Der Film von Alex Proyas aus dem Jahr 1994 Die Krähe ist wohl am bekanntesten als der Film, in dem Brandon Lee – Sohn des legendären Kampfkunst-Filmstars Bruce Lee – während der Dreharbeiten versehentlich am Set angeschossen wurde und Stunden später im Alter von 28 Jahren in einem Krankenhaus starb. Aber Die Krähe ist so viel mehr als das, wie Hardcore-Fans sowohl des Films als auch der James O’Barr-Comicserie von 1989, auf der er basiert, wissen.
Ich war 18 Jahre alt und weniger als einen Monat von meinem High-School-Abschluss entfernt, als Proyas‘ Film am 13. Mai 1994 in die Kinos kam; die perfekte Altersgruppe für einen Film wie diesen. Dreißig Jahre später habe ich es mir kürzlich noch einmal angeschaut und mich daran erinnert, wie sehr es an die 1990er Jahre erinnert. Bestmöglich datiert, Die Krähe ist eine Zeitkapsel dessen, was die Popkultur die 90er Jahre nannte: das Jahrzehnt der Angst.
Generationenforschung hat mich schon immer fasziniert, aber ich habe nie zu Unrecht bestimmte Altersgruppen für die Schwächen und Torheiten der Welt verantwortlich gemacht, geschweige denn sie auf diese Weise stereotypisiert mittlerweile berüchtigtes 1993 Newsweek Artikel mit der Generation X gemacht hat (und die Medien übrigens immer noch tun). Aber zuschauen Die Krähe Erinnerte mich erneut daran, warum mir der Film überhaupt so gut gefiel: Es war ein Film, der – ja, ich sage es so – die Angst zum Ausdruck brachte, die ich und viele andere Teenager Mitte der 90er empfanden.
Nehmen die Szene als Top Dollar – gekonnt gespielt von Michael Wincott – mit seiner Schwester, beide ganz in Schwarz gekleidet, im Schatten auf dem Bett sitzt und ihr eine Schneekugel zeigt, auf der ausgerechnet ein morbid aussehender Friedhof mit einem toten Baum darin zu sehen ist Es. Top Dollar sagt: „Dad hat mir das gegeben … er sagte: ‚Die Kindheit ist in dem Moment vorbei, in dem du weißt, dass du sterben wirst.‘“ Abgesehen davon, dass er sich fragt, ob so etwas existiert (Das tut es übrigens), fand ich, dass diese Szene perfekt auf den Punkt bringt, wie viele Erwachsene Teenager in den 90ern sahen: übermäßig dramatisch und mürrisch. Aber um fair zu sein, viele von uns wollten wahrscheinlich so wahrgenommen werden, wenn auch mit anderen, viel cooleren Begriffen wie nervös, launisch und introspektiv. Es war cool, ängstlich zu sein, und man musste nicht nur Schwarz und Make-up tragen, um es zu besitzen. Nein, einige von uns trugen Flanellhemden und Dr. Martens.
Angst gab es natürlich schon immer. Das Wort für die tiefsitzende Hoffnungslosigkeit, Sorge und Furcht, die wir alle erleben, wurde erstmals 1844 vom dänischen Philosophen Søren Kierkegaard in seinem philosophischen Werk geprägt Das Konzept der Angst. Darin definierte er sie als „Wirklichkeit der Freiheit als Möglichkeit der Möglichkeit“. Um dies zu veranschaulichen, verwendete er das Beispiel eines Mannes, der über den Rand eines hohen Gebäudes oder einer Klippe schaut und gleichzeitig den Drang verspürt, sich in Sicherheit zu bringen und sich abzustürzen, obwohl er sich völlig bewusst ist, dass er die Freiheit hat, beides zu tun erfüllte ihn mit Angst. Ich denke, man kann mit Sicherheit sagen, dass sich dieses Gefühl inzwischen normalisiert hat, was zum großen Teil dem Internet, den sozialen Medien und der aktuellen Lage der Welt zu verdanken ist. Aber vor 30 Jahren wurde es von Erwachsenen als eine Neuheit betrachtet, einer der vielen Begriffe wie zynisch, apathisch und faul, die ältere Generationen damals zur Beschreibung der Generation X verwendet wurden. So sehr ich diese Etiketten auch verabscheute, im Nachhinein hatten sie Recht.
Wir waren die erste Generation, die als Schlüsselkinder aufwuchs und nach der Schule nach Hause kam, um die Scheidungsrate in leeren Häusern von Alleinerziehenden zu beobachten erreichte einen Höchstwert von 22,6 Prozent im Jahr 1980. Wie Christine Hensler in ihrem Buch von 2012 schrieb Generation X wird global: Kartierung einer Jugendkultur in Bewegung, „Wir sahen den Verfall und Untergang (der Familie) zu und wurden dem Verlust gegenüber gleichgültig.“ Die Wirtschaft war Ende der 80er-Jahre am Boden, was bedeutete, dass der Arbeitsmarkt für diejenigen von uns, die zu dieser Zeit ihren College-Abschluss machten, schlecht war. Der Klimawandel oder die globale Erwärmung, wie wir ihn nannten, wurde in den 90er Jahren politisiert, und wir waren alle davon überzeugt, dass die Welt untergehen würde, wenn wir Greenpeace nicht beitreten würden. Die Prügelstrafe gegen Rodney King und die Unruhen in Los Angeles im Jahr 1992 zeigten uns, dass in Amerika nicht nur der Rassismus, sondern auch die Korruption der Polizei lebendig war. Wir wollten gegen das Establishment rebellieren – die Reichen, die Mächtigen, die Gierigen. Wir haben die Angst vielleicht nicht erfunden, aber wir haben sie auf jeden Fall gemeistert.
