordet hatten. Ich erinnere mich an einen Kopf in einer Plastiktonne, obwohl das vielleicht nur Einbildung ist. Es war etwas, das ich nie hätte sehen dürfen, und es hinterließ einen Fleck in meiner Seele.
Der Abscheu, den ich in diesem Moment empfand, ist so alt wie die Menschheit selbst. (Oder älter – auch unsere Neandertaler-Vorfahren begruben ihre Toten.) Tabus in Bezug auf Tod und Leichen dienen im Wesentlichen dazu, die Lebenden vor einer buchstäblichen körperlichen Infektion zu schützen. Aber sie bestehen schon so lange, dass sie auch eine metaphysische Gestalt angenommen haben. Schon der Anblick eines Bildes einer toten Person lässt viele zurückschrecken, insbesondere wenn es real ist – oder auch nur realistisch. Es ist, als ob wir von diesen Bildern spirituell infiziert werden und dass ihr Anblick eine Tür zu unserer eigenen Sterblichkeit öffnet.
Dennoch suchen einige sie auf. Online-Subkulturen, die sich auf Notrufe, Body-Cam-Aufnahmen und die berüchtigten Gore-Boards des unregulierten frühen Internets konzentrieren, sind Nischen. Aber die Umgestaltung des Todes als Unterhaltung hat in der Exploitation-Filmproduktion eine lange Geschichte. Zuerst kamen die „Mondo“-Filme der 60er und 70er Jahre – ein bemerkenswerter Eintrag in diesem Subgenre. Das Töten Amerikaswurde von Paul Schraders Bruder Leonard gemeinsam inszeniert – und dann der Gesichter des Todes Serie, die eine Generation von Kindern traumatisierte, deren Eltern nicht darauf achteten, was sie sich in der Videothek ausliehen.
Viele (aber nicht alle) der Todesszenen auf diesen Bändern waren gefälscht, aber die Verpackung davon Gesichter des Todes als „real“ verlieh der Serie eine geradezu totemistische Kraft. (Eine bevorstehende Gesichter des Todes Das Remake verzichtet auf den Clip-Show-Vorwand zugunsten einer Standarderzählung, was sowohl enttäuschend als auch eine Art Erleichterung ist.) Und obwohl Gesichter des TodesDie Hingabe an diesen Teil macht ihn ungewöhnlich, es ist nicht der einzige Horrorfilm, der die Ästhetik des echten Todes nutzt, um seinen Schockeffekt zu steigern.
Wenn man Bilder als „Schnupftabakfilme“ oder „Tatortfotos“ einordnet, werden sie von gruseligen Erfindungen zu „verfluchten“ und „Dingen, die man nicht übersehen kann“, auch wenn wir als Betrachter verstehen, dass dies nicht der Fall ist Genau genommen real. Regisseur Osgood Perkins nutzt diese Technik in seinem neuesten Film fantastisch. Langbeine. Obwohl es sich größtenteils um eine traditionelle Erzählung handelt, steigert Perkins die ohnehin schon beunruhigende Stimmung zu Beginn des Films mit geskripteten „911-Anrufen“ und inszenierten „Tatortfotos“.
Diese geben den Ton an, während Special Agent Lee Harker (Maika Monroe) sich mit einer Reihe von Verbrechen vertraut macht, bei denen Väter ihre gesamten Familien getötet haben – ein grausames Phänomen, aber kein unbekanntes. Das Seltsame daran ist, dass an jedem Tatort ein Brief zurückblieb, der in Code geschrieben war (Farbtöne des echten Zodiac-Killers) und von jemandem unterzeichnet war, der sich „Longlegs“ nannte. Der Ton ist gedämpft und die Fotos weisen die sanfte Unschärfe eines automatischen Films auf. „Das ist nicht meine Tochter“, flüstert ein Mann im ersten Anruf, während die Kamera auf einen Schnappschuss einer Familie heranzoomt, die vor einem „Happy Birthday“-Banner steht. Das Lächeln des Vaters ist breit und seine Augen sind rot. Von da an verwandelt sich der Film wie eine Diashow in eine „Schlagzeile“ – ein weiteres Bild, das die Wahrheit symbolisiert – und enthüllt, dass der Anruf von einem der „Familienvernichter“ stammt, gegen die Harker ermittelt.
Dann blitzt eine Reihe von Bildern über den Bildschirm, die jeweils mit grellen Blitzlichtaufnahmen und rostigen Spritzern getrockneten roten „Bluts“ wie eine Tatortdokumentation aussehen. Der Rahmen der Fotos ist umständlich und amateurhaft und schneidet Teile der Körper der „Opfer“ ab, so dass sie eher wie schlaffe Puppen als wie Menschen aussehen. Hände und Füße ragen unter blutbefleckten weißen Laken hervor – was darauf hindeutet, dass es auch in der Freizeit einige Dinge gibt, die zu schrecklich sind, um sie zu sehen. „Man kann zu lange suchen“, sagt Agent Carter (Blair Underwood) zu Harker, als er sie schlafend auf dem Boden ihres Büros vorfindet, mit diesen Fotos vor sich ausgebreitet.
