Hollywood ist voll von Regisseuren, die von einem Auftrag zum nächsten springen und ihre Spuren an den Kinokassen – und später bei Kabel- und Streaming-Programmen – hinterlassen, nur um ignoriert zu werden, wenn das Gespräch auf Größen wie Spielberg oder Scorsese kommt. Wolfgang Petersen war einer dieser Regisseure. Im Gefolge seiner Tod am 12. August im Alter von 81 Jahrenein Rückblick auf sein Schaffen, von einer Oscar-nominierten Wende mit Das Boot zum Popcorn-Spektakel Luftwaffe Einsenthüllt Titel, die noch lange nach dem Abspann nachhallen.
Petersen war der Typ Filmemacher, der den oft übertriebenen Ausdruck „Das kann ein Regisseur machen irgendetwas“klingt eigentlich wahr. Aus düsterem Sci-Fi-Stil der 80er Feindliche Minebis hin zu bodenständigen 90er-Thrillern wie Ausbruch und In der Schusslinie, die Reihe unvergesslicher Hits des deutschen Regisseurs während Hollywoods Blockbuster-Blütezeit beweist, dass fast nichts außerhalb seiner Reichweite als Geschichtenerzähler lag. (Ich meine, der Typ hat in den 2000er Jahren eine CG-Flutwelle zum Star gemacht Der perfekte Sturmder größte finanzielle Erfolg seiner Karriere).
Die frühen 2000er Jahre dienten dem Regisseur nach dem ungleichen Spektakel von 2004 anscheinend als eine Art Ruhestand Troja (sein erstes Perioden-Epos) und das Remake des Katastrophenfilms von 2006 Poseidon. Aber seine ansonsten beeindruckende Filmografie zeigt einen Filmemacher, der sich darin hervorgetan hat, einem Massenpublikum überzeugende Geschichten über komplizierte Charaktere zu liefern. Die fünf unten aufgeführten Filme unterstreichen, wie vielseitig Petersen als Regisseur war.
Die Konsequenz (1977)
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Wohl Petersens am meisten unterschätzter Film (und sicherlich einer seiner am meisten unterschätzten), Die Konsequenz (oder Die Konsequenz in seiner Heimat Deutschland) ist ein schwarz-weißes, emotional rohes Stück LGBTQIA+-Filmemachen. Basierend auf Alexander Zieglers gleichnamigem autobiografischem Roman aus dem Jahr 1975 dreht sich Petersens mitreißende Adaption um die Liebe eines schwulen Gefangenen zum jüngeren Sohn seines Wärters und die Homophobie, die sie in einer Welt ertragen, die ihre Beziehung nicht akzeptiert. Ursprünglich als Fernsehfilm in Westdeutschland veröffentlicht, Die Konsequenz zeigt, was zu einem von Petersens Markenzeichen werden sollte: Die emotional ehrlichsten Beats der Geschichte zu finden und sie glänzen zu lassen.
So schwierig und bruststraffend wie Folge manchmal sehenswert ist, insbesondere mit seinen dokumentarisch anmutenden Darstellungen der Hassverbrechen, die die Charaktere erleiden, stellt Petersen die karge Landschaft und das schlagende Herz seiner Liebesgeschichte gegen alle Widrigkeiten plastisch gegenüber. Während Petersen während seiner lukrativen Zeit in Hollywood niemals einen Film wie diesen drehen würde, lassen sich viele seiner narrativen Markenzeichen auf sein exzellentes Drama zurückführen.
Das Boot (1981)
White-Knuckle Spannung Kurse durch Das Boot’s Adern, dank Petersens geschicktem Umgang mit einer der erschütterndsten (und beunruhigendsten) wahren Geschichten des Zweiten Weltkriegs. Im Gegensatz zu den meisten Filmen, die in dieser Zeit spielen, Das Boot baut seinen langsam brennenden U-Boot-Nervenkitzel auf dem Rücken des Feindes – einer deutschen U-Boot-Crew – auf, während sie kämpfen, um einen Krieg zu navigieren, der eisige Meere in brennende Schlachtfelder verwandelt. Je länger die Matrosen unter Wasser bleiben, desto mehr fühlen sie sich in den Metallwänden ihres U-Boots eingeschlossen, und hier in diesem klaustrophobischen, moralisch angespannten Schnellkochtopf verwendet Petersen unerbittliche, schweißtreibende Nahaufnahmen, um wirklich einen U-Boot-Film zu liefern, der seinesgleichen sucht.
Petersen, der für den Film Oscar-Nominierungen für die beste Regie und das Drehbuch erhielt, vergöttert seine deutschen Landsleute nicht. Vielmehr malt er sie mit einer objektiven „So-ist-wie-die-andere-Halbleben“-Linse. Anstatt diese Männer auf den Seiten der Geschichte des Zweiten Weltkriegs in eine verherrlichte Fußnote zu verweisen, untersucht der Regisseur den emotionalen Tribut ihrer Mission, während er die Knochen des Publikums wie Wasserbomben erschüttert.
Die unendliche Geschichte (1984)
Ja, Petersen ist dafür verantwortlich, dass viele Kinder der 80er Jahre mit dem Tod von Arteyus mächtigem Ross Artax gezeichnet wurden Die unendliche Geschichte. Sein kompromissloser Ansatz zur Anpassung Michael Ende Kinderbuch investiert seine reiche Fantasiewelt mit real Als unbeholfener Junge sperrt sich Bastian (Barret Oliver) ein, um über den bevorstehenden Untergang von Fantasia durch die Hände des vulpinen Nichts zu lesen. Dabei findet sich Bastian in einer meta-y Wendung wieder und wird zu einer Schlüsselfigur in genau der Geschichte, die er erzählt.