Alles über Die Krähe– von seinem Ton über seinen dreifach mit Platin ausgezeichneten Soundtrack bis hin zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung – brachte die kollektive Angst zum Ausdruck, die wir 1994 verspürten. Proyas‘ Adaption vermischte O’Barrs Gothic- und New-Wave-Ästhetik der 1980er Jahre aus den Schwarz-Weiß-Bildern der Comics mit dem Grunge-Bewegung der 90er Jahre, die Licht und Schatten mit einer reduzierten Farbpalette aus Blutrot und Dunkelgrau verwendet, um dem Film ein Gefühl von Angst und Traurigkeit zu verleihen.
Als Kurt Cobain, der unwillige Sprecher der Grunge-Bewegung, sich einen Monat zuvor das Leben nahm Die Krähe Veröffentlichung löste Schockwellen in der gesamten Musikindustrie aus, während die Nirvana-Jünger weinten. Als wir den ersten Schock überwunden hatten, wurde uns jedoch klar, dass es nicht so überraschend war. Nirvanas Lieder beinhalteten Themen wie Selbstzweifel, Trauma, Sucht, Isolation und soziale Entfremdung. Es gibt auch sein Lied: „Ich hasse mich selbst und möchte sterben„“ vom Album der Band aus dem Jahr 1993 In utero das spricht Bände. Wir waren an morbide Themen und wann gewöhnt Die Krähe Als wir in die Kinos kamen, war uns Cobains Selbstmord nicht nur noch frisch vor Augen, wir hatten auch das Gefühl, einen echten Geist zu sehen, als wir Lee ein Jahr nach seinem Unfalltod in seiner letzten Rolle sahen. Für viele von uns Die Krähe war die Katharsis, die wir für die widersprüchlichen Gefühle brauchten, mit denen wir – wie alle Teenager – belastet waren. Draven war ein ruheloser Geist, genau wie wir, gefangen zwischen den Lebenden und den Toten. Er wollte einfach nur wieder Frieden finden, doch zuerst musste er seine Buße bezahlen. Endlich war hier ein Film, der uns die Erlaubnis gab, zu toben, zu weinen, zu trauern und schließlich Trost für alles zu finden, was uns quälte. Ich meine, versuchen Sie, sich Dravens anzusehen Flashback-Szene als er sich darauf vorbereitet, Rache zu üben, während „Burn“ des Heilers in den Vordergrund rückt und nicht etwas fühlen.
Die Krähe war Proyas‘ erster amerikanischer Langspielfilm. Mit einem Budget von 23 Millionen US-Dollar verdiente er mehr als das Vierfache, nämlich insgesamt 93,7 Millionen US-Dollar während seiner Kinostarts. Nicht schlecht für einen Regisseur mit Erfahrung in Musikvideos. Aber genau das macht es für so viele Menschen so beliebt. Es ist, als würde man sich ein langes Musikvideo mit einem Soundtrack ansehen, der mit einigen der besten Bands der Zeit gefüllt ist – Rage Against the Machine, Nine Inch Nails, Stone Temple Pilots, The Cure und The Jesus and Mary Chain; eine Hommage an New Wave, Grunge, Metal und Industrial Rock der 80er und frühen 90er Jahre.
Mit noch einem Neustart von Die Krähe– dieses Mal von Regisseur Rupert Sanders—Wenn der Film am 23. August in die Kinos kommt, kann man kaum glauben, dass er der kulturelle Prüfstein sein wird, der Proyas‘ Film von 1994 war. In sein Vanity Fair Interview Über seine Adaption sagt Sanders: „Diesen Look hatte ich in den 90ern, als wir in London durch besetzte Häuser zogen. [mixed with some modern influences] wie Post Malone und Lil Peep. Ich hoffe, dass die Leute, die heute 19 sind, ihn ansehen und sagen: ‚Dieser Typ sind wir.‘“ Vielleicht wird es das, vielleicht auch nicht. Dreißig Jahre später hat der Tod von Brandon Lee immer noch eine große Bedeutung für dieses Franchise und macht jeden Neustart zu einer sinnlosen Übung. O’Barrs Comic-Reihe war zusammen mit Proyas‘ Adaption davon fünf Jahre später ein frisches, wenig bekanntes Projekt, umgeben von realen Tragödien, die dazu beitrugen, die akribische Leidenschaft zu befeuern, die für die Erstellung beider Iterationen erforderlich war; eine unglaublich persönliche Geschichte von Schmerz und Trauer, die zu einem Zeitstempel der Kultur der 1990er Jahre wurde. Wie wird diese neue Version die Jugend von heute widerspiegeln? Und wird es von ihnen so angenommen werden, wie Proyas‘ Version es war und immer noch ist?
Obwohl ich zögere Anruf Die Krähe ein Superheldenfilm Wie es oft beschrieben wird, ist es in einer Welt, in der Comic-Filme unsere Kultur dominieren, leicht, Eric Draven als unseren Gothic-Grunge-Helden zu sehen, der eine ganze Generation verkörperte und sie davor bewahrte, in ihrem eigenen Elend zu ertrinken. Gebäude brennen. Menschen sterben. Aber Angst ist für immer.