Das Kommende Seltsame Ernte: Okkulter Mord im Inland Empiredas beim diesjährigen Fantastic Fest Premiere hatte, geht das Konzept noch weiter. Regie führte Stuart Ortiz, der vor allem für seine Found-Footage-Serie bekannt ist Grabbegegnungenist der Film in keiner Weise von einer Dokumentation über wahre Kriminalität zu unterscheiden – außer dass die im Film gezeigten „Tatort“-Fotos und -Videos selbst für eine Premium-Kabeldokumentation viel zu anschaulich sind.
Langbeine spielt in den 90er Jahren, daher werden seine falschen Beweise mit der analogen Ästhetik von Film und Tonband präsentiert. Seltsame Ernte spielt in den 00er-Jahren, der Ära der körnigen Digitaltechnik – einschließlich eines „Webcam-Videos“, in dem ein junges Mädchen im Stil einer Hinrichtung vor der Kamera gefilmt wird. Die verschwommenen Bilder verleihen der Szene ein Gefühl von schmuckloser, amateurhafter Realität: Nicht etwas, das geschaffen wurde, um gesehen zu werden, sondern etwas, das durch Zufall eingefangen wurde. In Kombination mit der gruseligen Fantasie des extremen Blutes fühlt es sich wie eine Verletzung an.
Pascal Plantes Quebecois-Techno-Thriller Rote Räume ist in seiner Herangehensweise zurückhaltender und erforscht die schwärzesten Abgründe der menschlichen Psyche, ohne zu einer gruseligen Zurschaustellung zu werden. Dies geschieht durch den Einsatz einer altbewährten Horrortechnik: mehr anzudeuten, als es zeigt, und die Fantasie des Publikums in die Details einfließen zu lassen. Die Geschichte dreht sich um den Prozess gegen Ludovic Chevalier (Maxwell McCabe-Lokos), einen Mann aus Montreal, dem vorgeworfen wird, junge Mädchen in sogenannten „Red Rooms“ im Dark Web gefoltert und getötet zu haben. Diese Videos werden ausführlich besprochen, aber nicht wirklich gesehen, bis auf ein verschwommenes, weit entferntes Standbild eines leeren Betonraums, der mit Blut bespritzt ist.
Chevalier hat – in Ermangelung eines besseren Ausdrucks – Groupies, besessene junge Frauen, die jeden Tag seinem Prozess beiwohnen, um seine Unschuld zu bestätigen. Kelly-Anne (Juliette Gariépy) scheint eine von ihnen zu sein, obwohl ihre wahre Motivation eher im Dunkeln liegt. Trotzdem schließt sie eine Freundschaft mit Chevalier-Fan Clementine (Laurie Babin), die zu Kelly-Annes Haus kommt, nachdem Kelly-Anne herausgefunden hat, dass sie nirgendwo anders übernachten kann. Dort schauen sie sich einen der Chevalier-Schnupftabakfilme an, die Kelly-Anne auf ihrer Festplatte gespeichert hat.
Plante richtet seine Kamera in einer ununterbrochenen statischen Aufnahme auf die Gesichter der Frauen, und ihre Gesichtsausdrücke verraten viel über ihre Charaktere und den Inhalt dieser verbotenen Bilder. Wir sehen nicht, was passiert, aber wir hören die Geräusche von Schreien, Quietschen und das Drehen von Elektrowerkzeugen. Der Bildschirm leuchtet und taucht die Gesichter der Frauen in blutrotes Licht. Clementine fängt an zu weinen und geht am nächsten Tag nach Hause in die Kleinstadt Quebec. Was sie gesehen hat, hat sie gebrochen. Kelly-Annes Gesicht bleibt derweil ruhig und ausdruckslos. Von hier aus wird ihre Besessenheit nur noch dunkler und perverser.
In ein aktuelles Interview mit IndiewirePlante vergleicht Kelly-Annes Verhalten – und die Fangemeinde rund um wahre Kriminalität im Allgemeinen – mit einer Sucht und sagt, dass sie „dieses Gefühl der Gefahr nährt, um sich lebendig zu fühlen“. Horrorfilme im Allgemeinen bieten denjenigen, die sie konsumieren, eine kontrollierte Dosis an Tod und Gefahr, unabhängig davon, ob sie in eine Metapher abstrahiert oder direkt in Form blutiger „Kills“ präsentiert werden. Die Ästhetik dieser Einblicke entwickelt sich mit der Technologie und mit der wachsenden Medienkenntnis des Publikums weiter: Wo man einst einen Schock machen konnte, indem man Maissirup und Lebensmittelfarbe auf einen Blumenkohlkopf schmierte – wie es Filmemacher in der berüchtigten „Affenhirn“-Szene taten Gesichter des Todes– Die zunehmende Verfügbarkeit von echten Tatortfotos und Handyvideos, die echte Todesfälle festhalten, hat Filmemacher dazu veranlasst, einen anderen Ansatz zu wählen, bei dem körniger Amateurismus mit einer klinischen Aufmerksamkeit für blutgetränkte Details kombiniert wird.
Eines gilt jedoch über die Jahrzehnte hinweg: Je realistischer die Darstellung, desto stärker der Kick. Wenn nötig, können Sie jemanden dafür verurteilen, dass er eine Sucht hat. Aber es macht ihren Zwang nicht weniger menschlich.