Unterstützt von beeindruckenden physischen Marionetteneffekten (Falkor the Luck Dragon slaps) und einer mitreißenden Synthesizer-Partitur von Klaus Doldinger und Giorgio Moroder navigiert Petersen mehrere herausfordernde tonale Veränderungen (einige erfolgreicher als andere) mit einer einzigartig unbeirrbaren Herangehensweise an den Kampf eines Kindes um ein Kind fiktive Welt, deren Spiel nicht weniger als die Grenzen seiner Vorstellungskraft sind.
In der Schusslinie (1993)
Katz-und-Maus-Thriller erreichten im Sommer 1993 mit dem Sleeper-Hit ihren Höhepunkt In der Schusslinie mit Clint Eastwood, Rene Russo und John Malkovich. Letzterer wurde für seine Darstellung des Psychopathen Mitch Leary, eines ehemaligen „Wet Boy“-Attentäters der CIA, der den erfahrenen Geheimdienstagenten Frank Horrigan (Eastwood) mit dem Telefon verspottet, für den Oscar als bester Nebendarsteller nominiert (und der Film erhielt eine Nominierung für das beste Originaldrehbuch). Anrufe, die mit der Ermordung des fiktiven Präsidenten des Films drohen. Ein von Schuldgefühlen geplagter Frank war in Dallas im Dienst, als JFK getötet wurde, und die drei Schüsse, die an diesem Tag im Daley Plaza ertönten, hallen immer noch in ihm wider, als er versucht, Mitch aufzuhalten, bevor er über dem Grab eines anderen toten Präsidenten steht.
Jeff Maguires sicherer Tumbler eines Drehbuchs (der Gerüchten zufolge von Aaron Sorkin einen Dialogschliff erhalten hat) rastet so genau ein, dass man annehmen würde, dass alles, was ein Regisseur tun muss, auftauchen, die Kamera einschalten und einen einfachen Gehaltsscheck kassieren muss . Aber es ist nicht einfach, diese Regler zu drehen, um genau die Spannung zu liefern, die jede Szene benötigt, auch wenn Petersens Orchestrierung es mühelos erscheinen lässt. So effektiv er auch mit aufregenden Verfolgungsjagden und bodenständiger Detektivarbeit ist, der Regisseur glänzt wirklich mit seiner Ausführung der kleineren, intimeren (und manchmal lustigen) Momente zwischen Frank und seinem Liebesinteresse, Agent Raines (Russo ) – das beste Beispiel dafür ist ein Geständnis im zweiten Akt, in dem Frank, im Gegenlicht einer traurigen Nachtlandschaft vor seinem Hotelzimmer in der Innenstadt von Los Angeles, 30 Jahre angestautes Bedauern und Trauer auslässt, indem er mit Raines teilt, was er so schicksalhaft gesehen hat Tag in Dallas am 22. November 1963.
Eastwood liefert seine wohl verletzlichste Hauptdarstellerleistung aller Zeiten ab und erzählt unter Tränen zitternd, warum dieser „Burnout mit fragwürdigen sozialen Fähigkeiten“ im aktiven Dienst bleibt und neben Autokolonnen des Präsidenten läuft, in der Hoffnung, dass er eines Tages eine Kugel abbekommen kann, die drei Jahrzehnte gedauert hat um sein Ziel zu erreichen. Petersens unaufdringliche Inszenierung der Szene, gepaart mit John Baileys minimalistischer Kinematographie, lässt den Moment mit maximaler emotionaler Wirkung spielen – ein Markenzeichen von Petersens Hollywood-Filmen, das seine Gabe unterstreicht, Popcorn-Unterhaltung für eine emotional aufgeladene Payload zu gewinnen.
Luftwaffe Eins (1997)
Luftwaffe Eins, der zweitgrößte kommerzielle Hit in Petersens Karriere, ist auch sein popcornigster. Der Film verdeutlicht seine Fähigkeit, großvolumige, stargetriebene, multiplexfreundliche Action zu inszenieren, während er danach strebt, nichts anderes zu sein als „Stirb langsam im Flugzeug des Präsidenten.“ Es ist die unterhaltsamste und zugänglichste Version dieser Geschichte, eine, die mit Telefon-it-in-Performances oder überkochten Versatzstücken hätte erzählt werden können. Petersens Old-School-Hollywood-Ansatz trifft hier auf das Material. Darüber hinaus geht er dem Film klugerweise aus dem Weg, damit die Zuschauer das bekommen, wofür sie bezahlt haben: Harrison Ford schlägt und schießt Terroristen aus 35.000 Fuß. (Die Plakate betonten dieses Element und vermarkteten den Film mit extremen Nahaufnahmen von Ford, der ein Maschinengewehr umklammert, über dem Slogan „Nehmen Sie einfach mein ganzes Geld jetzt“ von „Harrison Ford ist der Präsident der Vereinigten Staaten“. )
Die Spannung in der Mitte des Fluges wird durch eine schwindelerregende B-Story am Boden angeheizt, während der Vizepräsident (Glenn Close in einer ausgelassenen Performance) darum kämpft, sich in der Politik des Weißen Hauses zurechtzufinden, während er Forderungen des russischen Terroristen Gary Oldman entgegentritt, den inhaftierten General Radek freizulassen (Das Bootvon Jürgen Prochnow). Trotz des klobigen und gehetzten CG des abstürzenden Flugzeugs während des Finales, Luftwaffe Eins liefert genau die Art von erwachsenenfreundlichem Sommerfilmpublikum, die Hollywood immer noch gemacht hat – und die Art von Film, die Petersen der König war.